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Eventi

Mostra: 1 RISULTATI

Conferenza sulla Fata Turchina a San Miniato

Evento di Soroptimist International Valdarno Inferiore

9 Novembre 20269 Novembre 2026

heroica.it

Scrivo di figure femminili nella cultura pop.

«Iᴛ’s ᴀ Gɪʀʟ’s Wᴏʀʟᴅ» Era ques

«Iᴛ’s ᴀ Gɪʀʟ’s Wᴏʀʟᴅ»

Era questo il titolo che campeggiava sulla copertina di Music Week, la principale rivista britannica del settore musicale, nella prima settimana di novembre di 30 anni fa. Il riferimento era a “Spice”, il primo album delle Spice Girls, uscito esattamente il 4 novembre 1996.
Per un periodo breve, ma sicuramente intenso, cinque ragazze hanno davvero avuto il mondo ai propri piedi.

Per festeggiare il trentennale del loro album di debutto, partiamo dal significato del titolo “Spice”, che rimanda a un’idea di femminilità esplosiva, sfacciata e un po’ piccante, per poi esaminare come il Girl Power – dalle Riot Grrrl alle Shampoo, fino ad arrivare alle Spice Girls – abbia rivendicato la girlhood, rifiutando gli stereotipi negativi a essa associati e valorizzando quell’irriverente senso di libertà e ribellione quasi infantile: un omaggio alle bambine e alle ragazze di tutto il mondo. ✌🏻🌎

Analisi completa: link in bio (e nelle storie)
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Parte 1 – 𝑃𝑟𝑒𝑡𝑡𝑦 𝑃𝑜𝑖𝑠𝑜𝑛 🥀

Nella serie animata di Batman, Poison Ivy (Edera Velenosa) sfrutta i codici della femminilità e le aspettative a essa legate, facendone armi letali. Non è un caso che Pamela Isley lavori nel settore cosmetico, né che la sua figura sia associata alla rosa, un fiore dalla bellezza delicata, ma protetto dalle spine: il rossetto nasconde il veleno, il bacio diventa uno strumento di morte. Poison Ivy porta alla luce tutte le spine della femminilità, rivelando il pericolo che si cela dietro la superficie della desiderabilità.

Scorri le immagini per leggere la prima parte dell’analisi →

🦋 𝐷𝑜𝑙𝑙𝑦 𝑃𝑎𝑟𝑡𝑜𝑛

🦋 𝐷𝑜𝑙𝑙𝑦 𝑃𝑎𝑟𝑡𝑜𝑛 🦋

«Non mi offendono tutte le battute sulle bionde stupide, perché so di non essere stupida… e so anche di non essere bionda».

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SPICE BOOM! Nell’estate di 30 anni fa, il mondo

SPICE BOOM!

Nell’estate di 30 anni fa, il mondo è stato travolto da cinque ragazze chiassose, scomposte, sfacciate e irriverenti. Con la loro energia esplosiva, le Spice Girls hanno ridefinito ciò che significa essere una ragazza negli anni ‘90.

Per celebrare l’anniversario del loro debutto, ho pubblicato un articolo che analizza tutti gli ingredienti del successo di questa leggendaria girl band: il Girl Power, l’amicizia e la solidarietà femminile, l’individualità e l’importanza di prendere in mano il proprio destino. Vivaci e scatenate come bambine a un pigiama party, le Spice Girls hanno fatto irruzione nella cultura pop sfondando ogni muro e lasciando un segno indelebile.

Cosa sono state le Spice Girls e cosa hanno rappresentato per un’intera generazione di ragazze (ora donne)?
Come ha fatto questa band creata a tavolino a prendere il controllo della propria carriera, mettendo a soqquadro l’industria musicale?
Cosa significa davvero “Girl Power”?

LINK IN BIO (e nelle storie)!

#spicegirls #girlpower #anni90 #anninovanta #culturapop

«Adesso basta fare la brava bambina» Il film di

«Adesso basta fare la brava bambina»

Il film di #Matilda, uscito nel 1996, mette in luce la libertà rivoluzionaria delle bambine che, libere dalle limitazioni imposte alle donne adulte, hanno in mano il potere di cambiare il mondo, riscrivendo la storia. 🌍📖

🎀📚

Diverse ricerche mostrano come le bambine dai 5 ai 7 anni siano restie a collocarsi autonomamente all’interno di ruoli di genere rigidamente divisi e normati. Tuttavia, più le bambine si avvicinano all’adolescenza e più questa capacità di resistenza comincia a erodersi. Non a caso, tutti i personaggi femminili adulti del film risultano – chi più, chi meno – prigionieri di schemi prestabiliti in relazione alla loro performance di genere. La mamma di Matilda rappresenta la casalinga superficiale, votata all’apparenza, che deride l’importanza dell’istruzione femminile, affermando che il vero obiettivo per una donna sia quello di sposare un uomo ricco. Dall’altro lato della barricata, la signorina Trinciabue rappresenta la donna in carriera che incarna i tratti più tossici della mascolinità, reiterando una visione patriarcale del potere. La preside rifiuta la femminilità: pur odiando tutti i bambini a prescindere dal genere, il film suggerisce che il suo disgusto sia più marcato per le bambine. A qualche secondo dalla sua comparsa la sentiamo dire, in sottofondo, “Cambia quelle calze, sono troppo rosa”, rivolgendosi presumibilmente a una bambina in mezzo alla folla, per poi scagliarsi contro le treccine di Amanda Thripp, la bambina più stereotipicamente femminile fra le compagne di classe di Matilda. Infine, la Trinciabue si scaglia con disgusto anche contro il nastro per capelli di Matilda, scimmiottando una vocina femminile per prendersi gioco delle bambine presenti prima di gettarlo a terra e sputarci sopra.

Nella ricerca di un modello femminile a cui potersi ispirare, Matilda esclude i due estremi citati, optando per la giusta via di mezzo: la signorina Honey, donna colta che lavora e acquisisce potere (alla fine diventa anche preside) senza perdere la sua femminilità, o più in generale la sua umanità.

Articolo completo: link in bio (e nelle storie)!

𝑇ℎ𝑒 𝐵𝑎𝑏𝑒 𝑤𝑖𝑡ℎ 𝑡ℎ𝑒 𝑃𝑜𝑤𝑒𝑟

#Labyrinth compie 40 anni.
A un mese dalla speciale proiezione organizzata da @staminacomics (che ringrazio ancora per l’invito!), ecco l’analisi del film. 🏰✨

Con il suo Viaggio, Sarah fa da raccordo tra diverse generazioni di eroine. A 16 anni compiuti è più grande di Alice, Dorothy e Wendy, ma anche di Biancaneve e Aurora che, nei rispettivi Classici Disney, a quell’età sono già sposate (e nelle fiabe si sposano ancora prima). Sarah, invece, è ancora una bambina: lo capiamo dalla sua cameretta, piena di giocattoli tra cui una bambola vestita da sposa. Nutrita di fiabe, si rifugia in un sogno romantico in cui Jareth, il Re dei Goblin, si innamora di lei e la “salva” dalla sua famiglia, conferendole alcuni poteri. Più tardi, Jareth offre alla ragazza tutto ciò che lei desidera in cambio della sua sottomissione, ma Sarah capisce che lei ha già dentro di sé il potere di cui ha bisogno e spezza l’illusione per prendere il controllo della propria vita. Non si piega di fronte all’antagonista, un uomo adulto che la desidera (una dinamica che ritroveremo tra Jasmine e Jafar in “Aladdin”).

Il fatto che Sarah riesca, solo sul finale, a ricordare le parole della formula che le permette di trionfare può essere accostato al concetto di una coscienza femminista che si forma nel tempo. Un potere interiore che non sapevi di avere finché non te ne rendi conto, al termine di un “viaggio” di scoperta. Anche il fatto che Sarah dica di essere venuta a “riprendere il bambino che hai rapito” cela un doppio senso: in originale, ‘child’ è un termine neutro che potrebbe riferirsi non solo al fratellino, ma anche all’innocenza di Sarah, quel lato infantile che Jareth ha cercato di violare nella scena del Ballo. Tuttavia, il finale di “Labyrinth” non rappresenta un rifiuto dell’amore romantico o del matrimonio, ma un modo per ribadire che ogni cosa ha il suo tempo. Tornata nella sua camera, Sarah prende la bambola vestita da sposa e la ripone nel cassetto. Sa che potrà tirarla fuori al momento giusto, quando sarà pronta.

→ Scorri le immagini per leggere il resto dell’analisi
↓ Vai nei commenti per scoprire chi è “the babe with the power”

Reggiseni appuntiti ed esplosivi nella cultura pop

Reggiseni appuntiti ed esplosivi nella cultura pop, da Madonna a Lady Gaga 💥
Il seno come arma fra moda, musica e cinema 🔫
Analisi del contesto sociale e del significato 💣

13 aprile 1990. Il reggiseno conico (cone bra) di Madonna debutta sul palco del Blond Ambition Tour, inaugurando simbolicamente l'era del post-femminismo.
Se le femministe degli anni '60 e '70 si erano liberate del reggiseno, vedendolo come uno strumento di oppressione imposto dal patriarcato, Madonna invece se ne riappropria, rivestendolo di nuovi significati.

Ispirato al bullet bra, il reggiseno a proiettile delle dive del cinema degli anni '50, il cone bra riprende la connotazione bellica del suo predecessore per lanciare un messaggio sul potere della sessualità femminile e, al contempo, farsi beffe delle fantasie maschili sul corpo delle donne. Intriso di ironia post-moderna (e post-femminista), il reggiseno appuntito di Madonna è un simbolo di assertività sessuale che ribalta i ruoli di genere, facendosi portavoce di un femminile che non è più accudente, docile e rassicurante, ma dominante, aggressivo e pungente. Un femminile che si prende spazio, portando al centro della scena il proprio desiderio sessuale, come nella celebre scena in cui Madonna mima un atto di autoerotismo sul palco. Il reggiseno conico rappresenta la massima espressione della femminilità tradizionale e al contempo la sua sovversione. Le coppe sono rigide, spigolose, affilate: Madonna le punta contro il pubblico come se fossero armi.

Sulla scia di Madonna, popstar successive come Lady Gaga, Katy Perry e Ariana Grande hanno ripreso la metafora del reggiseno come arma, talvolta rendendola più letterale, talvolta offrendo ulteriori spunti di riflessione e altre volte puntando troppo sull'ironia, a discapito del messaggio.

Articolo completo sul sito.
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Intervista a Barbucci & Canepa, gli artisti che ha

Intervista a Barbucci & Canepa, gli artisti che hanno dato vita al mondo di W.I.T.C.H. ✨

Insieme a Elisabetta Gnone, Alessandro Barbucci e Barbara Canepa sono stati per anni in trincea per difendere il loro progetto contro l’ottuso e rigido scetticismo di Disney Italia, che ha cercato di ostacolarli in tutti i modi. In W.I.T.C.H. hanno messo tanto della loro vita: Heatherfield, ad esempio, ha molto della loro città Natale, Genova.

A un certo punto, i rapporti con l’editore si incrinano definitivamente e i tre si allontanano dalla loro amata creatura, portando via con sé la storia che avevano in mente. Disney procede a suo modo, con il contributo di bravi sceneggiatori come Francesco Artibani e Bruno Enna, ma la storia che si dipana di numero in numero è diversa da quella che Gnone, Barbucci e Canepa avevano in mente. Per certi versi, la storia che abbiamo letto è più vicina all’immaginario fiabesco, e quindi allo stile tipicamente disneyano, mentre la storia originale pescava in modo piu profondo nel mondo New Age, nella wicca e nei tormenti dell’adolescenza. I confini fra bene e male non erano così netti, il Metamondo era tanto affascinante quanto pericoloso (il passaggio da un mondo all’altro era una metafora dell’adolescenza come età di transizione) ed Elyon non era una principessa, ma la sesta guardiana, con un potere… sorprendente.

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✨ Intervista completa: link in bio e nelle storie

W.I.T.C.H. compie 25 anni ✨ La rivista nasce qu

W.I.T.C.H. compie 25 anni ✨

La rivista nasce quasi come un atto di ribellione creativa da parte della divisione femminile dei periodici italiani della Disney dell’epoca: Elisabetta Gnone, Alessandro Barbucci e Barbara Canepa si lanciano in una vera e propria battaglia contro i vertici di Disney Italia per portare il loro progetto nelle edicole. Una battaglia durata anni per dare vita a un progetto dirompente e visionario: per la prima volta un fumetto Disney si rivolgeva alle teenager prendendo ispirazione dai manga, con cinque personaggi completamente nuovi.

Finalmente, dopo circa 4 anni di discussioni e rinvii, W.I.T.C.H. arriva nelle edicole: è il 3 aprile 2001, appena 4 giorni dopo il debutto di “Down Down Down” delle Lollipop, la prima girl band italiana. Ad accomunare W.I.T.C.H. e le Lollipop ci sono cinque ragazze, un’ispirazione comune (le Spice Girls) e uno sguardo oltre i confini per portare in Italia qualcosa che non c’era, rivolgendosi alle adolescenti. Mentre le Lollipop si scioglieranno nel 2004, W.I.T.C.H. diventerà proprio quell’anno il quarto periodico al mondo per numero di edizioni, ma il suo successo verrà offuscato dall’uscita della sua brutta copia (Winx Club) e da una serie animata non all’altezza del fumetto. Dopo 25 anni, guardiamo a W.I.T.C.H. con affetto e nostalgia, ma anche con un po’ di amarezza, perché - pur con tutto il successo che ha avuto in giro per il mondo - questo fumetto avrebbe meritato di più.

Per saperne di più:
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✨ Leggi l’intervista ai creatori: link in bio e nelle storie
✨ Scopri la fanzine per i 25 anni di W.I.T.C.H. sul profilo di @cronachediwitch

«Il femminismo ha reso le donne infelici?» È qu

«Il femminismo ha reso le donne infelici?»
È questa la domanda che si pone la società conservatrice degli anni ‘80. Susan Seidelman, regista di 𝑆ℎ𝑒-𝐷𝑒𝑣𝑖𝑙, dà la sua risposta...

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Susan Seidelman diventa celebre per aver diretto “Cercasi Susan disperatamente” (1985), film che racconta la storia di Roberta (Rosanna Arquette), una casalinga annoiata che cambia vita grazie all’incontro con una donna molto diversa da lei, l’anticonformista Susan (Madonna). Già qui, la regista esprimeva una critica non troppo velata al conservatorismo degli anni ‘80, con le donne spinte di nuovo nel ruolo di casalinghe, quasi come negli anni ‘50. A cambiare la traiettoria della protagonista è l’incontro con un’altra donna, in un film che mette al centro le figure femminili non solo davanti alla macchina da presa, ma anche dietro.

Qualche anno più tardi, con “She-Devil” (1989), Seidelman esprime una critica ancora più mirata alla società americana degli anni ‘80, guidata dal repubblicano Reagan: la regista si prende gioco delle ansie dei conservatori riguardo alle conseguenze del femminismo. Il contraccolpo conservatore si scontra infatti con il lascito progressista del decennio precedente, i risultati delle lotte per la liberazione femminile: si diffonde così la paura che il femminismo abbia causato un’inversione dei ruoli, con le donne “mascolinizzate” e gli uomini, di conseguenza, “demascolinizzati”. In risposta a questi timori, la società cerca di instillare un dubbio nella mente delle donne in carriera: è davvero questo ciò che vogliono? Non sarebbero più soddisfatte nel ruolo di mogli e madri? Possono davvero conciliare la famiglia con l’ambizione professionale?

In “She-Devil”, la scrittrice Mary Fisher (Meryl Streep) rappresenta una grottesca parodia dello stereotipo della donna in carriera insoddisfatta, che più di tutto vorrebbe un marito e dei figli, ma l’esito della vicenda è ben lontano da ciò che vorrebbero i conservatori. Come in “Cercasi Susan disperatamente”, anche in “She-Devil” i percorsi di due donne molto diverse fra loro si incrociano, portando a cambiamenti importanti nelle vite di entrambe.

Analisi completa sul sito: link in bio e nelle storie!

«There’s more to life than stupid boys!» Le p

«There’s more to life than stupid boys!»

Le prime tre stagioni di Stranger Things escono dal 2016 al 2019, nel periodo più ‘caldo’ del femminismo di Quarta Ondata. Non sorprende il fatto che la serie sia stata analizzata e spesso criticata in ottica femminista. Si è criticato, ad esempio, il fatto che la storyline di Undici, nella prima stagione, ruotasse attorno a personaggi solo maschili. In effetti, la ragazzina fa affidamento su Mike e sui suoi amici per imparare a “vivere”: attraverso di loro amplia il suo vocabolario, arricchisce i suoi riferimenti culturali e apprende le norme sociali di base, anche riguardo al gender. Per certi versi, Undici capisce di essere una ragazza proprio sulla base di ciò che la differenzia dai ragazzi: è attraverso il rapporto con loro che assorbe norme e aspettative di genere.
L’amicizia con Max, nella terza stagione, cambia tutto: finalmente Undici può confrontarsi con una ragazza come lei, che la spinge a costruire la propria identità al di fuori dei rapporti con gli uomini della sua vita (il padre, Hopper, e il ragazzo, Mike). Nelle storie teen, lo shopping montage simboleggia un rito di passaggio per le adolescenti, ma in questo caso il cambio di look non è volto a impressionare un ragazzo: tutto il contrario. Max spinge Undici a rifiutare il possesso e il controllo che Mike e Hopper esercitano nei suoi confronti, incitandola a fare le sue scelte e le sue regole. Parlare di una svolta “femminista” della serie sarebbe eccessivo, ma di sicuro il tema dell’autodeterminazione di Undici ha cominciato a essere esplorato maggiormente grazie all’amicizia con Max. I creatori della serie sono riusciti a rispondere alle critiche sollevate dalle femministe con una soluzione che risulta comunque credibile nel contesto in cui è ambientata la storia. Nella scena al centro commerciale, l’agency di Undici si lega direttamente al consumo, visto come parte centrale dell’essere una ragazza: provare diversi outfit significa provare diversi modi di essere, cercare un “nuovo sé” attraverso l’acquisto di beni. Questa mercificazione dell’empowerment femminile anticipa il girl power del decennio successivo.

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⭐ 𝑹𝒂𝒊𝒏𝒃𝒐𝒘 𝑩𝒓𝒊𝒕𝒆 (𝑰𝒓𝒊𝒅𝒆𝒍𝒍𝒂) ⭐
🌈𝐋𝐚 𝐩𝐫𝐢𝐦𝐚 𝐫𝐚𝐠𝐚𝐳𝐳𝐚 𝐦𝐚𝐠𝐢𝐜𝐚 𝐚𝐦𝐞𝐫𝐢𝐜𝐚𝐧𝐚 🦄
(… 𝑒 𝑐𝑜𝑠𝑎 𝑐’𝑒𝑛𝑡𝑟𝑎 𝐻𝑜𝑙𝑙𝑦 𝑑𝑖 “𝑆𝑡𝑟𝑎𝑛𝑔𝑒𝑟 𝑇ℎ𝑖𝑛𝑔𝑠”?)

“Rainbow Brite”, conosciuta in Italia come “Iridella”, è la prima serie tv statunitense a rivolgersi direttamente alle bambine. Il cartone debutta nel 1984: in questo periodo, sulla scia della Deregulation di Reagan, la televisione americana è invasa dai “toy-based cartoons”, serie animate che vengono create per pubblicizzare giocattoli. Per la prima volta, le bambine vengono prese in considerazione come target. All’inizio del decennio c’erano stati sporadici special come quelli di Strawberry Shortcake (“Fragolina Dolcecuore”, 1980-85), ma è “Rainbow Brite” (1984-86) ad aprire la strada alle serie animate di “The Care Bears” (“Gli orsetti del cuore”, 1985-88), “My Little Pony” (“Vola, mio mini pony”, 1986-87) e “Lady Lovely Locks” (“Lady Lovely”, 1987-88), solo per citare le più note. In Giappone, la situazione era ben diversa: le serie animate rivolte alle bambine andavano in onda già da fine anni ‘60 e spesso avevano al centro delle maghette: tutto è iniziato con “Mahōtsukai Sarī” (“Sally la maga”, 1966-68). Alla luce di questo, è significativo il fatto che anche la prima serie animata statunitense per bambine abbia come protagonista una ragazza magica: Rainbow Brite!

Negli anni ‘80, i cartoni rivolti alle bambine dipingevano un mondo in cui le donne erano al potere; un mondo che accentuava quei cambiamenti che, in modo più lento e faticoso, stavano avendo luogo anche nella realtà, con l’ascesa delle donne in carriera. Nei primi due episodi, Rainbow Brite affronta una vera e propria ‘quest’, come quella delle storie fantasy di romanzi, videogiochi e giochi di carte, assumendo un ruolo tradizionalmente maschile, quello dell’eroe. Anche il suo mentore è una donna: la voce che assegna la missione a Rainbow Brite, guidandola nel suo percorso, appartiene a una figura femminile (forse una Dea). In questa fantasia, la ‘femminuccia’ è più coraggiosa ed eroica di qualunque ‘maschietto’, una vera leader.

Scorri le immagini per leggere l’analisi e scoprire il nesso con Holly →

𝑇𝑢𝑡𝑡𝑖 𝑖𝑛𝑠𝑖𝑒𝑚𝑒

𝑇𝑢𝑡𝑡𝑖 𝑖𝑛𝑠𝑖𝑒𝑚𝑒 𝑎𝑝𝑝𝑎𝑠𝑠𝑖𝑜𝑛𝑎𝑡𝑎𝑚𝑒𝑛𝑡𝑒 usciva in Italia esattamente 60 anni fa!

Nel 1965, all’alba della Seconda Ondata Femminista, “Tutti insieme appassionatamente” suggerisce che - per sopravvivere in un mondo che sta cambiando vertiginosamente - la famiglia deve cambiare, a partire dal vertice: il padre (capofamiglia) deve abbracciare la nuova sensibilità del Dopoguerra, più attenta ai bisogni dei bambini (giocare ed esprimersi in libertà), lasciando da parte la disciplina ferrea (che nel film, per evidenziare il concetto, è addirittura di stampo militare) e l’educazione rigida e inflessibile del passato.
Il padre diventa meno autoritario, ma resta autorevole, instaurando con la madre un rapporto sempre sbilanciato, ma più paritario rispetto al passato.

Dovendo associare il messaggio del film a una corrente femminista, sarebbe sicuramente più vicino a quella liberale (rispetto a quella radicale) in quanto promuove condizioni più eque e favorevoli per le donne (e i bambini) all’interno di un sistema che resta patriarcale.
Questa modernizzazione o riconcettualizzazione della famiglia permette infatti di accogliere le nuove istanze femministe (e pedagogiche) mantenendo comunque il padre (patriarca) al vertice.
“Perché tutto rimanga com’è, bisogna che tutto cambi”.

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𝑭𝒐𝒓 𝒈𝒐𝒐𝒅. Wicked e la Disney:

𝑭𝒐𝒓 𝒈𝒐𝒐𝒅.
Wicked e la Disney: prima e dopo (parte 2 di 2)

Ormai il pensiero che un villain possa (o debba) avere una backstory è quasi scontato, ma prima di Wicked non era così.
Nella seconda (e ultima) parte di questo post, approfondiamo l’influenza che Wicked ha avuto sulle narrazioni di ispirazione fiabesca, con uno sguardo particolare alla Disney.

***

Il progetto per portare Wicked sul grande schermo è stato lungo e travagliato. Nel frattempo, negli ultimi 15 anni, ci ha pensato la Disney a colonizzare l’immaginario collettivo con le sue “streghe” rivalutate, a cui oggi inevitabilmente si rivolge la mente del grande pubblico appena vede Wicked, pensando addirittura che sia un prodotto da essi derivato, quando in realtà è il contrario.
I frutti di questa “colonizzazione” sono individuabili perfino nella versione cinematografica dello stesso Wicked, che inconsapevolmente finisce per riprodurre alcune di quelle dinamiche già sedimentate nell’immaginario collettivo da Frozen in poi.

La scena in cui vediamo Glinda che, a cavallo, si reca al castello di Fiyero per avvisare Elphaba dell’imminente marcia contro di lei non può che ricordare la scena in cui Maleficent (a cavallo) raggiunge il castello in cui Aurora sta per cadere in un sonno eterno o quella in cui Elsa (sempre a cavallo) giunge a salvare Anna in Frozen II, assumendo il ruolo di metaforico “principe”. Nel caso di Wicked, la scena era già stata mostrata in precedenza, ma l’identità della persona a cavallo era ignota, per cui la rivelazione che si tratti di Glinda (e non di Fiyero) rievoca l’effetto di quel ‘colpo di scena’ sovversivo tanto caro a Frozen e Maleficent.
Anche la scena in cui Elphaba e Glinda si dicono addio, separate da una porta, può far pensare a una scena simile in Frozen, ma si tratta quasi certamente di una coincidenza, peraltro nata dall’improvvisazione delle due attrici durante le prove.

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𝑰 𝒉𝒂𝒗𝒆 𝒃𝒆𝒆𝒏 𝒄𝒉𝒂𝒏𝒈𝒆𝒅…
Wicked e la Disney: prima e dopo (parte 1 di 2)

Attraverso ispirazioni reciproche e collaboratori in comune, la Disney aleggia come un fantasma lungo tutta la storia produttiva di #Wicked, ma l’ossessione disneyana per il regno di Oz nasce ancora prima.

Nel 1939, “Il mago di Oz” era stato concepito da MGM proprio come una risposta a “Biancaneve e i sette nani”: la leggenda narra che la Disney non sia mai riuscita ad accettare il fatto che lo studio concorrente fosse riuscito a invadere il suo campo, producendo una fiaba-musical che si è radicata nell’immaginario pop statunitense come poche altre.
La Disney ha provato più volte, negli anni, a proporre la propria versione de “Il mago di Oz”, ma con risultati sempre al di sotto delle aspettative. Le cose cambiano nel 2003, quando il musical di “Wicked” debutta a Broadway: la Disney si mette subito in moto per produrre la propria versione di Wicked... anzi, le proprie versioni di Wicked (al plurale), che raggiungono il grande schermo anni prima dell’atteso adattamento cinematografico del musical in questione.

In questo post, facciamo un passo indietro per capire in che modo Wicked ha comunque pescato dall’immaginario disneyano (e anti-disneyano) precedente al suo arrivo.
Si può dire che Wicked erediti il tema dell’amore romantico dal Rinascimento Disney, coniugandolo con un’inedita enfasi su un legame femminile: così facendo, fa da ponte fra due diverse ere di narrazioni disneyane.

Scorri le immagini per leggere l’analisi completa 👉🏻

🫧𝑇ℎ𝑒 𝐺𝑖𝑟𝑙 𝑖𝑛 𝑡ℎ𝑒 𝐵𝑢𝑏𝑏𝑙𝑒🫧

Il percorso di Glinda riflette il messaggio politico di #Wicked: uscire dalla propria bolla e prendere una posizione, usando il proprio privilegio (potere) a fin di bene. E diventare così, davvero, “Glinda la buona”.

“Wicked - Parte 2” è al cinema da oggi! ✨ @universalpicturesit 🧹

N.B. Il post non contiene spoiler nel vero senso della parola: si fa riferimento a cose che sono intuibili già guardando il primo film o i trailer del secondo, vengono espressi concetti base come “il Mago di Oz è cattivo” e “Glinda ha un’evoluzione nel corso del film”, ma senza andare nel dettaglio. Tuttavia, se vuoi andare al cinema senza aver letto assolutamente nulla su “Wicked - Parte 2”, puoi salvare il post e leggerlo quando avrai visto il film 🪄

La “bella combattente” fra Stati Uniti e Giapp

La “bella combattente” fra Stati Uniti e Giappone, dagli anni Settanta ai Novanta 💄💅🏻

Nel mio nuovo saggio, Sailor Moon è il punto di raccordo fra due generazioni di eroine nord-americane, da Wonder Woman e Charlie’s Angels a Buffy e le Superchicche. Un viaggio dagli Stati Uniti al Giappone e ritorno, alla scoperta delle reciproche influenze fra l’immaginario statunitense e quello nipponico. 🇯🇵🇺🇸

Il saggio è pubblicato sul numero 18 della rivista di studi Manga Academica. 🏯🍥
Da oggi in vendita online!

Una brillante satira femminista sui ruoli di gener

Una brillante satira femminista sui ruoli di genere. 😈

🤱🏻👩🏼‍💼
”She-Devil” si concentra su due figure contrapposte e speculari, la casalinga e la donna in carriera: Ruth e Mary si scambiano i ruoli, mettendo in luce la complessità della condizione femminile.

📈🍼
La società spinge le donne ad avere successo nel mondo del lavoro, ma le spinge anche ad assumere il ruolo più tradizionale di mogli e madri, facendole sentire in colpa se la loro ambizione professionale risulta più forte del desiderio di mettere su famiglia.

💍💼
In un mondo post-femminista, le donne possono “avere tutto”, sia il lavoro che la famiglia? Forse, ma non è per niente facile, specie se gli uomini in casa non alzano un dito.

📊👶🏻
Il film valorizza il lavoro della casalinga, ma demolisce il mito della maternità come esperienza idilliaca e tassello fondamentale della vita di ogni donna, sfatando lo stereotipo della businesswoman che ha bisogno di avere figli per sentirsi completa.

🔗 Analisi completa: link in bio (e nelle storie)

Nel 1995, “Clueless” accende la miccia che por

Nel 1995, “Clueless” accende la miccia che porterà all’esplosione del girl power nella cultura pop 💣

30 anni di “Ragazze a Beverly Hills”: moda, femminismo e femminilità negli anni ‘90. 🎀
Analisi completa: link in bio (e nelle storie) 💅🏻

Il teen movie 𝐼𝑐𝑒 𝑃𝑟𝑖𝑛𝑐𝑒𝑠𝑠 (2005) cela una metafora più profonda di quello che ti aspetteresti.
In superficie, è la storia di una ragazza che si scontra con la madre per perseguire il sogno di diventare una campionessa di pattinaggio sul ghiaccio. Sottotraccia, racconta di una frattura generazionale: da un lato le femministe degli anni '70 e dall'altro le loro figlie, le ragazze del Nuovo Millennio, che rivendicano la propria identità post-femminista. Come Casey, che riesce a conciliare studio e pattinaggio, le ragazze degli anni '00 cercano di coniugare il femminismo con quella femminilità tradizionale che le femministe di Seconda Ondata associano al pre-femminismo, se non addirittura all'anti-femminismo. Casey, in qualità di perfetta rappresentante del post-femminismo, prende da ciascun lato tutto ciò che di buono ha da offrire, per poi tracciare autonomamente il proprio percorso.

Leggi l'analisi completa sul mio sito.
Link in bio e nelle storie! ⛸️❄️

“Nel nome della Luna. Origini, rivoluzioni ed er

“Nel nome della Luna. Origini, rivoluzioni ed eredità di Sailor Moon” è la prima analisi interdisciplinare su Sailor Moon in Italia. 🌙

Il volume, curato da @anna.specchio85 per @societaeditricelatorre, include 12 saggi di studiose/i che analizzano Sailor Moon sotto vari aspetti, con diversi approcci e punti di vista. ✨

Io ho scritto di Sailor Moon in relazione al girl power anni Novanta, concentrandomi sulla relazione fra iper-femminilità e potere, con riferimenti alla Terza Ondata femminista e al post-femminismo. 🎀
Ho voluto inquadrare il fenomeno “Sailor Moon” nel contesto statunitense perché è negli USA che il concetto di girl power si è sviluppato, nel corso degli anni Novanta, attraverso ragazze combattenti successive, come Buffy e le Superchicche. Non manca, però, uno sguardo anche sull’Italia…

Per saperne di più sul mio contributo e sugli altri saggi inclusi nel volume, scorri le immagini →
Il libro è già in vendita su Amazon: link nelle storie!

✧ Sʜᴇ-ʀᴀ ᴇ ɪʟ ɢɪʀʟ ᴘᴏᴡᴇʀ

✧ Sʜᴇ-ʀᴀ ᴇ ɪʟ ɢɪʀʟ ᴘᴏᴡᴇʀ (ᴀɴᴛᴇ ʟɪᴛᴛᴇʀᴀᴍ) ✧

Conciliando i tratti della principessa con quelli della guerriera, e combattendo al fianco di altre eroine altrettanto caratterizzate, She-Ra ha anticipato il girl power, ma è arrivata forse un po’ troppo presto...

Scorri le immagini per leggere l’analisi →

La popstar Sabrina Carpenter ha riportato in auge

La popstar Sabrina Carpenter ha riportato in auge il baby-doll, un capo che dagli anni ‘50 ad oggi ha assunto diverse connotazioni, anche in contrasto fra loro. Nella storia della moda, il baby-doll non è una semplice camicia da notte, ma un eterno simbolo di innocenza e sensualità che veicola messaggi complessi in relazione alla figura femminile.

L’approccio con cui Sabrina indossa il baby-doll ingloba tutte le diverse concezioni che hanno accompagnato quest’abito nel corso della storia: il glamour, ma anche la (relativa) comodità e libertà nei movimenti; il lato sensuale e quello più dolce, infantile e giocoso; la volontà di abbracciare un certo tipo di femminilità per il proprio piacere, condividendolo con altre ragazze, ma anche il pericolo dell’oggettificazione.
I lati problematici che questo capo si porta dietro da sempre riemergono nelle critiche che Sabrina ha ricevuto per i costumi e le esibizioni del suo Short n’ Sweet Tour, che sfociano in diatribe sulla sessualizzazione e l’infantilizzazione delle donne.

Tuttavia, queste polemiche non prendono in considerazione l’approccio ironico e consapevole della popstar, che rende evidente come si tratti solo di un gioco: il baby-doll non è altro che un costume grazioso da indossare per la gioia del pubblico (prevalentemente femminile) che la segue, fra cui molte ragazze che si presentano ai concerti vestite come lei. Lo Short n’ Sweet Tour è un safe space, un luogo in cui poter abbracciare la propria femminilità tutte insieme, come se fosse un rito collettivo. Sabrina canta di sesso mettendo al centro del discorso il proprio desiderio e il proprio punto di vista femminile. È onesta, ma non si prende mai troppo sul serio: ridendo e scherzando, sfida lo stigma sociale che opprime le donne che si esprimono liberamente in relazione alla sfera sessuale.

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Il legame fra Elphaba e Glinda in #Wicked mette in

Il legame fra Elphaba e Glinda in #Wicked mette in luce la forza e la complessità dell’amicizia fra donne, pescando dalle convenzioni dei teen movie e ispirando a sua volta la rappresentazione di Tiana e Charlotte (“La principessa e il ranocchio”), Elsa e Anna (“Frozen”), Mercoledì ed Enid (“Mercoledì”).

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In occasione dell’uscita di “Wicked” nei cin

In occasione dell’uscita di “Wicked” nei cinema italiani, parliamo di come la figura di Elphaba, nel musical originale, sia stata creata in risposta alla caratterizzazione della Malvagia Strega dell’Ovest ne “Il mago di Oz” (1939), che rimandava a una caricatura antisemita. 🧹

Pur partendo da questa specificità, Elphaba è stata pensata per essere un’icona per tutte le persone che si sentono discriminate. Il fatto che nel film sia interpretata dall’attrice e cantante Cynthia Erivo, afrodiscendente, mette in luce una delle possibili interpretazioni di questa figura: in questo caso, il fatto che venga discriminata sulla base del colore della sua pelle risulta particolarmente significativo. 💚

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#Wicked è al cinema da domani, 21 novembre, per @universalpituresit 🎶

«Non immagina quanto sia difficile essere una don

«Non immagina quanto sia difficile essere una donna con l'aspetto che ho». 💋

Il mio articolo sulle 'femmes fatales' animate è su Retromania! 🔥
Scorri le immagini per scoprire contenuti extra su Jessica Rabbit (e non solo) →
Per saperne di più, acquista la rivista: la trovi in edicola oppure online 👉 Link nelle storie

Toste, sensuali, argute. 🔥 Il mio articolo sull

Toste, sensuali, argute. 🔥
Il mio articolo sulle 'femmes fatales' è su Retromania 2, ora in edicola!

Negli anni '90, il mondo dei cartoon si popola di figure femminili che coniugano la bontà e il romanticismo delle principesse classiche con il fascino letale delle "cattive", riconnotando in positivo la figura della femme fatale. Sono sarcastiche, argute, intraprendenti e determinate a non farsi sottomettere.
Sulla scia di Jessica Rabbit ("Chi ha incastrato Roger Rabbit"), nascono Jasmine di "Aladdin", Esmeralda de "Il Gobbo di Notre-Dame" e Megara di "Hercules": sono sensuali, ma non sono cattive. Anche gli studi concorrenti producono le loro sexy eroine: Goldie Pheasant di "Eddy e la banda del sole luminoso", Holli Would di "Fuga dal mondo dei sogni", Lola Bunny di "Space Jam" e Zippora de "Il principe d'Egitto".

Il mio articolo va allo scoperta delle origini e dell'evoluzione della femme fatale animata, analizzando questi personaggi, il contesto sociale in cui sono stati concepiti e tutti i parallelismi che li legano fra loro, partendo dal cinema noir per arrivare al cinema d'animazione anni '90.

Trovate la mia analisi su Retromania 2!
La rivista è disponibile in edicola: se non c'è, la si può prenotare.
Oppure potete acquistarla direttamente online: link nelle storie 💋

«𝑃𝑟𝑖𝑚𝑎 𝑑𝑖 𝑡𝑢𝑡𝑡𝑜 𝑣𝑜𝑔𝑙𝑖𝑜 𝑚𝑒𝑡𝑡𝑒𝑟𝑒 𝑏𝑒𝑛𝑒 𝑖𝑛 𝑐ℎ𝑖𝑎𝑟𝑜 𝑢𝑛𝑎 𝑐𝑜𝑠𝑎: 𝑖𝑜 𝑛𝑜𝑛 𝑠𝑝𝑖𝑒𝑔𝑜 𝑚𝑎𝑖 𝑛𝑖𝑒𝑛𝑡𝑒!»

60 anni fa, “Mary Poppins” usciva nei cinema statunitensi.
A questa magica governante basta un poco di zucchero per trasformare la realtà attorno a sé, facendosi metaforica portavoce dei grandi cambiamenti sociali degli anni ‘60. Al suo passaggio, la figura del patriarca viene messa in ridicolo, se non addirittura in discussione, per poi essere riportata al vertice solo dopo essere stata smussata, addolcita, svestita dei panni del “padre padrone”.

Ho analizzato Mary Poppins, insieme ad altre figure magiche femminili degli anni ‘60, in “Vita da strega. Da Bewitched alle maghette giapponesi” (Delos Digital, 2021).
Un capitolo del saggio è interamente dedicato all’analisi di questo film, con approfondimenti sulle connotazioni sociali della storia e sul ruolo metaforico della protagonista e degli altri personaggi principali: Jane, Michael, Bert, il signore e la signora Banks.
Scopri di più: link nelle storie! ✨

@delos.digital #marypoppins #vitadastrega #filmdisney #anniversariodisney #anniversaridisney #culturapop #femminismo #sociologia

Nel 1961, "Colazione da Tiffany" offre una rappres

Nel 1961, "Colazione da Tiffany" offre una rappresentazione femminile dirompente: Holly Golightly ispira diverse figure chiave della nascente Seconda Ondata femminista, fra cui la giornalista Gloria Steinem.

Con due anni di anticipo rispetto alla teorizzazione di Betty Friedan, Holly ha individuato e sconfitto la "mistica della femminilità", lasciando il marito Doc. Come scrive Zachary Wunrow, Holly "ha la libertà di districarsi in una miriade di situazioni sociali ed è in grado di disabitare la sfera domestica a cui un tempo apparteneva. Non soffre più di quella che Friedan descrive come una 'strana agitazione, un senso di insoddisfazione, un desiderio' diffuso tra le donne sposate a metà del XX secolo".

Tuttavia, la situazione è sicuramente più complessa, come evidenzia Codie Thompson: "Holly possiede un senso di falsa libertà. È libera dal marito, quindi libera dall'essere moglie e avere responsabilità materne. È anche in grado di mantenersi finanziariamente senza marito e questo la rende indipendente... ma non proprio".
Da un lato, come suggerisce Livi Player, si può pensare che la mansione di Holly sia volta a "manipolare il patriarcato attorno a sé", dall'altro è lecito evidenziare che in fondo sono gli uomini con cui esce ad avere il controllo. Anche il lieto fine romantico non è stato particolarmente apprezzato dalla critica femminista, che l'ha tendenzialmente visto come un tentativo di riportare la storia di Holly su binari più tradizionali. In questo, "Colazione da Tiffany" introduce una questione spiccatamente post-femminista, quella che vede al centro la possibilità di coniugare la propria individualità con una storia d'amore. Susan Douglas scrive che il suo desiderio, da spettatrice, era che Holly riuscisse a conservare la propria identità e al contempo "tenersi [George] Peppard", ossia l'attore che interpreta Paul, evidenziando tuttavia come "quello che rendeva il personaggio significativo all'epoca non era il fatto che ottenesse Paul, ma il fatto che riuscisse a farla franca con ogni sorta di anticonformità senza mai pagarne il prezzo".

Nella mia analisi su #ColazioneDaTiffany ho parlato di questo e di molto altro.
Link nelle storie! 💎

𝐶𝑜𝑚𝑒 𝑆𝑎𝑏𝑟𝑖𝑛𝑎 𝐶

𝐶𝑜𝑚𝑒 𝑆𝑎𝑏𝑟𝑖𝑛𝑎 𝐶𝑎𝑟𝑝𝑒𝑛𝑡𝑒𝑟 𝑔𝑖𝑜𝑐𝑎 𝑐𝑜𝑛 𝑙𝑎 𝑓𝑒𝑚𝑚𝑖𝑛𝑖𝑙𝑖𝑡𝑎̀ 🎀

Pescando dal passato, la popstar gioca con archetipi femminili ben radicati: si diverte a reinterpretarli, ma anche a ribaltarli su loro stessi. Attraverso l'ironia, incarna e sovverte il concetto di iper-femminilità. 💅🏻

In questo post facciamo un riepilogo dei suoi video più significativi, riservandoci la possibilità di tornare su di lei per maggiori approfondimenti in futuro.
Il 'kiss mark', simbolo estremo di iper-femminilità, è il simbolo di quest'era che prevediamo lascerà il segno! 💋

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#sabrinacarpenter #sabrinacarpenteritalia

🎀 𝑆𝑦𝑑𝑛𝑒𝑦 𝑆𝑤𝑒𝑒𝑛

🎀 𝑆𝑦𝑑𝑛𝑒𝑦 𝑆𝑤𝑒𝑒𝑛𝑒𝑦 𝑒 𝑆𝑎𝑏𝑟𝑖𝑛𝑎 𝐶𝑎𝑟𝑝𝑒𝑛𝑡𝑒𝑟 🎀

Quando Sydney Sweeney, presentando il celebre programma comico Saturday Night Live, ha indossato un abito con una profonda scollatura, i conservatori statunitensi hanno esultato: l'iper-femminilità dell'attrice è stata interpretata come un segnale della morte del cosiddetto "woke", volto (a loro dire) a fare propaganda LGBT accantonando le rappresentazioni tradizionali della mascolinità e della femminilità. Sul fronte della sensualità femminile, tuttavia, si crea un cortocircuito: i progressisti vogliono che le donne facciano con il loro corpo ciò che vogliono, ma temono che vengano sessualizzate; i conservatori non vogliono che le donne facciano ciò che vogliano con il proprio corpo, ma non si fanno problemi a sessualizzarle.

A discapito delle apparenze, Sydney Sweeney sembra schierarsi sul fronte liberale. Lo possiamo supporre dal fatto che abbia recentemente prodotto e interpretato una storia come quella di "Immaculate". Sulla locandina del film horror è stato riportato il testo di un tweet che risulta pregnante ai fini del nostro discorso: «I liberali hanno visto come la platea anti-woke ha accolto Sydney Sweeney come loro nuova beniamina e subito hanno dovuto ficcarla in questo film blasfemo, satanico, femminista, pro-aborto».
Allo stesso modo, anche l'immagine della popstar del momento, Sabrina Carpenter, sembra reiterare un'ideale tradizionale di femminilità, ma il video di "Feather" in cui, letteralmente, elimina tutti gli uomini in scena, è ben lungi dal compiacere i conservatori, che potrebbero interpretarlo come "woke" se non addirittura "anti-men".

Nella loro immagine sensuale e iper-femminile, Sweeney e Carpenter iniettano consapevolezza e ironia: è un modus operandi che ci ricorda l'auto-oggettificazione post-femminista degli anni '00, ma oggi ha ancora senso parlare di post-femminismo?
20 anni fa, il femminismo era dato per scontato o considerato obsoleto. Oggi, pur lasciando spazio all'ambiguità, questa "nuova femminilità" sembra andare a braccetto col femminismo, continuando il percorso iniziato con il #BimboTok e il #BarbieCore.

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𝑹𝒐𝒎𝒄𝒐𝒎, 𝒄𝒂𝒏𝒛𝒐𝒏

𝑹𝒐𝒎𝒄𝒐𝒎, 𝒄𝒂𝒏𝒛𝒐𝒏𝒊 𝒑𝒐𝒑 𝒆 𝒈𝒖𝒊𝒍𝒕𝒚 𝒑𝒍𝒆𝒂𝒔𝒖𝒓𝒆 📝
𝐸𝑠𝑖𝑠𝑡𝑜𝑛𝑜 𝑝𝑖𝑎𝑐𝑒𝑟𝑖 𝑐ℎ𝑒 𝑣𝑎𝑛𝑛𝑜 𝑔𝑜𝑑𝑢𝑡𝑖 𝑠𝑒𝑛𝑧𝑎 𝑠𝑒𝑛𝑡𝑖𝑟𝑠𝑖 𝑖𝑛 𝑐𝑜𝑙𝑝𝑎: 𝑐ℎ𝑒 𝑠𝑖 𝑡𝑟𝑎𝑡𝑡𝑖 𝑑𝑖 𝑢𝑛𝑎 𝑐𝑎𝑛𝑧𝑜𝑛𝑒 (𝑈𝑛𝑤𝑟𝑖𝑡𝑡𝑒𝑛) 𝑜 𝑑𝑖 𝑢𝑛𝑎 𝑐𝑜𝑚𝑚𝑒𝑑𝑖𝑎 𝑟𝑜𝑚𝑎𝑛𝑡𝑖𝑐𝑎 (𝐴𝑛𝑦𝑜𝑛𝑒 𝐵𝑢𝑡 𝑌𝑜𝑢).

♥♥♥

L'inaspettato successo al botteghino di "Anyone But You" ("Tutti tranne te") ha spinto molti a parlare di un possibile revival della commedia romantica dopo un decennio in cui è stata sempre più spesso relegata a canali tematici e uscite direct-to-video.

Questo abbandono e successivo recupero della romcom ("romantic comedy") potrebbe riflettersi nella diversa ricezione di due Classici Disney usciti a 10 anni di distanza l'uno dall'altro: se il pubblico del 2013 aveva elogiato Elsa di "Frozen" per il fatto di non cadere vittima di fantasticherie romantiche, restando single al termine della sua storia (come Merida e tutte le principesse successive), quello del 2023 ha rimpianto il fatto che in "Wish" non ci fosse una storia d'amore fra Asha e Starboy, l'incarnazione maschile della Stella dei desideri presente in alcune versioni preliminari della storia.

Non tutte le storie devono per forza includere l'amore romantico, ma questo non vuol dire che quelle che lo includono vadano messe al bando. Si teme spesso che un film incentrato su una relazione sentimentale fra un uomo e donna possa veicolare una visione retrograda dei ruoli di genere. Tuttavia, non è per forza così. Anzi, spesso sono proprio le romcom a mettere in luce, prima di altri generi, l'evoluzione delle dinamiche interne ai rapporti eterosessuali.

Nel finale di #AnyoneButYou, ben lungi dal suggerire che quello di Bea e Ben sia un amore eterno, si lascia intendere che la storia della protagonista sia ancora tutta da scrivere, come Natasha Bedingfield canta in #Unwritten, canzone portante del film. Si potrebbe dire lo stesso della #romcom: non sappiamo se questo film darà effettivamente vita a un revival di questo genere, ma di sicuro costituisce una boccata d'aria fresca.

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#tuttitrannete #commediaromantica #guiltypleasure

Sul fronte della rappresentazione femminile, "Char

Sul fronte della rappresentazione femminile, "Charlie's Angels" è una serie complessa come l'epoca che l'ha data alla luce. Queste tre 'belle combattenti' hanno incarnato le tensioni di quel momento storico, nella seconda metà degli anni '70, in cui l'impegno socio-politico stava lasciando spazio al disimpegno a suon di disco music, a un passo dal contraccolpo conservatore che avrebbe portato Ronald Reagan a guidare gli Stati Uniti per tutto il decennio successivo: "Qui femminismo e anti-femminismo stavano in perfetto equilibrio", come scrive Susan Douglas in "Where the Girls Are. Growing Up Female With the Mass Media" (1994).
Così "Charlie's Angels" può essere letta come una serie femminista e anti-femminista, o meglio ancora post-femminista (ante litteram). Di sicuro, è stata una serie rivoluzionaria.

Scorri le immagini per saperne di più e acquista "Retromania 1", ora in edicola, per leggere la retrospettiva completa!

@spreacomics @moz_o_clock
#charliesangels #guerrieresailor #sailormoon #femminismo #culturapop #anni70 #anni90 #serietv #serieanni70 #seriecult #retromania

Il numero di AnimeCult con lo speciale su Sailor M

Il numero di AnimeCult con lo speciale su Sailor Moon è in edicola ancora per qualche giorno. 🎀
Per chi deve ancora leggerlo, ma anche per chi l'ha già letto, ecco un post dedicato al mio articolo "Make up! Il potere delle ragazze" con alcuni contenuti extra. 🌙
La rivista è nei negozi fino a mercoledì della prossima settimana, ma potrete recuperarla anche in seguito sul sito di @spreacomics ✨

Sull'ultimo numero di AnimeCult trovate un ricco d

Sull'ultimo numero di AnimeCult trovate un ricco dossier dedicato a Sailor Moon con diversi articoli scritti da me!

► 𝑺𝒆𝒙𝒚 𝒎𝒂𝒈𝒊𝒄𝒉𝒆 𝒈𝒖𝒆𝒓𝒓𝒊𝒆𝒓𝒆: 𝒐𝒓𝒊𝒈𝒊𝒏𝒊, 𝒈𝒆𝒏𝒆𝒂𝒍𝒐𝒈𝒊𝒂, 𝒇𝒐𝒏𝒕𝒊 𝒅𝒊 𝒊𝒔𝒑𝒊𝒓𝒂𝒛𝒊𝒐𝒏𝒆
Un tuffo nelle origini di Sailor Moon, fra maghette e ragazze combattenti, anime e live action. Da Cutie Honey a Minky Momo, da Poitrine a Sailor V.

► 𝑴𝒂𝒌𝒆-𝒖𝒑! 𝑰𝒍 𝒑𝒐𝒕𝒆𝒓𝒆 𝒅𝒆𝒍𝒍𝒆 𝒓𝒂𝒈𝒂𝒛𝒛𝒆
Le guerriere sailor come icone di una nuova femminilità dal Giappone all'Occidente: nei primi anni '90, anticipano il girl power delle Spice Girls, di Buffy e delle Superchicche.

► 𝑮𝒖𝒆𝒓𝒓𝒊𝒆𝒓𝒆 𝒕𝒓𝒊𝒄𝒐𝒍𝒐𝒓𝒆: 𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒅𝒊 𝒖𝒏 𝒇𝒆𝒏𝒐𝒎𝒆𝒏𝒐 (𝒄𝒐𝒏 𝑴𝒊𝒌𝒊 𝑴𝒐𝒛)
Un viaggio nel tempo per riscoprire il fenomeno di Sailor Moon in Italia: ho scritto di home video, sigle, editoria, giocattoli, spot e molto altro!

► 𝑻𝒓𝒂 𝒔𝒐𝒈𝒏𝒐 𝒆 𝒇𝒖𝒕𝒖𝒓𝒐: 𝒍'𝒆𝒔𝒕𝒆𝒕𝒊𝒄𝒂, 𝒈𝒍𝒊 𝒂𝒎𝒃𝒊𝒆𝒏𝒕𝒊, 𝒍𝒐 𝒔𝒕𝒊𝒍𝒆 (𝒄𝒐𝒏 𝑴𝒊𝒌𝒊 𝑴𝒐𝒛)
Nel box "Il character design" ho messo a confronto lo stile di Kazuko Tadano con quello di Ikuko Itoh, e in "Come una fiaba" ho parlato dell'influenza delle illustrazioni fiabesche di Jun'ichi Nakahara nell'immaginario shōjo, da Sailor Moon a Utena.

AnimeCult 19 è in edicola, libreria, fumetteria e online. 🌙
@spreacomics @moz_o_clock

«𝚆𝚑𝚘 𝚒𝚜 𝙶𝚎𝚛𝚒 𝙷𝚊𝚕𝚕𝚒𝚠𝚎𝚕𝚕?».

Il 7 giugno 1999 usciva "Schizophonic", il primo album solista di Geri Halliwell dopo l’abbandono delle Spice Girls.
Il progetto viene lanciato dal video di "Look At Me", che pone allo spettatore una domanda semplice, ma dalla risposta complessa: «Chi è Geri Halliwell?».
Per spiegarlo si parte dall’immagine della “santa” e da quella della “peccatrice”, stereotipi opposti da incarnare e da sfatare allo stesso tempo, per arrivare fino al funerale di Ginger Spice.
Le apparenze, però, ingannano. E il mistero non viene risolto...

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Nel 1984, "LIke A Virgin" apre un capitolo fondame

Nel 1984, "LIke A Virgin" apre un capitolo fondamentale nella storia della musica e dell'immaginario pop. Si può dire che, con questo singolo, Madonna abbia forgiato l'idea della popstar come figura che provoca discussioni e suscita riflessioni, toccando nervi scoperti e scardinando tabù e preconcetti della società, spesso in relazione alla condizione femminile.

L'anno prima, nel periodo di "Lucky Star", Madonna aveva cominciato a costruire la sua immagine sul doppio filo del sacro e del profano, indossando crocifissi come collane o orecchini: una scelta da lei stessa descritta come “anticonformista” e “ironica”, che “si abbina bene” al suo nome di Battesimo. Poi, con "Like A Virgin", Madonna estrae il carico da novanta: l'abito da sposa.

Nell'esibizione che apre i primi Video Music Awards, la popstar gioca sul contrasto fra “santa” e “peccatrice” con un piglio spregiudicato e un velo di ironia. Mettendo in scena quel delicato equilibrio di contraddizioni che la dipinge sia come un oggetto sessuale (la cintura dice "Boy Toy", "giocattolo dei ragazzi"), sia come il soggetto che controlla la propria sessualizzazione e si autodetermina anche in virtù di questa, Madonna si struscia sul pavimento del Radio City Music Hall, quasi mimando un amplesso sessuale: è l'Immacolata Concezione del post-femminismo.

Su "Like A Virgin" ho molto altro da dire: ne ho scritto su "Retromania", la rivista curata da Miki Moz (@moz_o_clock) per @spreacomics. 👰🏼‍♀️
La trovate in edicola, libreria, fumetteria e online.
Scopri di più: link nelle storie 💐

Nel 1976, le Charlie's Angels sono le prime ragazz

Nel 1976, le Charlie's Angels sono le prime ragazze a combattere in gruppo sulla TV statunitense. Le tre agenti irrompono in un ambito dominato dagli uomini senza rinunciare alla propria femminilità, che esprimono attraverso abiti, accessori e capelli all'ultima moda. Così facendo, danno vita a un filone di belle combattenti che invadono la cultura pop dagli anni '70 ai 2000, passando attraverso il girl power anni '90, fra guerriere Sailor e Spice Girls, quando la femminilità tradizionale viene riconnotata in ottica femminista.

Potete leggere la mia retrospettiva sul primo numero della nuova rivista "Retromania", curata da Miki Moz (@moz_o_clock) per @spreacomics, che esce OGGI in edicola, libreria e fumetteria!
Scopri di più: link nelle storie 💄

🪞"Priscilla” di Sofia Coppola🪞 PARTE 2 Me

🪞"Priscilla” di Sofia Coppola🪞
PARTE 2

Mentre il film si avvia verso il finale, Priscilla evade gradualmente dalla sua condizione di 'specchio' di Elvis, trovando il proprio riflesso - la propria individualità, la propria vita.
Priscilla abbandona Graceland accompagnata dalle note di "I Will Always Love You" e l'epilogo del suo rapporto sentimentale si sovrappone al racconto che l'autrice del brano, Dolly Parton, ha fatto del proprio (mancato) incontro artistico con Elvis. Soprannominata 'farfalla di ferro' per la sua grazia e per la sua tenacia, Dolly ha rifiutato di fare da specchio a Elvis quando lui, per registrare una cover di "I Will Always Love You", ha preteso di ottenere almeno la metà dei diritti d'autore sul pezzo. Unendo le esperienze di queste due donne che, in situazioni diverse, hanno avuto il coraggio di dire "No" al Re del rock'n'roll, Coppola mette a segno un beffardo (e commovente) finale che, da solo, vale tutto il film.

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✹ #Priscilla (2023) di #SofiaCoppola è al cinema ancora per pochi giorni! ✹
@visionfilmdistribution

#femminismo #analisifemminista #filmfemminista #cinemafemminista #culturapop #elvispresley #priscillapresley #dollyparton #iwillalwaysloveyou

🪞"Priscilla” di Sofia Coppola🪞 PARTE 1 "D

🪞"Priscilla” di Sofia Coppola🪞
PARTE 1

"Dietro un grande uomo c'è sempre una grande donna", recita un noto detto popolare. Dietro a un apparente riconoscimento, si cela uno dei concetti fondamentali espressi da Virginia Woolf in "Una stanza tutta per sé" (1929), ossia l'idea che gli uomini che hanno fatto la storia - la scrittrice cita lo zar e il Kaiser, Napoleone e Mussolini - non avrebbero potuto compiere le proprie imprese se non avessero potuto contare sulla presenza delle donne nella loro vita. Donne non in quanto esseri umani, ma in quanto specchi che, per compiacere l'ego maschile, riflettono l'immagine dell'uomo al doppio delle sue dimensioni reali. Non sorprende che Sofia Coppola, anziché raccontare la vita di un uomo che ha fatto la storia della musica e della cultura pop, abbia voluto concentrarsi sul suo 'specchio', dandole uno sguardo e una voce.

"Priscilla" è la storia di una ragazza che cresce all'ombra del Re del rock'n'roll e diventa donna nel momento in cui riesce a liberarsene.
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✹ #Priscilla (2023) di #SofiaCoppola è al cinema da oggi! ✹
@visionfilmdistribution

#virginiawoolf #unastanzatuttapersé #sguardomaschile #femminismo #analisifemminista #filmfemminista #cinemafemminista #elvispresley #priscillapresley #culturapop

Sarebbe difficile (e prematuro) intraprendere un’analisi precisa e approfondita del contesto sociale che potrebbe aver influenzato i Classici Disney prodotti fra il 2018 e il 2023, considerando che sono trascorsi appena cinque anni dal primo di questi.
Tuttavia, possiamo tracciare alcune coordinate di base...

Ed ecco che "Ralph Spaccainternet" (2018) ci racconta qualcosa sul modo in cui le principesse Disney sono percepite sul web, mentre "Frozen II" (2019) arriva a ridosso della rinuncia del titolo da parte del principe Harry Windsor. I due film del 2021, "Raya e l'ultimo drago" e "Encanto", evocano lo spettro della pandemia in corso, mentre "Wish" (2023) mette in scena uno scontro rilevante sul fronte generazionale, razziale e di genere.

Scorri le immagini per leggere l'analisi completa (spoiler sul finale di "Wish" nell'ultima slide) ➜

#principessedisney #principessadisney #classicidisney #cartonianimati #cartoni #cartonidisney #filmdisney #filmdanimazione #sociologia #femminismo #culturapop

Dal 1989 al 1999, l’incredibile successo dei fil

Dal 1989 al 1999, l’incredibile successo dei film d’animazione del Rinascimento Disney ha fatto gola a molti studi concorrenti, ansiosi di adottare la stessa formula nella speranza di ottenere i medesimi riscontri...

In collaborazione con Nicola Carollo (@nick_wilde7), vi propongo una rapida disamina delle principali principesse non-Disney degli anni ’90, con qualche nota sugli autori (che in molti casi arrivano proprio dalla Disney), sui punti di contatto con le fiabe disneyane e sulla rappresentazione femminile che queste figure restituiscono. Se i film del Rinascimento Disney offrono nuove immagini di principesse che, pur attingendo alla tradizione, prendono in considerazione le vittorie del femminismo di Seconda Ondata e le suggestioni della Terza, le principesse a loro ispirate presentano un connubio non altrettanto riuscito, pagando lo scotto di non aver compreso appieno le dinamiche che hanno ispirato la caratterizzazione di figure come Ariel, Belle e Jasmine. In ogni caso, è interessante analizzare questi tentativi per mettere in luce sia le prevedibili convergenze sia le inaspettate divergenze.

Le principesse di cui abbiamo scritto in quest'articolo raccontano di un'epoca in cui la Disney regnava incontrastata e gli altri studi cercavano di adattarsi e da lei prendevano qualcosa, a volte guardando troppo indietro, altre volte volgendo inaspettatamente lo sguardo in avanti, forse senza rendersene conto. Si tratta di film che non hanno fatto la storia, ma che, proprio attraverso le loro lacune, sono in grado di offrirci un punto di vista alternativo sul Rinascimento Disney. Una nota a margine nella storia del cinema d’animazione statunitense.

👸🏼Link in bio e nelle storie 👸🏻

#lincantesimodellago #pollicina #laspadamagica #laprincipessasulpisello #donbluth #principessa #principesse #filmdanimazione #cinemadanimazione #anni90 #cartonianni90 #principessadisney #principessedisney #principessenondisney #fiabedisney #cartonidisney #classicidisney #rinascimentodisney #nondisney #odette #kayley #filmdanimazionedisney #giornatanondisney #illagodeicigni

Con l'uscita di "Wish" tiriamo le somme di un quin

Con l'uscita di "Wish" tiriamo le somme di un quinquennio nebuloso per la Disney.
Alla fine degli anni '10, l'insicurezza derivata dalle dimissioni di John Lasseter, principale fautore della precedente era Revival (2009-2016), spinge gli studios a puntare sull'usato sicuro, con i sequel di "Ralph Spaccatutto" e "Frozen": entrambi riscuotono un ottimo successo al botteghino, ma vanno incontro a feroci critiche, soprattutto da parte degli appassionati, e falliscono nel tentativo di imprimersi nell'immaginario collettivo al pari dei rispettivi primi film.
E poi, terminato il Revival, sembrano ripetersi alcune delle dinamiche che avevano caratterizzato il periodo appena successivo al Rinascimento (1989-1999): ecco che rientra in scena la sperimentazione di genere, con l'action, il fantasy e la fantascienza che fanno capolino in "Raya" e soprattutto in "Strange World", replicando i flop dei primi anni '00.
Ormai è ufficiale: ci troviamo in una nuova epoca buia, o quantomeno grigia, incolore. Si tratta di film non per forza pessimi, ma sicuramente dimenticabili. L’immagine della nebbia rende bene l'idea di una Disney che naviga a vista, ma senza vedere nulla. Manca proprio la consapevolezza: non sanno dove sono e dove stanno andando. In questo contesto, anche il successo di "Encanto", come la fioca luce di una candela nel buio, si fa testimone di una Disney minore, ben lontana dai trionfi dello scorso decennio. L'exploit di questo film, relegato allo streaming, riflette il buon riscontro di diversi dei Classici Disney delle epoche buie precedenti, anche in virtù di una narrazione più semplice, prosaica, ben lontana dall'epicità che caratterizza i capolavori delle ere più blasonate.

Per il quarto anno consecutivo, com'è ormai tradizione durante le Feste, procediamo con le analisi cronologiche delle principesse Disney facendo il punto di questi ultimi 5 anni, fra contesto produttivo e contesto storico-sociale, con questo post e con il prossimo. ♛
Scorri le immagini per saperne di più ➔

#principessadisney #principessedisney #classicodisney #classicidisney #cartonidisney #fiabedisney #filmdanimazione

Un film che lascia a desiderare...💫 Volente o n

Un film che lascia a desiderare...💫
Volente o nolente, #Wish racconta molto della crisi in cui versa la Disney.

Nel film che omaggia il centennale dello studio non c'è nessuna vera magia, solo giochi di prestigio. Ripescare gli elementi più caratteristici della tradizione disneyana è un espediente che non basta a mettere a segno il trucco. La Disney di oggi è un illusionista che non riesce a estrarre niente di nuovo dal proprio cilindro. 🎩

La mia recensione in anteprima è sul sito, senza spoiler.
Link in bio e nelle storie. ⭐
Wish è al cinema da domani! ✨

🔥«Io non sono un trofeo da vincere!»🔥 A 3

🔥«Io non sono un trofeo da vincere!»🔥

A 30 anni dall’uscita di #Aladdin in Italia, la ferocia, l’audacia e la fierezza di Jasmine ardono ancora come il primo giorno.
Orgogliosa, altera, sicura di sé: Jasmine è la prima principessa Disney ad essere conscia del proprio valore, e quindi del proprio potere, del proprio carisma e del proprio fascino, anche sessuale. Non sopporta di essere sottovalutata, presa per stupida, trattata come un oggetto dagli uomini in scena. Esige il controllo sul proprio destino e non si piega di fronte a nessuno. È conscia del proprio privilegio ed è pronta a sfruttarlo, ma anche a disfarsene per essere davvero libera.

“Questa voce nessuno la spegne” azzarderà la Jasmine del fiacco remake in live action del 2019, ma per la Jasmine originale non si tratta di un’azzardo, bensì di un fuoco che arde spontaneamente, alimentato dalla doppiatrice italiana Manuela Cenciarelli.
Nella sua interpretazione, Cenciarelli si lascia trascinare dalle emozioni di Jasmine, dando tutta sé stessa. Se l’interprete americana liquidava Aladdin con noncuranza nella scena del balcone, lei lo “distrugge” letteralmente, ma con altrettanta passione si lascia andare a un sognante «È tutto così magico!» poco più tardi.

Manuela Cenciarelli definisce Jasmine una ‘donna completa’, ovvero un personaggio sfaccettato che mostra diverse parti di sé nel corso della storia.
La ragazza che non ha mai messo piede fuori dal palazzo pecca d’ingenuità, ma allo stesso tempo impara in fretta, sta al gioco, e in quanto ad arguzia batte perfino lo ‘straccione’ cresciuto per strada. Tiene testa al cattivo più di qualsiasi altra principessa sia riuscita a fare con l'antagonista della propria storia, ma corre via in lacrime come Aurora alla notizia che il suo amato è stato giustiziato. Accudisce gli uccellini, come farebbero Biancaneve e Cenerentola, ma poi apre la gabbia e li lascia volare liberi.

Le sfumature di Jasmine riflettono quelle di una donna in carne e ossa ed io, per celebrare al meglio questo 30° anniversario italiano, ho scelto di intervistare proprio la donna in carne e ossa che ha dato la voce a Jasmine.
Scorri le immagini per leggere la mia intervista →

Grazie all'invito di @disneyit, ho potuto partecip

Grazie all'invito di @disneyit, ho potuto partecipare all'anteprima stampa del nuovo Classico Disney, "#Wish", e all'incontro della stampa con i registi, i produttori e i doppiatori, che ho seguito da remoto (io ero a Milano, l'evento era a Roma).💫
La mia domanda è stata scelta e letta sul palco, trovando la risposta della co-regista, Fawn Veerasunthorn (@fawnv), che vi riporto in questo post. 🌟
Presto vi parlerò meglio di questo film, stay tuned!

#classicodisney #classicidisney #filmdisney #cartonidisney #principessedisney #filmdanimazione #anteprimastampa #disneyitalia

A metà fra il ventesimo anniversario di #Wicked e

A metà fra il ventesimo anniversario di #Wicked e il decimo anniversario di #Frozen, riflettiamo sull'influenza del primo non solo sul secondo, ma sull'immaginario Disney in generale, perfino sul nuovo #Wish (a giudicare da quanto si vede nel trailer). ✨

Agli albori del Nuovo Millennio, l’immagine dell

Agli albori del Nuovo Millennio, l’immagine della principessa moderna spopola nei teen movie statunitensi, da “Pretty Princess” a “A Cinderella Story”, riflettendo l’emergere di nuove identità femminili attraverso l’accostamento di elementi in apparente contraddizione: abiti da ballo e scarpe da ginnastica.
👟👑

Nel mio ultimo articolo parto dall’analisi delle locandine dei film in questione per intavolare un discorso più ampio sulle dinamiche contraddittorie che regolano la rappresentazione femminile nei prodotti mediali dei primi anni ‘00, tracciando un profilo del filone di film a tema principesse che ha avuto particolare fortuna in quel decennio. Nella sezione conclusiva, prendo “A Cinderella Story” come case study per mettere in luce una sinfonia di dissonanze in perfetto equilibrio all’interno del film: fiaba e realtà, maschile e femminile, sport e glamour, principessa e sguattera.

👸🏻Analisi completa sul sito: link nelle storie👸🏼

#principessa #principesse #principessedisney #principessadisney #teenmovie #anniduemila #anni2000 #anni00 #teenmovieanni00 #filmdidisneychannel #filmdisney #prettyprincess #hilaryduff #cinderellastory #acinderellastory #principessamoderna #principessemoderne #postfemminismo

"C'è ancora domani" (2023) di Paola Cortellesi ci

"C'è ancora domani" (2023) di Paola Cortellesi ci riporta alla mente la storia di Cenerentola.
Una storia che appare sempre contemporanea sebbene sia ambientata nel passato, che si tratti di un remoto e immaginario 'C'era una volta...' o del 1946, anno in cui è ambientato il film di Cortellesi, solo quattro anni prima che uscisse il Classico Disney "Cenerentola".
È la storia di una moltitudine di donne che ritroviamo, non a caso, sia nella locandina del film, sia nella scena finale. Quella di Delia, interpretata da Paola Cortellesi, è solo una storia in mezzo a mille, su cui il film intende fare luce in rappresentanza di tutte le altre. Forse non è un caso che, al termine del film, il marito violento di Delia faccia fatica a trovare la moglie in mezzo a una folla di donne come lei. Donne che hanno vissuto un'esperienza comune che, come vediamo nel film, presenta differenze a seconda della classe sociale, ma con un elemento ricorrente: il fatto di essere azzittite dagli uomini. E allora, con la bocca chiusa, queste donne mettono in atto una resistenza silenziosa, fatta di piccoli passi in avanti. Sono donne che non hanno fatto rumore, a differenza delle femministe che arriveranno qualche decennio più tardi, ma sono donne di cui non dobbiamo dimenticarci.
Questa è la loro storia.

𝐸 𝑠𝑒𝑛𝑧𝑎 𝑠𝑐𝑢𝑑𝑖 𝑝𝑒𝑟 𝑝𝑟𝑜𝑡𝑒𝑔𝑔𝑒𝑟𝑚𝑖 𝑛𝑒́ 𝑎𝑟𝑚𝑖 𝑝𝑒𝑟 𝑑𝑖𝑓𝑒𝑛𝑑𝑒𝑟𝑚𝑖
𝑁𝑒́ 𝑐𝑎𝑠𝑐ℎ𝑖 𝑝𝑒𝑟 𝑛𝑎𝑠𝑐𝑜𝑛𝑑𝑒𝑟𝑚𝑖 𝑜 𝑠𝑎𝑛𝑡𝑖 𝑎 𝑐𝑢𝑖 𝑟𝑖𝑣𝑜𝑙𝑔𝑒𝑟𝑚𝑖
𝐶𝑜𝑛 𝑠𝑜𝑙𝑜 𝑞𝑢𝑒𝑠𝑡𝑎 𝑙𝑖𝑛𝑔𝑢𝑎 𝑖𝑛 𝑏𝑜𝑐𝑐𝑎
𝐸 𝑠𝑒 𝑚𝑖 𝑡𝑎𝑔𝑙𝑖 𝑝𝑢𝑟𝑒 𝑞𝑢𝑒𝑠𝑡𝑎
𝐼𝑜 𝑛𝑜𝑛 𝑚𝑖 𝑓𝑒𝑟𝑚𝑜, 𝑠𝑐𝑢𝑠𝑎
𝐶𝑎𝑛𝑡𝑜 𝑝𝑢𝑟𝑒 𝑎 𝑏𝑜𝑐𝑐𝑎 𝑐ℎ𝑖𝑢𝑠𝑎
(Daniele Silvestri - A bocca chiusa)
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Scopri di più scorrendo le immagini ➡️
⚠️ Attenzione: spoiler sul finale del film ⚠️

#paolacortellesi #cèancoradomani #cinemaitaliano #cinemaitalianodiqualità #femminismo #suffragiouniversale #cenerentola

✏️#BackToSchool🎒 In occasione della riaper

✏️#BackToSchool🎒

In occasione della riapertura delle scuole, vi porto negli anni '80 per (ri)scoprire un cult della commedia (nera) scolastica, "#Heathers", attraverso un'analisi cromatica.📚
E allora togliamo il cellophane da un'immaginaria scatola di evidenziatori e mettiamoci a sottolineare, con colori diversi, le caratterizzazioni delle protagoniste.🖍️🎨

[Spoiler nell'ultima slide, fonti consultate nei commenti].

#scheggiedifollia #anni80 #teenmovie #filmanni80 #teenmovieanni80 #adolescenti #ritornoascuola #adolescentianni80 #ragazzeanni80 #ragazzianni80 #analisicromatica #analisideicolori #commedianera #1989 #filmcult #cultmovie

Nella storia del cinema d'animazione, il 2001 segn

Nella storia del cinema d'animazione, il 2001 segna una netta rottura con un passato recente, caratterizzato dai successi del Rinascimento Disney (1989-1999).
Il 18 maggio 2001, questo castello incantato viene completamente spazzato via dalla dirompenza di "Shrek". Solo tre giorni più tardi, un uragano altrettanto potente si abbatte sul mondo delle bambole con l'uscita delle Bratz.

Per molte persone nate nei primi anni ‘90, il 2001 costituisce uno spartiacque fra l’infanzia e la pre-adolescenza, sancito dalla rottura di più schemi: Shrek distrugge la fiaba Disney; le Bratz distruggono Barbie, ma soprattutto il modello di fashion doll che aveva imposto sul mercato, che nel corso degli anni ‘90 si era riflesso nelle bambole delle principesse Disney, di Sissi o di Anastasia.

In questa cornice, l’attentato dell’11 settembre acquisisce un’importante valenza simbolica che, in Italia, si arricchisce di un’efficace metafora visiva: le immagini delle torri in fiamme interrompono una puntata della Melevisione. Ad occhi infantili, sono le torri di un castello da fiaba ad andare a fuoco, interrompendo bruscamente non solo il programma, ma anche l’età dell’innocenza e il suo immaginario costellato di fiabe e sogni.

Nell’ultima scena prima del ‘nero’ appare la Principessa Odessa, l’ultima principessa prima del dramma. Eppure, la fiaba non muore qui, anzi: questo momento segna un passaggio di testimone tra due generazioni di bambine e di principesse. E così, il 2 ottobre, a meno di un mese dall’attentato, Mattel lancia una serie di film d’animazione basati su fiabe, classici della letteratura volti al femminile e storie originali in cui le principesse giocano spesso un ruolo fondamentale.

E così, Barbie acquista rilevanza per una nuova generazione vestendo i panni della principessa in un mondo dominato da Shrek e Bratz. Con i suoi film, aprirà la strada alle principesse Disney successive sotto diversi aspetti: il tema del viaggio, il conflitto fra sogno romantico e professionale, il numero di figure femminili in gioco e i loro legami, la divergenza dagli stereotipi di genere...

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♛ Con la consulenza di @vittoriopiorosario ♛

Grazie al potere della resilienza, ogni principess

Grazie al potere della resilienza, ogni principessa è in grado di salvare sé stessa e tutte/i noi. 👑
Ma cosa significa davvero essere una principessa e chi può esserlo?
Una piccola principessa, nel romanzo di Frances Hodgson Burnett del 1905 e nel film di Alfonso Cuarón del 1995, ci dà la risposta.
Scorri le immagini per scoprirla→

Riferimenti bibliografici:

Peggy Oreinstein, "What's Wrong With Cinderella?", New York Times, 2006.

Virginia Postrel, "The Power of Glamour: Longing and the Art of Visual Persuasion", Simon & Schuster, 2013.

Sarah Rothschild, "The Princess Story: Modeling the Feminine in Twentieth-Century American Fiction and Film", Peter Lang, 2013.

#lapiccolaprincipessa #unapiccolaprincipessa #principessa #principesse #fiabe #fiaba #biancaneve #cenerentola

Ogni volta che va in onda, #PrettyWoman fa il pien

Ogni volta che va in onda, #PrettyWoman fa il pieno di ascolti. Quest'anno ha raggiunto la sua trentunesima replica, il che significa che è stato trasmesso in media una volta all'anno da quando ha debuttato sulla tv italiana, nel 1992.
Nell'imperituro successo di questo film si cela il meccanismo tipico della fiaba, che gode proprio della rassicurante dinamica della ripetizione: vogliamo riascoltare le stesse storie per rivivere, ogni volta, la magia di un lieto fine, nella certezza che anche questa volta tutto si aggiusterà, e nella speranza che sia così anche nella vita reale.
"C'era una volta..." e poi "ancora una volta", come suggerisce Aldo Grasso.

In fondo, gli elementi della fiaba ci sono quasi tutti: Vivian è la ragazza povera, ma nobile di cuore, che partecipa al ballo (qui le serate sono due come nella Cenerentola di Perrault, al ristorante e poi all'Opera, ma se contiamo la partita di polo gli appuntamenti sono tre, come nella versione dei fratelli Grimm), grazie alla Fata Madrina (il direttore dell'hotel, o la carta di credito di Edward), che le regala un nuovo abito con cui farà sfigurare le 'sorellastre' che l'avevano disprezzata (le commesse della boutique di Rodeo Drive).

"Pretty Woman" esce nel 1990, l'anno in cui – come scrivono Elaine J. Hall e Marnie Salupo Rodriguez – la sensibilità post-femminista prende definitivamente piede negli Stati Uniti, dando inizio a una nuova era in cui le donne ricominciano a sognare di abiti scintillanti, balli sontuosi e principi azzurri, ma senza rinunciare alle vittorie del femminismo.
"Pretty Woman" potrebbe essere considerata la Genesi della fiaba (post-)moderna e post-femminista, con Vivian ed Edward come novelli Adamo ed Eva.

La mela della conoscenza è qui simbolo della conoscenza sessuale di Vivian, che la pone in contrasto con la tipica concezione della principessa (Disney e non) come simbolo di purezza assoluta. Vivian è, però, pura di cuore: bella dentro e fuori, come la più classica delle principesse, e quindi ottiene comunque il suo lieto fine.

Continua nei commenti ↓
Il resto dell'analisi è nelle slide →
Nelle storie trovi i link a tutti i miei articoli a tema #principesse postfemministe 👑

“Vacanze Romane” ha cambiato per sempre la rap

“Vacanze Romane” ha cambiato per sempre la rappresentazione delle principesse nei prodotti mediali.

👑 Ann (Audrey Hepburn) è una principessa vivace e moderna, insofferente al protocollo e in disperata ricerca di una via d'uscita da una vita noiosa e opprimente. In visita a Roma, fugge dalla sua stanza per avventurarsi in giro per la città, innamorandosi di un uomo comune. Un amore a cui dovrà rinunciare per assolvere al proprio dovere di principessa.

👑 La sua storia riflette non solo la vita di tante principesse realmente esistite (da Margaret a Diana), ma anche la realtà delle teenager americane degli anni '50.

👑 Il suo aspetto e la sua caratterizzazione ispirano gran parte delle principesse Disney (e non solo), dagli anni '50 in poi.

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♛♛♛

Per approfondire il tema delle principesse (Disney e non), puoi leggere i seguenti articoli sul mio sito (link in bio):

👸🏼”Rose di Titanic è una principessa Disney": viaggio alla scoperta di un archetipo, tracciando parallelismi fra Rose e le principesse Disney.

👸🏻”Principesse del loro tempo: 1937-1959": analisi di Biancaneve, Cenerentola e Aurora in relazione alla moda e al contesto sociale degli anni in cui sono usciti i loro film.

👸🏽”Principesse del loro tempo: 1989-1999": analisi di Ariel, Belle, Jasmine, Pocahontas e Mulan in relazione alla moda e al contesto sociale degli anni in cui sono usciti i loro film.

👸🏿"Principesse del nostro tempo: 2009-2016": analisi di Tiana, Rapunzel, Merida, Elsa, Anna e Vaiana in relazione al contesto sociale degli anni in cui sono usciti i loro film.

Riferimenti bibliografici del post:

👑 Sam Wasson, "Fifth Avenue, 5 A.M.: Audrey Hepburn, Breakfast at Tiffany's, and the Dawn of the Modern Woman", 2010.

👑 Rachel Moseley, "Trousers and tiaras: growing up with Audrey Hepburn", 2000.

👑 Miriam Forman-Brunell, Julie Eaton, "The Graceful and Gritty Princess. Managing Notions of Girlhood from the New Nation to the New Millennium", 2009.

Il successo di #Barbie (2023) è straordinario. Pa

Il successo di #Barbie (2023) è straordinario.
Parliamo di un film che ha fatto la storia del cinema ancora prima di uscire, imponendosi come un importante 'precedente' nella produzione di blockbuster diretti, sceneggiati, incentrati e rivolti alle donne.
A poco più di un mese dalla sua uscita, guardiamo indietro (e avanti) per capire in che modo ha saputo rispondere così bene alle esigenze del pubblico contemporaneo, e come sta già scrivendo il futuro.

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#BarbieIlFilm #Barbiecore

L’estate volge al termine insieme alla #PinkSumm

L’estate volge al termine insieme alla #PinkSummer, la rubrica che ci ha accompagnato fra luglio e agosto al grido di “Il mercoledì ci vestiamo di rosa!”. 🎀
In quest’ultimo appuntamento celebriamo Betty Rizzo in occasione del 45° anniversario dell’uscita di #Grease (1978) in Italia.

Qui il rosa assume una connotazione sessuale, legandosi al rosso e al nero, tanto che Rizzo definisce Sandy “troppo pura per essere pink”, ovvero per far parte delle sue Pink Ladies.
Rizzo è concreta, sarcastica, schietta. Ama fare sesso con gli uomini, ma è disillusa e diffidente nei loro confronti, al netto delle sue precedenti delusioni, e cerca di mettere Sandy davanti alla realtà. Si meraviglia del fatto che il fantomatico principe azzurro di cui la “santarellina” racconta non si sia ancora approcciato a lei in modo sessuale e per questo arriva a definirlo “inquietante” - un po’ perché per lei il sesso è una componente fondamentale in una relazione (e infatti il resoconto sdolcinato di Sandy l’annoia), un po’ perché sa come sono fatti gli uomini. Quando scopre che il ragazzo in questione è Zuko, organizza un incontro fra i due per sbugiardarlo, aprendo gli occhi a Sandy.

Qui, sorprendentemente, la “poco di buono” (Rizzo) non viene punita con una gravidanza indesiderata, mentre la “brava ragazza” (Sandy) capisce che deve lasciarsi andare, prendendo esempio dalla “cattiva”. Assistiamo a un breve momento di intesa fra le due e, per un attimo, sembra che questi due modelli femminili possano convivere ed essere solidali fra loro. La risoluzione finale complica le cose, ma non affronteremo il discorso della “trasformazione” di Sandy in questa sede. Notiamo un piccolo cambiamento anche in Rizzo, però, che sembra voler credere di più alla relazione con Kenickie, in linea con quanto dimostrato da Sandy. Non si parla certo di Vero Amore né tanto meno di nozze imminenti, ma Rizzo sembra più serena. La cosa migliore, però, è il fatto che non sia costretta a cambiare drasticamente per ottenere un lieto fine: Rizzo non abbandona mai il rosa, né tanto meno il rosso o il nero. In altre parole, non abbandona mai sé stessa.

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#YesAllWomen: Carolina Capria (@lhascrittounafemmi

#YesAllWomen: Carolina Capria (@lhascrittounafemmina) sta raccogliendo e condividendo centinaia di testimonianze di donne che hanno subito abusi sessuali. Un'iniziativa che dà voce al genere femminile, evidenziando quanto la molestia sia frequente e normalizzata. Scrivendo di personaggi femminili nella cultura pop, vorrei offrire un piccolo contributo alla conversazione riportando alla luce la delicatezza e la chiarezza con cui #LaMelevisione ha trattato l'argomento per un pubblico infantile, evidenziando elementi e sfumature presenti nei racconti di tante persone che hanno subito abusi. Nell'episodio "Il segreto di Fata Lina", andato in onda su @instarai3 circa 20 anni fa, Tonio Cartonio (@danilo_bertazzi) promuove l'importanza di parlare del problema, sostenendo l'amica Fata Lina (@paolacaterinadarienzo) in un momento vissuto con paura, vergogna, senso di colpa. Lui le legge la 'filastrocca dei segreti pesanti', lei dice che vorrebbe "impararla a memoria, e far sì che tanti altri la conoscano", e io ve la riporto nelle ultime slide. Nel monologo finale, Tonio evidenzia ancora l'importanza di parlare del trauma, per quanto possa fare male: «Queste cose lasciano un brutto segno nella memoria [....]. Raccontarle alle persone che ci vogliono bene e che ci proteggono fa sì che tutte queste brutte esperienze e questi brutti ricordi non abbiano più il potere della paura».

Scorri le slide per leggere l'analisi completa ➡️
Clicca su "Il segreto di Fata Lina" nelle mie storie in evidenza per guardare altre clip dalla puntata 🧚

«Si incipria molto il naso, ma non sembra un'idio

«Si incipria molto il naso, ma non sembra un'idiota» 💄🏁
Con la sua femminilità ultra-stereotipata, Penelope Pitstop, unica donna al volante in "Wacky Races" (1968-69), avrebbe potuto facilmente diventare il bersaglio di critiche da parte delle femministe a lei contemporanee, e forse lo è anche stata, ma dal 1970 ci arrivano ben due testimonianze di come il suo personaggio potesse costituire un'eccezione virtuosa nel panorama delle serie animate statunitensi dell'epoca, incarnando (e sfidando) lo stereotipo della femminilità senza che questo la ostacoli nella sua corsa al successo. 🏎️
Scorri le immagini per saperne di più →

70 anni fa, il rosa si legava indissolubilmente al

70 anni fa, il rosa si legava indissolubilmente alla femminilità in ogni sua sfumatura, mettendo in luce una dicotomia di cui dobbiamo ancora liberarci.
Da Marilyn Monroe a Jackie Kennedy e ritorno, un viaggio cromatico nel cuore della #PinkSummer. 🎀
Analisi completa sul rosa: link nelle storie (e nella sezione LINK delle storie in evidenza).

#colorerosa #femminilità #marilynmonroe #idiamantisonoimiglioriamicidelledonne #gliuominipreferisconolebionde #ilmercoledìcivestiamodirosa #ilcolorerosa #femminismo #culturapop #rosashocking #larivincitadellebionde #jackiekennedy

«Tutte queste donne sono Barbie e Barbie è tutte

«Tutte queste donne sono Barbie e Barbie è tutte queste donne».

🪞 Contiene spoiler su "Barbie" (2023) 🪞

Il film di Barbie non è un film su Barbie.
O meglio, Barbie è solo un pretesto. L'elogio di questa icona di plastica viene meno, di fronte alla celebrazione dell'umanità femminile. Quell'umanità che prende vita sullo schermo quando Barbie, sul finale, si abbandona alle emozioni, mentre assistiamo a un montaggio di filmini famigliari che mostrano donne di diverse età, soprattutto bambine e anziane. Due mondi che costituiscono l'inizio e la fine di quell'avventura che Barbie decide di vivere. E così Barbie sperimenta, in quei pochi secondi, tutta la vita che l'aspetta. Fino a quel momento, l'assaggio che ha avuto dell'esperienza femminile non è dei migliori - nel Mondo Reale ha trovato soprattutto tristezza, disagio e sofferenza, ma sono emozioni che ha provato, per la prima volta, in modo autentico. E così, Barbie sceglie di essere donna. O forse sceglie di crescere, se immaginiamo il suo Eden come una rappresentazione dell'idealismo infantile, e lo scontro con la realtà come il passaggio all'adolescenza, con tutte le sue insicurezze. «Sei belllissima», dice all'anziana sulla panchina, e così Barbie abbraccia tutte le fasi della vita.

Il suo percorso riflette l'esperienza della femminilità nel modo più sincero e ampio possibile, il che passa naturalmente da una riflessione su cosa significhi essere una donna in un mondo patriarcale. Parlando di femminilità in senso universale, non c'è spazio per parlare di iperfemminilità (in barba al #Barbiecore), né per valorizzare a dovere l'icona stessa, stereotipo di sé stessa e al contempo rappresentante di tutte le donne nell'accettazione della sua ordinarietà.

"Barbie" è un film che racconta l'imperfezione con imperfezione e quindi anche con autenticità, sotto una patina di artificio.
Quando Barbie, a inizio film, si ammira in uno specchio finto, il testo della canzone di Lizzo l'accompagna dicendo: «Se quello fosse un vero specchio, vedresti un sorriso perfetto». A fine film, il sorriso di Barbie è imperfetto, ma il riflesso è reale.
Non più Barbie Roberts, ma Barbara Handler.

Scorri per leggere il resto→

"Legally Blonde", in Italia #LaRivincitaDelleBiond

"Legally Blonde", in Italia #LaRivincitaDelleBionde, è un film del 2001 che con leggerezza e intelligenza sfata lo stereotipo che lega il colore rosa, e quindi l'iper-femminilità, a qualcosa di frivolo, superficiale, stupido. 🎀

#ElleWoods apre trionfalmente un decennio che tenderà verso l'opposto, ossia verso la demonizzazione delle bionde che vestono di rosa. Oggi, #LegallyBlonde rappresenta un'eccezionale rivincita retroattiva del rosa, in un periodo in cui il femminismo ricomincia ad abbracciare questo colore e tutto il complesso bagaglio di connotazioni e contraddizioni che si porta dietro, dalla tradizione alla rivoluzione. 💅🏻

Per leggere l'analisi completa sul film (e sul rosa), clicca sul link nelle storie 💄

Incarnando lo spirito del tempo per più di 60 ann

Incarnando lo spirito del tempo per più di 60 anni, #Barbie è diventata un'icona di ogni tempo e senza tempo. ✨

In occasione dell'uscita di #BarbieIlFilm, ripercorriamo la storia di quella che non è semplicemente una bambola, ma la rappresentazione plastica di un'ideale femminile in continuo movimento. Quasi un controsenso, non credete?

I modelli che ho selezionato rappresentano piccoli frammenti sospesi nel tempo: tutti insieme, raccontano la storia di Barbie, ma soprattutto la nostra storia. Dal 1959 ad oggi, in senso letterale, con l'ultimo paragrafo (appena aggiunto) che riflette sul #Barbiecore e su cosa il successo del film di #GretaGerwig sembra volerci dire sul futuro di questa bambola.
Link nelle storie in evidenza 🎀

«I need a little fabulous, is that so wrong?» 💎

Viviamo in un'epoca in cui la rivalutazione di personaggi e prodotti mediali è all'ordine del giorno. Uno dei decenni maggiormente colpiti dal fenomeno è quello degli anni '00, complice l'ascesa di una generazione di giovani donne che sono cresciute in quel periodo, magari ammirando Paris Hilton e Britney Spears, senza capire perché il mondo degli adulti ce l'avesse così tanto con i loro idoli. Adesso, che le adulte sono loro, sono pronte a rimodellare la narrazione attorno ai personaggi della loro infanzia e adolescenza.

Una delle figure a giovare di questo revisionismo pop è Sharpay, villain di #HighSchoolMusical, che prende lo stereotipo della 'mean girl' vestita di rosa e lo porta all'estremo. Il fatto che sembri diventare buona alla fine di ogni film della trilogia, per poi tornare cattiva all'inizio del successivo, è un delizioso controsenso che non va tuttavia ad intaccare la vera coerenza di Sharpay: a differenza di altre 'ragazze cattive' di quel decennio, lei non abbandona mai rosa, strass e paillettes.

C'è anche da dire che, a differenza di quanto vediamo in #MeanGirls (2004), la sua iperfemminilità non è in cima alla 'catena alimentare' della scuola (tanto che la sua vanità è oggetto di scherno da parte dei Wildcats), tanto che la sua trionfale entrata in scena nel terzo film sembra rispecchiare la percezione del pubblico che l'ha amata più che quella dei suoi effettivi compagni di scuola. Nella realtà del film, Sharpay appare più come un'outsider: con i suoi eccessi, trasgredisce alle norme che regolano il microcosmo di cui fa parte. Non può essere buona in quell'universo perché non ne condivide i valori. Il fatto di essere la villain le concede la libertà di trasgredire e per questo viene sempre punita, ma poco male. Se facciamo un confronto con Gabriella, che ottiene tutto ciò che vuole (amore e università di prestigio), ma canta (con Troy) "I just wanna be with you" ("Voglio solo stare con te"), sentire Sharpay cantare "I want it all", ossia "Voglio tutto quanto", senza vergogna e ipocrisia, è una boccata d'aria fresca.

Scopri di più sulle cattive in rosa nelle slide e al link nelle storie 🎀

Per inaugurare la nostra #PinkSummer, tracciamo la

Per inaugurare la nostra #PinkSummer, tracciamo la complessa relazione che da decenni lega il rosa alla femminilità. Una storia che, in relazione a #Barbie, non può prescindere dai cambiamenti a cui la società statunitense è andata incontro negli ultimi 70 anni.
La fisiologica alternanza fra progressismo e conservatorismo, nonché fra democratici e repubblicani, fa sì che questo colore venga imposto, rifiutato o rivendicato dalle donne, a seconda dei decenni.

Alla luce di questo, non c’è forse momento migliore di quello che stiamo vivendo per far uscire un film sulla bambola più famosa del mondo: la società contemporanea accoglie di buon grado rosa e iperfemminilità, ormai scevri delle loro connotazioni misogine e perfino riconnotati in ottica femminista, ma soprattutto c’è una gran voglia di divertimento dopo gli anni della pandemia, forse perfino a discapito della profondità che Barbie ha pur sempre portato con sé.
E infatti la Mattel prima affida il progetto a Greta Gerwig, nota per essere una regista ‘femminista’, e poi va in panico di fronte alla prospettiva che il film venga definito ‘femminista’. Ci stiamo forse dirigendo verso una nuova era post-woke in cui ‘femminista’ torna ad essere una parola tabù?

Quel che è certo è che l'uscita di “Barbie” (2023) è l’occasione giusta per far riconnettere quest’icona di plastica con il Mondo Reale, ammesso che non sia già successo: i folli outfit con cui Margot Robbie è stata fotografata sul set del film, l’anno scorso, hanno fatto scoppiare il fenomeno Barbiecore (vestiti rosa dappertutto!) e, qualche mese fa, abbiamo tutti condiviso sui social le nostre foto con la dicitura “This Barbie is…”.
Quindi, forse, il nostro mondo si sta già trasformando in Barbieland. 💅🏻

Oggi riabbracciamo il colore, il divertimento, la frivolezza e anche Barbie, ma con una nuova consapevolezza che deriva da un decennio in cui il femminismo è tornato ad essere al centro dell’immaginario collettivo. Una consapevolezza che permette alla stessa Barbie di tornare ad abbracciare senza vergogna tutto ciò che la rappresenta, a partire dal rosa.

🎀 Scorri le immagini →
💄Scopri i miei articoli di approfondimento: link nelle storie!

«Il [pensiero] Girlie dice che non siamo difettos

«Il [pensiero] Girlie dice che non siamo difettose, e che i nostri desideri non sono solo trappole esplosive impostate dal patriarcato. Il Girlie ingloba tutti i simboli tabù dell'inculturazione femminile - le Barbie, il make up, le riviste di moda, i tacchi alti - e sostiene che usarli non è sinonimo di "Siamo state fregate"».

Con questa dichiarazione di intenti, inclusa nel fondamentale saggio "Manifesta. Young Women, feminism and the future" (2000), Jennifer Baumgardner e Amy Richards mettono nero su bianco un concetto che caratterizzerà la Terza Ondata, ossia l'idea che la femminilità convenzionale, o meglio l'iper-femminilità, non sia antitetica al femminismo, e che anzi i suoi simboli possano essere oggetto di riappropriazione e rivendicazione in ottica femminista.

Esploreremo questo discorso non solo a luglio, nelle settimane che ci separano da "Barbie" (2023), ma per il resto dell'estate: benvenutə nella #PinkSummer di heroica.it!
Il giorno prediletto per la pubblicazione di post su questo tema?
Ovviamente il mercoledì, come insegna "Mean Girls" (2004)! 🎀

Sulle note di “Mediterranea” di Giuni Russo vi

Sulle note di “Mediterranea” di Giuni Russo vi abbiamo presentato il nostro Mermaid Film Festival e su queste stesse note vi salutiamo con l’ultimo contributo: un podcast in cui raccontiamo com’è nato il Festival e discutiamo di tutti i film in programma, lasciando anche qualche indizio sul futuro… 🧜🏻‍♀️
Insieme a noi c’è @vittoriopiorosario, amante delle sirene che ha seguito con passione la nostra rassegna. 🐚
Ricordandovi che tutti i film sono disponibili sul canale @subclassics, e che le relative analisi sono raccolte sul sito di @heroica.it, vi salutiamo sperando che queste sirene dell’Est vi abbiano incantato. Dal Mar Mediterraneo di Giuni Russo (e di Ariel) alle più oscure e fredde acque dell’Est Europa, l’importante è credere sempre nelle sirene ✨
E chissà verso quali lidi ci condurrà il futuro…
Appuntamento a maggio 2024! 🌊
Per ascoltare il podcast, clicca sul link in bio (@subclassics) e nelle storie (@heroica.it) 🦪

Cielo, mare, terra e poi di nuovo cielo. Sembra e

Cielo, mare, terra e poi di nuovo cielo.
Sembra essere questo il percorso che traccia il destino delle nostre sirene, dai miti greci (in cui erano donne-uccello) alla Sirenetta di Andersen, che dopo essere stata sulla terraferma torna in cielo come le sue antenate, per diventare una “figlia dell’aria”. E in tutto questo c’è di mezzo anche una certa Ariel, che prende il suo nome dallo spirito dell’aria de “La Tempesta” di Shakespeare. 🌬️

E poi ancora l’assira Atargatis, la prima sirena dell’umanità, diventa tale perché si affoga come conseguenza di un amore impossibile: sono più o meno gli stessi elementi che danno origine alla Vila e alla Rusalka, rispettivamente nel folklore ceco e russo. E poi Undine, nel folklore germanico e nel racconto di De La Motte Fouqué: ancora un amore illecito e una fine tragica, causata dalla stessa sirena in risposta al rifiuto amoroso. Per tornare poi alla Sirenetta di Andersen, quando questa pericolosa creatura d'acqua, elemento tra i più freddi in natura, diventa tanto capace di amare da poter ottenere un’anima propria, sulla scia del Romanticismo ottocentesco. 🌊

L’articolo conclusivo del nostro Mermaid Film Festival è un’occasione per parlare di questo e molto di più, oltre a fare un riepilogo dei film in programma con tanti nuovi contenuti e un paragrafo interamente dedicato ai punti di contatto con il Classico Disney del 1989.
Link nelle storie! 🧜🏻‍♀️

Dalle acque della Germania emerge l’ultima Siren

Dalle acque della Germania emerge l’ultima Sirenetta del nostro Mermaid Film Festival 🧜🏻‍♀️
Angelo Serfilippi ci accompagna a scoprire in che modo Ondina incarna le tre tipologie di sirena tedesca (a partire dal suo nome), in un viaggio da Fouquè ad Andersen… e ritorno!
Scorri le immagini per leggere l’approfondimento, poi tuffati nel film: link in bio (@subclassics) e nelle storie (@heroica.it) 🌊

Questo è un post che non avrei mai immaginato di

Questo è un post che non avrei mai immaginato di scrivere. Un po' perché heroica.it si occupa esclusivamente di personaggi femminili, un po' perché l'idea scaturisce da una critica che mai avrei immaginato di leggere. Sì, ormai dovremmo esserci abituati alle sparate di registi e cast dei remake Disney in live action, eppure non smettiamo di sorprenderci dell'ignoranza che ostentano. Quasi verrebbe da sperare che non ci credano veramente, che lo facciano solo per creare scalpore. Non vogliamo fare il loro gioco, ma allo stesso tempo non possiamo far finta di nulla. E se una dichiarazione sciocca può portarci a riflettere su un personaggio a cui non avevamo mai pensato, allora... possiamo trarne perfino qualcosa di buono, no?

Rob Marshall, regista del remake de #LaSirenetta, ha dichiarato quanto segue: «ll ruolo di Eric nel film d'animazione - e sono sicuro che i creatori originali sarebbero d'accordo - è quello di un principe rigido e scialbo, che non ha molto da dire». Ora, tralasciando la sua arroganza non solo nel giudicare il lavoro altrui, ma perfino nel pretendere che i diretti interessati gli diano ragione, è evidente che non sia così (e Musker & Clements sarebbero d'accordo con me).

Certo, è chiaro e per certi versi necessario che come personaggio spicchi meno di Ariel, ma l'Eric del 1989 ha una sua personalità, non è un "pezzo di legno" come insinua Marshall. Una personalità che, peraltro, va oltre a quella del tipico eroe anni '80 a cui comunque attinge a piene mani nelle scene d'azione (su richiesta del produttore Jeffrey Katzenberg, che voleva una battaglia finale in stile Die Hard (1988)). Il live action, invece, non solo priva Eric di questo aspetto (che sul finale risultava fondamentale per farsi ben volere da Tritone), ma si limita a enfatizzare in modo didascalico varie componenti già presenti nel Classico, coronando il tutto con una storia d'amore che, pur risultando gradevole, si costruisce su un pretesto semplicistico e sempliciotto, finanche banale: i due si innamorano perché sono simili. Al regista, e a chi in questi giorni sta elogiando il remake a discapito del Classico, consiglierei di riflettere meglio sia sul vecchio che sul nuovo.

Nel secondo post dedicato al penultimo film del no

Nel secondo post dedicato al penultimo film del nostro Festival approfondiamo la figura della Rusalka, che dà il titolo ai due adattamenti sovietici che vi abbiamo presentato: "Rusalochka" significa infatti "Piccola rusalka". 🧜🏻‍♀️
Ci facciamo accompagnare da Angelo Serfilippi in un viaggio nel folklore sovietico, fra la persecuzione degli umani nei confronti delle sirene e quella degli spiriti dell'acqua nei confronti degli umani, con uno sguardo su come il film ha addolcito i lati più inquietanti della Rusalka, in linea con l'opera di Andersen.
Scorri le immagini per saperne di più, poi tuffati nel film: link in bio (@subclassics) e nelle storie (@heroica.it)! 🌊

Siamo orgogliosi di presentarvi la quarta e penult

Siamo orgogliosi di presentarvi la quarta e penultima gemma del nostro Mermaid Film Festival, "Rusalochka" (1976). 🧜‍♀️
Torniamo in Russia con una graziosa quanto commuovente interpretazione firmata Studio Gorky, con una dolcissima Sirenetta e una trama che diverge dalla fiaba originale, ma mette in luce due suoi temi fondamentali: l'amore non corrisposto e l'emarginazione del diverso.

Con i dialoghi a cura di Leone Locatelli e la preziosa consulenza dell’insegnante madrelingua russa Victoria Bachina!
Link in bio (@subclassics) e nelle storie (@heroica.it)! 🌊

La vita mediatica di #WannaMarchi ci ispira a trac

La vita mediatica di #WannaMarchi ci ispira a tracciare numerosi parallelismi con la figura della #strega nell'immaginario collettivo, in particolare con Ursula del Classico Disney #LaSirenetta (1989).🔮

La più famosa televenditrice d'Italia insultava, ammaliava le masse e indagava sul loro inconscio, sui loro bisogni più profondi. Il suo è un maleficio che alla prima televendita opera in tre tentativi, come quelli della strega di Biancaneve nella fiaba dei fratelli Grimm, e che attechisce solo nel momento in cui vira sul sentimentale-patetico, in pieno stile "La canzone di Ursula": non vende più prodotti, ma sé stessa. Aveva già colto la tendenza catodica alla mercificazione dei sentimenti e del dolore.

Protagonista della grande ascesa delle tv private, in un clima di pieno edonismo, la tele-imbonitrice vedrà avvicinarsi la sua rovina non appena gli scintillanti '80 lasceranno spazio ai cupi '90. Quando capisce che intrugli, pozioni e alghe dimagranti non tirano più, Wanna "si convince di essere diventata così brava da poter vendere anche la fortuna, cioè il nulla", dichiara il suo avvocato Liborio Cataliotti nel documentario di @netflixit a lei dedicato.

«C'è una regola, nella narrativa, che dice che per descrivere un personaggio negativo è molto importante che questo non sappia di essere negativo, perché così è anche nel mondo vero», scriveva @gqitalia su Nicole Minetti. Vale lo stesso per Wanna, che infatti ad oggi non appare assolutamente pentita, anzi: è risentita per il trattamento a cui è andata incontro. E così in carcere si è messa a scrivere fiabe per sua figlia Stefania, forse sperando in un finale diverso per entrambe. Per loro che, dopo l'arresto, sono più volte tornate in scena al suono di: "Tremate, tremate! Le streghe son tornate!".

Quella di Wanna Marchi è una figura grottesca, quasi disneyana. Quasi catartica nel suo essere impenitente. "Cattiva e basta", eppure così sfaccettata…
Una figura di cui mediaticamente abbiamo bisogno per renderci conto che il Male è affascinante e carismatico, e scegliere comunque il Bene.

Scorri fino in fondo per leggere il resto e scoprire l'illustrazione di @marco_pintus_82 dedicata a Wanna/Ursula 🦑

"Malá mořská víla" (1976), terzo film del nost

"Malá mořská víla" (1976), terzo film del nostro Mermaid Film Festival, ci offre una rappresentazione delle sirene che diverge dal nostro immaginario, ma che presenta qualche punto di contatto con le Villi del folklore ceco. ✨
Ce ne parla Angelo Serfilippi di @subclassics in questo approfondimento! 🌊

Guarda il film: link nelle storie e nelle storie in evidenza #MFF🧜🏻‍♀️

Cosa ci fa Ariel de “La Sirenetta” sulla t-shi

Cosa ci fa Ariel de “La Sirenetta” sulla t-shirt della cantante delle Bikini Kill, la più importante band punk femminista dei primi anni '90?
Quali sono le origini del #GirlPower e quale ruolo può aver giocato Ariel in questo contesto?

Scorri le immagini per saperne di più 🧜🏻‍♀️

La suggestiva estetica di “Rusalochka” (1968),

La suggestiva estetica di “Rusalochka” (1968), il secondo film del nostro Mermaid Film Festival, ci ha ispirato a tracciare qualche parallelismo con l’arte russa (e non solo) sotto la guida di Angelo Serfilippi di @subclassics 🧜🏻‍♀️✨

Guarda il film: link nelle storie (e nella sezione #MFF in evidenza) 🐚

I detrattori de #LaSirenetta (1989) sostengono che

I detrattori de #LaSirenetta (1989) sostengono che la protagonista rinunci a sé stessa per un uomo, ma la storia sembra dirci tutt'altro: Ariel dà priorità assoluta al proprio desiderio, a discapito di ciò che vogliono gli altri.

Lauren Dundes la contrappone a Pocahontas, che mette il proprio popolo prima dell'amore per John Smith. Anche i nobili intenti di Mulan e il giusto compromesso di Vaiana sono apprezzabili, ma forse l'elemento più interessante di entrambe è il fatto che decidano di partire anche per loro stesse, per trovare il proprio posto nel mondo. A maggior ragione, è interessante e liberatorio che già diversi anni prima una principessa abbia voluto mettere la propria felicità prima di tutto e tutti.

In una società che insegna alle ragazze a mettere i bisogni degli altri prima dei propri, Ariel fa tutto il contrario. Pur evidenziando le conseguenze negative di una scelta avventata, la storia legittima il suo desiderio e premia la sua determinazione. Perfino vederla sbagliare, come qualunque eroe che si rispetti, è liberatorio, in barba a chi pensa che una rappresentazione femminista debba per forza basarsi su personaggi ultra-competenti e infallibili, stile #MarySue.

Alla luce di questo, è assurdo che Ariel venga considerata egoista mentre eroine successive, come Elsa di "Frozen" (2013), vengano elogiate per il fatto di mettere loro stesse prima degli altri, scappando da doveri e responsabilità che Ariel di fatto non ha. Ariel è la figlia più piccola del Re, mentre Elsa è la legittima erede al trono. A conti fatti, Elsa risulta più irresponsabile di Ariel, eppure è quest'ultima ad essere criticata di più, forse perché non rimedia direttamente al proprio errore (Elsa riesce a farlo, pur con troppa facilità), ma soprattutto perché guidata dall'amore romantico.

Per quanto sia lecito e necessario auspicare in una pluralità di narrazioni che non prevedano sempre un interesse romantico per l'eroina, l'amore non dovrebbe essere demonizzato a prescindere, a maggior ragione quando i personaggi maschili non vanno incontro alle stesse critiche. Alla fine, in un modo o nell'altro, sembra che a rimetterci debbano sempre essere i desideri delle ragazze.

“Malá mořská víla" significa "Piccola vila d

“Malá mořská víla" significa "Piccola vila di mare" ed è l'espressione con cui viene ancora oggi tradotto il titolo "#LaSirenetta” in Repubblica Ceca: anche la versione Disney si chiama così! 🧜🏻‍♀️

'Vila' non è semplicemente la traduzione ceca del nostro 'sirena', ma è il nome di una figura tipica del folklore slavo che con la 'mermaid' della Disney o con la 'havfrue' di Andersen ha solo alcuni tratti in comune.

Con questo piccolo approfondimento legato al primo film del nostro #MermaidFilmFestival, Angelo Serfilippi di @subclassics ci accompagna in un breve viaggio fra ninfe acquatiche e fantasmi di ragazze che hanno perso l'amore, tracciando le possibili intersezioni fra la Vila e la Sirenetta. 🌊

L'avventura della Disney con le sirene inizia poco

L'avventura della Disney con le sirene inizia poco più di 90 anni fa...
Ecco le principali tappe del viaggio che ha portato ad Ariel. 🐚

🧜🏻‍♀️ 1932 - 𝕶𝖎𝖓𝖌 𝕹𝖊𝖕𝖙𝖚𝖓𝖊 (Silly Symphony)
Fra squilli di trombe, sei sirene compaiono all'interno di una conchiglia per intrattenere Re Nettuno: la scena ricorda vagamente l'incipit de #LaSirenetta (1989), con le sei sorelle di Ariel che si esibiscono per Re Tritone e i suoi sudditi. Fra loro si distingue, anche qui, una sirena dai capelli rossicci, che poi verrà rapita dai pirati e, pur cercando di difendersi, verrà salvata solo dall'intervento di Nettuno. Quando, qualche anno più tardi, la Disney valutò l'idea di animare una serie di fiabe di Andersen, Kay Nielsen realizzò una concept art di una Sirenetta molto vicina all'estetica di questo corto.

🧜🏻‍♀️ 1953 - 𝕻𝖊𝖙𝖊𝖗 𝕻𝖆𝖓 (Classico Disney)
Sempre sei sono le sirene dell'Isola che non c'è, che incarnano i tratti tipici di questa figura mitologica: sono vanitose, seduttive nei confronti degli uomini e generalmente malevole. Nella versione Disney sembrano pin-up: alcune indossano reggiseni a conchiglia (come Ariel) e sfoggiano capigliature in voga negli anni ‘50, fra cui la frangetta bombata (già vista in Cenerentola). Due di loro hanno i capelli rossi e una di queste ha un ciuffo simile a quello di Ariel.

🧜🏻‍♀️ 1987 - 𝕴 𝕲𝖚𝖒𝖒𝖎 (serie TV)
Aquarianne si pone quasi a metà fra #Splash (1984) e il Classico del 1989. Ha i capelli biondi e la coda arancione come Madison, elementi che ritroviamo in alcuni bozzetti preliminari di Ariel, e un ciuffo che ricorda quest'ultima. Come Madison e Ariel, Aquarianne salva un personaggio che sta per annegare e poi viene salvata a sua volta. Ha un carattere più tranquillo di Ariel, ma all'occorrenza è irriverente, sa come difendersi e non le manda a dire, perfino quando viene catturata. All'inizio dell'episodio sembra esserci un riferimento a ciò che verrà, quasi un easter egg interno alla Disney: Sunni nota un sacco di oggetti curiosi che la tempesta ha portato sulla riva e li definisce "neat stuff". Due anni più tardi, Ariel inizierà la sua Part Of World proprio con il verso «Look at this stuff, isn't it neat?».

Scenari fiabeschi sulle note di “Mediterranea”

Scenari fiabeschi sulle note di “Mediterranea” di Giuni Russo. 🌊
Introduciamo così il nostro Mermaid Film Festival: 5 film europei, basati su #LaSirenetta di Hans Christian Andersen, che vi terranno compagnia lungo tutto il mese di maggio. 🧜🏻‍♀️
Intanto tuffatevi in questa selezione di scene da #Rusalochka (1976). ✨
Video completo sul canale YouTube di SubClassics, link nelle Storie di @heroica.it e nella bio di @subclassics 🐚

L'aggettivo giapponese 'kawaii' ("carino/a"), oggi

L'aggettivo giapponese 'kawaii' ("carino/a"), oggi noto in tutto il mondo, deriva da un'espressione più antica, 'kawahayushi', utilizzata per esprimere un sentimento di pena e compassione che sarebbe in seguito stato assorbito dal termine 'kawaisō', traducibile con "poverino/a". Da sempre, quindi, il concetto di "carino" si è legato a creature tenere e indifese, da proteggere.

Ad un primo sguardo, Clara di "Heidi" sembrerebbe incarnare una combinazione perfetta fra i due termini, ma la sua evoluzione la porta ad emanciparsi almeno dal più debilitante dei due. Attraverso di lei, il regista Isao Takahata comincia a delineare due elementi cardine della sua poetica. Numero uno: fuggire dagli aspetti più duri della vita è da codardi. Impegno, sacrificio e senso del dovere sono elementi molto presenti nella cultura giapponese: sono i valori che hanno permesso al Paese del Sol Levante di prosperare negli anni '70, in cui è andato in onda "Heidi", e sono valori da tenere a mente, a maggior ragione, quando le cose vanno male. E così, il termine 'ikujinashi', ossia 'codarda', che viene utilizzato da Heidi quando Clara sembra volersi arrendere all'idea di non riuscire a camminare, è lo stesso che Sailor Mars utilizza per redarguire Sailor Moon quando dichiara di voler smettere di combattere nell'ep. 35 di "Sailor Moon", andato in onda nel 1992, l'anno in cui è scoppiata la bolla speculativa che ha fatto scivolare il Giappone in una profonda crisi economica.
Il secondo elemento cardine della poetica di Takahata è ciò che più lo allontana dall'Hayao Miyazaki dei primi anni, ossia l'accettazione del cambiamento e della crescita: Clara è una ragazzina carina, da proteggere e per cui provare compassione, ma non avrà per sempre bisogno di essere protetta e compatita. Miyazaki si allontanerà da Takahata durante la lavorazione di "Anna dai capelli rossi" (1979), anime la cui protagonista, oltre a non essere da lui considerata 'kawaii' (è meno idealizzata di Heidi e Clara), finisce anche per crescere, perdendo il candore e l'idealismo dell'infanzia. Abbandonata la serie, Miyazaki andrà a dipingere la Clarisse de "Il castello di Cagliostro" come un simbolo di eterna innocenza.

A salvare Matilda non è solo il potere dell'intel

A salvare Matilda non è solo il potere dell'intelligenza, ma anche quello dell'immaginazione. Una magia che deriva da quei luoghi fantastici in cui i libri la accompagnano, ispirandola ad immaginare una realtà migliore, fino a renderla possibile. #GiornataMondialeDelLibro

Leggi la mia analisi di #Matilda: link nelle storie 📚

Nel 1979, "Lupin III - Il castello di Cagliostro"

Nel 1979, "Lupin III - Il castello di Cagliostro" cambia per sempre la percezione del pubblico nei confronti dell’incorreggibile ladro ideato da Monkey Punch.
La dolcezza della principessa Clarisse ammorbidisce il cuore di Lupin e legittima gli otaku - maschi adulti ossessivamente dediti agli anime - ad entrare in contatto con il lato più tenero di sé. In lei, gli otaku trovano una figura femminile tradizionale in tempi di ardente femminismo (e in molti casi un feticcio sessuale), ma anche un personaggio in cui immedesimarsi, contro ogni aspettativa.

In una società restrittiva e competitiva come quella del Paese del Sol Levante, che a fine anni '70 aveva ormai raggiunto lo status di potenza economica, gli uomini devono "fare gli uomini", ossia essere duri, efficienti, imperturbabili. Immaginarsi nei panni di una ragazza fragile, dolce e innocente permette agli otaku di abbracciare la parte più morbida e infantile di sé, facendo i conti con la propria vulnerabilità. Personaggi come Clarisse rappresentano un simbolo eterno di candore e giovinezza, il sogno di un'innocenza mai contaminata dai mali nel mondo, un sé idealizzato o un ideale personificato in cui potersi rifugiare.

Alla fine, Lupin rifiuta l'amore di Clarisse, che vorrebbe seguirlo e passare la vita con lui, proprio per preservare l'innocenza della ragazza, come se in fondo lei rappresentasse un'entità ultraterrena, in pieno contrasto con l'apertamente terrena Fujiko Mine, con cui il ladro si riconcilia proprio alla fine della pellicola, a ribadire come in fondo sia quest'ultima - più vicina alla donna emancipata degli anni '70 - ad essere, a suo modo, l'anima gemella dell'incorreggibile protagonista.

Fonti:
- Patrick Galbraith, Otaku and the Struggle for Imagination in Japan, Duke University Press, 2019.
- Hayao Miyazaki, Starting Point: 1979, 1996, VIZ Media, 2009.
- Francesco Messina, Lupin III · Il castello di Cagliostro: Recensione & Riflessioni (by AkiraSakura & Shito), Bokura No Kakumei, 2021.

«Un giorno dovremmo fare una Heidi giapponese».

«Un giorno dovremmo fare una Heidi giapponese».

È un proposito rimasto nel cuore del regista Isao Takahata per tanti anni, dopo aver diretto "Heidi" (1974). Pare che l'idea di ambientare una storia del genere in Giappone l'avesse avuta fin da subito, ma al tempo il mercato privilegiava serie animate con ambientazioni occidentali. Un giorno, però, una Heidi giapponese avrebbe davvero visto la luce, con la sua regia: sto parlando di Kaguya-hime de "La principessa splendente" (2013). Le analogie sono diverse: al centro di entrambe le storie c'è una ragazzina che passa la sua spensierata infanzia in montagna e poi viene forzatamente allontanata dalla natura per vivere in città. Alle corse nei prati con Sutemaru (o Peter) si sostituisce la rigida istruzione di una governante (Sagami o la signorina Rottermeir), mentre Kaguya-hime di fatto ricopre sia il ruolo di Heidi che quello di Clara. I primi episodi di "Heidi" raggiungono inediti (per l'epoca) picchi di introspezione: la tristezza della protagonista viene dipinta con delicatezza, ma senza indorare la pillola. Tuttavia, lo spirito ottimista di Heidi non l'abbandona mai del tutto: da qui nasce il principale contrasto con Kaguya-hime, che crolla invece nella più profonda depressione. Notiamo come la principale analogia visiva fra le due opere, quella liberatoria fuga verso i monti in cui le due abbandonano i propri vestiti di città, appare gioiosa in "Heidi" (ep. 1) e disperata ne "La principessa splendente". E così, in qualche maniera, si uniscono i fili della carriera di Isao Takahata, dalla sua prima serie di successo all'ultimo film prima della sua morte. Nei quasi 40 anni che intercorrono fra le due opere, la visione del regista abbandona il suo sfrenato ottimismo. Spetta al pubblico stabilire se il triste epilogo di Kaguya-hime sia da attribuirsi alla rigida società che la circonda, alla sprovvedutezza dei suoi genitori o a lei stessa, che a differenza di Heidi e Clara non riesce a sfuggire alla propria tragedia. Quel che è certo è che, mostrando cosa sarebbe successo se Heidi fosse caduta in depressione, la poetica di Takahata risuona forte e chiara: la vita è preziosa e non va sprecata.

Esattamente 90 anni fa usciva "Snow-White" (1933),

Esattamente 90 anni fa usciva "Snow-White" (1933), un corto in cui Betty Boop reinterpreta la fiaba di Biancaneve, quattro anni prima dell'uscita del Classico Disney.
Le due trasposizioni sono legate soprattutto dalla presenza di Grim Natwick, creatore di Betty Boop e supervisore dell'animazione e del design della Biancaneve disneyana. Nei primi bozzetti di Natwick, Biancaneve presentava diverse somiglianze con Betty: testa sproporzionata e occhi grandi e tondi con ciglia marcate, corpo stilizzato con gambe lunghe e sottili, con caviglie in vista. Disney spinge per un design più realistico e meno provocante, ma il risultato finale - anche in virtù delle caratteristiche insite nel personaggio - continua a richiamare Betty Boop: pelle bianco latte, capelli corti e scuri, occhi tondi, labbra rosse a cuoricino e una voce infantile, dolce e iper-acuta.

Betty Boop conserva un candore quasi infantile che la ricollega alla sua controparte disneyana. Il pubblico prova tenerezza per questa figuretta tragicomica che se ne vede capitare di tutti i colori, eppure continua ad approcciarsi alla vita con vivace ottimismo. Allo stesso modo, Walt Disney riesce a far appassionare il pubblico alle vicende della sua Biancaneve proprio perché gli spettatori si ritrovano a provare compassione e poi affetto per lei, permettendo al film di superare lo scoglio della mezz'ora di durata a cui fino a quel momento l'animazione sembrava essere confinata. E così, anche le spaventose figure che popolano il bosco in "Biancaneve" sembrano evocare le presenze grottesche che infestano diversi corti di Betty Boop, come nelle surreali scene di "Minnie the Moocher" (1932).

Infine, entrambi i personaggi giocano un ruolo fondamentale nel rincuorare gli americani nel periodo della Grande Depressione.
Betty Boop l'affronta in modo diretto nel corto "Ups and Downs" (1932), mentre la Biancaneve disneyana gioca più sul simbolico. Dopo il tentato omicidio orchestrato dalla Regina, Biancaneve deve trovare in fretta un posto dove stare: la sua situazione ricalca quella dei milioni di americani che hanno perso la loro casa a seguito della Crisi del '29.

«In caso di olocausto nucleare, sopravviveranno s

«In caso di olocausto nucleare, sopravviveranno solo Cher e gli scarafaggi».

Questo detto, nato fra gli addetti ai lavori dello showbiz statunitense, è diventato col tempo quasi un adagio popolare, uno di quei proverbi che con semplicità affermano realtà assolute.
Sì, perché la peculiarità che ha maggiormente caratterizzato i (quasi) 60 anni di carriera di Cher è una capacità di sopravvivenza notevole. La sua è una carriera (e una vita) fatta di alti e bassi che presentano fra loro un divario tale da spingerci a scomodare ogni volta il termine "resurrezione". Cher ha la capacità di capire quando è il momento di cambiare totalmente strada, passando da un ambito all'altro con una naturalezza sconcertante, raggiungendo traguardi che annullano ogni pregiudizio legato all'età, oltre che al gatekeeping. Cantante di successo a 20 anni, star della televisione a 30, vincitrice di un Oscar a 40. A 50 anni faceva le televendite, ma poi è arrivata "Believe", la canzone che ha venduto di più in tutta la sua carriera, a dimostrarci che non è mai troppo tardi, che nella vita può sempre esserci una seconda occasione (e una terza, e una quarta).
Nel suo tour di addio, vent'anni fa, Cher apriva ogni concerto cantando "I Still Haven't Found What I'm Looking For" (cover degli U2), ossia "Non ho ancora trovato quello che sto cercando". E infatti continuerà a cercare, altro che addio: da allora si è imbarcata in altri due tour e due residency, oltre a registrare nuovi album e recitare in nuovi film. Il brano "You Haven't Seen The Last Of Me", tratto dal musical "Burlesque" (2010), restituisce un perfetto ritratto della sua carriera passata, ma anche del suo presente: «Sono a terra, ma mi rialzerò, non datemi già per finita. Non ci sarà nessuna dissolvenza in chiusura, questa non è la fine».

Scorri le immagini per scoprire di più sulla resurrezione di #Cher, dagli anni '60 ad oggi ➡️

«Questo potrebbe essere l'inizio di una bellissim

«Questo potrebbe essere l'inizio di una bellissima amicizia!».

Circa 30 anni fa si formava una coppia di improbabili alleate, #HarleyQuinn e #PoisonIvy, che da quel momento in poi sarà più volte riproposta, anche come coppia sentimentale. Tutto inizia il 18 gennaio 1993 con "Harley & Ivy", un episodio della prima serie animata di #Batman in cui le due 'cattive' fanno squadra, appropriandosi dei principi base del femminismo per compiere una serie di crimini che sembrano accomunati dall'intento di vendicarsi contro le discriminazioni che le donne subiscono per mano degli uomini. Al netto del suo approccio semplificato e caricaturale (o forse proprio grazie a questo), l'episodio ha il merito di aver fatto luce su alcune questioni importanti all'interno di una serie vista da molti bambini, ma non possiamo negare il potenziale effetto deleterio che scaturisce dall'associare il femminismo all'operato di due "cattive", per cui può esserci il rischio che il pensiero femminista ne esca demonizzato o comunque sminuito, ridicolizzato. Tuttavia, l'episodio sembra accostarsi a "Thelma & Louise" (1991) nel suscitare una certa empatia nei confronti delle due criminali, che infatti è sfociata nel grande amore che il pubblico ancora nutre nei loro confronti. Con il film di Ridley Scott, dopotutto, "Harley & Ivy" ha davvero molto in comune, a partire dal titolo e dal carattere delle due protagoniste, una apparentemente più insicura, fragile e infantile (Thelma/Harley, entrambe vittime di relazioni abusive) e l'altra apparentemente più dominante, sarcastica e sicura di sé (Louise/Ivy), fino alla scena del catcalling che presenta la medesima (esplosiva) risoluzione. Per Thelma & Louise, percorrere la strada del crimine è una scelta disperata e liberatoria, ma non si tratta di una scelta senza conseguenze. È la stessa cosa per Harley & Ivy, che alla fine devono fare i conti con la giustizia: la scelta di farle arrestare da una poliziotta è interessante e potenzialmente ambigua.
Scopri perché nei commenti ⬇️
Scorri le immagini per scoprire di più sull'episodio ➡️

#EderaVelenosa #Arlecchina #BatmanTAS #BatmanTheAnimatedSeries #DCComics #cattiveragazze #femminismo #culturapop

Il 16 gennaio 1998, esattamente 25 anni fa, "#Tita

Il 16 gennaio 1998, esattamente 25 anni fa, "#Titanic" usciva nei cinema italiani. 🚢
Per festeggiare, vi parlo dei punti di contatto fra Rose Dewitt-Bukater e le #principesseDisney. 👑
Per leggere l'analisi completa, clicca sul link in bio!

Per salutare le Feste, vi presento l'articolo che

Per salutare le Feste, vi presento l'articolo che raccoglie tutte le analisi sulle principesse del Revival (2009-2016), con qualche piccola integrazione. Tiana, Rapunzel, Merida, Anna, Elsa e Vaiana raccolgono il testimone dell'annuale tradizione di "Principesse del loro tempo", ma lasciano da parte i riferimenti alla moda per abbracciare integrazioni relative al contesto produttivo e alla ricezione dei loro rispettivi film, oltre a tracciare qualche parallelo con le dinamiche sociali ad essi coeve, che negli anni Dieci passano per forza di cose dal web, dai social e dalla politica, con il passaggio di testimone fra due presidenti che hanno già fatto la storia degli Stati Uniti.
Una nuova era di fiabe Disney (e di relative analisi) prende forma, qui e ora! 👑
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"Oceania" esce a fine 2016, nello stesso mese in c

"Oceania" esce a fine 2016, nello stesso mese in cui Donald Trump viene eletto presidente degli Stati Uniti. Le sue dichiarazioni sessiste non fanno altro che rafforzare il fervente attivismo che si stava riaccendendo online e offline. Appena un mese prima era girato su internet un video privato in cui Trump affermava che, quando sei un uomo importante, ricco e famoso, le donne ti lasciano fare qualunque cosa, puoi perfino "afferrarle per la fica". Questo approccio prevaricatore nei confronti del corpo delle donne non si distanzia troppo dal modo in cui Maui dispone del corpo di Vaiana nel film (la prende, la sposta, la butta in mare): si tratta di uomini a cui tutto è sempre stato concesso, che hanno compiuto delle malefatte e che in qualche modo, pur dovendo pagare qualche scotto, l'hanno sempre fatta franca.
Ebbene, la storia di "Oceania", con Maui che si ritrova a dover chiedere scusa e rimediare ai propri errori passati, si riflette curiosamente nella nascita del movimento #MeToo, che trae le proprie radici dalla rabbia nei confronti di un atteggiamento che caratterizza quegli uomini che abusano del loro potere per ottenere favori sessuali e compiere molestie, facendola sempre franca.
Per ironia della sorte, anche lo stesso John Lasseter, il direttore creativo che aveva dato vita ai film di cui vi ho parlato in questa rubrica, viene allontanato dalla Disney sulla scia di questo movimento, essendo accusato di condotta sessuale inadeguata sul posto di lavoro. L'era Revival finisce insieme a lui, ma il risultato è (si auspica) un ambiente di lavoro più sicuro per tutte/i ai Walt Disney Animation Studios. A prendere le redini è una donna: assistiamo dunque a un passaggio di potere da una figura maschile più anziana a una femminile più giovane, come fra Vaiana e suo padre, ma la fortunata erede, Jennifer Lee, deve ancora dimostrare il suo (eventuale) valore come leader, tanto che gli studios, dopo gli exploit del 2009-2016, sembrano diretti verso un'era più nebulosa.
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"Oceania" esce nel 2016, ponendosi a posteriori co

"Oceania" esce nel 2016, ponendosi a posteriori come l'ultimo Classico dell'epoca Revival, terminata con il graduale abbandono di John Lasseter nell'anno successivo.
Con il Revival, la tradizione del musical fiabesco disneyano è tornata a risplendere dopo che per anni era stata accantonata dagli stessi studios: su questo punto possiamo certamente ricollegarci all'antica pratica della navigazione, abbandonata e "dimenticata" dal popolo di Motunui a causa dei suoi pericoli, e ripresa in mano proprio da Vaiana.
Se Vaiana canta di una linea in cui "il cielo incontra il mare", il film sembra mirare proprio a una linea invisibile fra la tradizione, con il ritorno dei registi Musker & Clements e dell'animatore Eric Goldberg, e la possibilità di aprirsi a nuovi orizzonti, non solo a livello narrativo ed estetico, ma anche musicale, con il primo contributo di Lin-Manuel Miranda su un Classico Disney.
Il musicista, che a 9 anni era rimasto folgorato dalle note di "In fondo al mar", dà vita a brani memorabili proprio in occasione del commiato dei registi de "La Sirenetta", i già citati Musker & Clements: si chiude un cerchio.
Chi guarda con affetto e nostalgia al Classico del 1989 percepirà certamente qualche eco di Ariel nel personaggio di Vaiana, che canta dei suoi sogni di esplorazione con altrettanto ardore in "How far I'll go". Si tratta, tuttavia, di un'eroina che guarda anche al futuro, anticipando la graduale riconnotazione della principessa Disney come "leader" del proprio popolo anche a livello politico-amministrativo, e che qui si imbarca in un viaggio degno del più leggendario degli eroi. L'orizzonte sembrava promettente, ma la Disney Animation degli anni successivi soffrirà dell'acerba dirigenza di Jennifer Lee, riprendendo il tema del viaggio dell'eroina in maniera meno incisiva con "Frozen II" e "Raya e l'ultimo drago". Forse ci vorranno un'altra principessa e un altro viaggio a riportare la Disney ai tempi in cui solcava i mari in tutta la sua gloria. ⛵
Un viaggio è finito, ma un altro viaggio, forse, sta per cominciare. 🌀
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"Frozen" esce nel 2013, proprio quando Tumblr dive

"Frozen" esce nel 2013, proprio quando Tumblr diventa la piattaforma prediletta di nuove, giovanissime femministe. Il fenomeno è talmente diffuso che nasce il termine 'tumblr feminism' per riferirsi all'approccio semplicistico con cui queste ragazze rielaborano i principi base della lotta femminista. Una voce di Urban Dictionary del marzo 2014 (appena qualche mese dopo l'uscita di "Frozen") sostiene ironicamente che "un altro dei sintomi del tumblr feminism è che, quando gli si chiede di spiegare le loro posizioni, le pazienti se ne vanno via infuriate anziché rispondere alla domanda". E ancora: "Dato che crede nel tumblr feminism, è contraria a qualsiasi forma di umiliazione. A meno che, ovviamente, non si tratti di umiliare qualcuno che la pensa diversamente da lei". Ora, non dobbiamo prendere sul serio queste definizioni, ma la percezione esterna di ciò che è stato il fenomeno del tumblr feminism conserva un fondo di verità, come ammesso dalle stesse 'femministe di Tumblr' a quasi dieci anni di distanza. "Essendo teenager, eravamo spesso molto cattive le une con le altre, soprattutto se qualcuna diceva qualcosa che strideva con la nostra visione del mondo in quel momento. In più, sempre essendo teenager, avevamo la capacità di essere incredibilmente egocentriche", scrive Alice Corner su Medium.
Il volto virtuale del tumblr feminism erano ragazzine che si spacciavano per autorità sulla questione, ma che in realtà stavano ancora imparando. Questo discorso ci riporta alla scena in cui Elsa pronuncia la celebre frase, "Non puoi sposare un uomo che conosci appena": è la risposta secca di chi si crede superiore, ma che che finisce per banalizzare questioni complesse (dai tòpoi delle fiabe alla tragica realtà dei matrimoni combinati). Una dimostrazione di superficialità, nonché di insofferenza nei confronti di realtà diverse dalla propria. La storia mette bene in chiaro il fatto che Anna stia sbagliando a fidarsi di Hans, ma la reazione di Elsa accende i riflettori sul suo errore (demonizzando la sua scelta) anziché venirle incontro, cercando di capirla e di farle capire dove sbaglia.

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Con l'uscita di "Frozen" (2013), l'era Revival rag

Con l'uscita di "Frozen" (2013), l'era Revival raggiunge il suo picco massimo a livello di successo, tanto che il Classico Disney in questione diventa il film d'animazione con maggiore incasso nella storia del cinema (per poi essere superato solo dal proprio stesso sequel), oltre a ricevere premi, vendere merchandise a palate e scolpirsi nell'immaginario collettivo dei primi anni Dieci.
Se "Rapunzel" è l'equivalente di ciò che è stata "La Sirenetta" per il Rinascimento Disney, avendo la funzione di riaccendere la fiaccola della speranza in uno studio d'animazione ormai alla deriva, "Frozen" può essere visto come il nuovo "Il Re Leone", ma senza avere la sua stessa solidità artistica e narrativa. Pur riconoscendo le innovazioni apportate da questa fiaba nella rappresentazione femminile disneyana (sebbene la figura di Elsa e il rapporto con Anna siano certamente debitori a "Wicked"), l'impatto pionieristico del film viene decisamente ingigantito da pubblico, critica e industria cinematografica, al netto di evidenti problemi di sceneggiatura e caratterizzazione dei personaggi. E così cominciamo a chiederci se questa nuova magia Disney non sia solo un trucco, un gioco di prestigio ideato per compiacere un pubblico sempre più pigro con cui porsi in modo servile, come Elsa che – nella scena finale del film – riduce i suoi poteri a fonte di intrattenimento per il suo popolo.
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Stasera alle 21:20 su Rai2 c'è "Gli Aristogatti",

Stasera alle 21:20 su Rai2 c'è "Gli Aristogatti", praticamente l'unico Classico Disney rimasto nel palinsesto natalizio della Rai (nel 2021 era da solo, quest'anno c'è stato anche Frozen II), la cui trasmissione il 31 dicembre è ormai (quasi) una certezza da diversi anni. E allora oggi voglio proporvi in replica, ma in una veste grafica nuova, anche la mia analisi su Madame Adelaide Bonfamille, la premurosa e carismatica padrona dei gattini, una donna realizzata che si è goduta (e si gode) la propria vita. 🐱💎
(In collaborazione con David Roberts per l'ultima slide, dedicata alla moda).

«Una principessa non ride a quel modo e non si in

«Una principessa non ride a quel modo e non si ingozza; si sveglia presto, è compassionevole, paziente, cauta, pulita e, soprattutto, una principessa mira alla perfezione».

La descrizione fornita da Elinor, madre di Merida in "Brave" (2012), rappresenta la quintessenza di ciò che la principessa Disney, nella sua conformazione più classica, rappresenta nell'immaginario collettivo. Un ideale a cui Merida sembra opporsi strenuamente, come a voler urlare: "Non sono come le altre principesse!".
Questo elemento del personaggio è stato tuttavia ingigantito e di fatto traviato dalla stampa e dal pubblico a ridosso dell'uscita del film, dipingendo Merida come un 'maschiaccio', nonché l'anti-principessa. Come spiega a Indiewire la co-regista Brenda Chapman, vera ideatrice della storia, Merida è a proprio agio con l'essere una principessa e con l'essere una ragazza, non era mai stata sua intenzione dipingerla come una "donna tosta", in inglese "badass woman" (tanto che si ritrova ad alzare gli occhi al cielo quando l'intervistatrice tira in ballo questo termine). "Merida era una ragazza atletica che aveva aspirazioni diverse dal semplice sposarsi, ma non l'ho mai vista come una principessa guerriera", dichiara Chapman, suggerendo che il pericolo è quello di creare uno stereotipo opposto a quello della damigella in pericolo, ma altrettanto limitante: "È fantastico avere delle supereroine, ma possiamo avere più storie che non si incentrino su quello? Possiamo avere più storie raccontate da una prospettiva femminile, che mostrino alle donne che è ok essere tutto ciò che le donne sono?".
Nonostante Chapman abbia abbandonato il progetto nel 2010 a causa di divergenze con John Lasseter, la sua visione trova in qualche modo riscontro anche nel prodotto finito, in barba a come è stato pubblicizzato. Il lieto fine promuove un rapporto di pacifica convivenza fra diversi tipi di femminilità, con un possibile riferimento al contrasto fra il post-femminismo (con l'enfasi sul matrimonio come fine ultimo di ogni donna) e la nascente Quarta Ondata femminista, a simboleggiare quel passaggio di testimone che stava avendo luogo proprio nel 2012.
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Nel 2012 esce "Brave", la prima fiaba animata prod

Nel 2012 esce "Brave", la prima fiaba animata prodotta dalla Pixar, e l'anno dopo la sua protagonista entra a far parte del franchise delle Principesse Disney.
In uno sketch di "Ralph Spaccainternet" (2018), le altre principesse diranno di non riuscire a capire una parola di ciò che dice perché "è dell'altra casa di produzione", ma dieci anni fa John Lasseter era il direttore creativo sia della Pixar che dei Walt Disney Animation Studios, e con "Brave" estendeva la propria missione di recupero della fiaba a entrambi gli studi d'animazione. Pur pescando a piene mani dall'immaginario disneyano pregresso ("il riflesso di antiche civiltà"?), Merida va per la sua strada, rivelandosi essere da un lato un'eterna outsider e dall'altro un'anomala e inconsapevole pioniera in relazione a quelli che saranno i cambiamenti nelle storie e nella caratterizzazioni delle successive principesse, anticipando "Frozen" su diversi punti.
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Nel 2010 esce "Rapunzel" e le dinamiche di genere

Nel 2010 esce "Rapunzel" e le dinamiche di genere che intercorrono fra la protagonista e il suo comprimario maschile sembrano riflettere il momento in cui, dopo decenni di post-femminismo, ci si rende nuovamente conto che esiste una disparità sociale fra maschi e femmine. Se determinate discriminazioni sono universalmente condannate, certe microagressioni –soprattutto verbali – sono all'ordine del giorno e vengono finalmente messe alla berlina: un celebre esempio è l'atteggiamento paternalistico alla base del mansplaining.
Non è la prima volta che una coppia Disney incarna le dinamiche di genere in atto al tempo della sua uscita: quasi 20 anni prima c'era stato "La Bella e la Bestia", in cui la Bestia, grazie all'intervento di Belle, passa dall'ipermascolinità dell'eroe degli anni '80 alla sensibilità del maschio riformato degli anni '90, come ho scritto nella mia analisi (link in bio). La situazione dipinta da "Rapunzel" risulta però più sottile e potenzialmente problematica. Nel caso della Bestia, il pubblico non aveva dubbi in merito al fatto che i suoi atteggiamenti fossero sbagliati, tanto che le relative scene conservavano perlopiù un tono grave. Nel caso di Flynn Rider non si parla di aggressioni fisiche o verbali evidenti, ma di tanti piccoli gesti con cui sottovaluta, minimizza e ridicolizza la controparte femminile in scene tendenzialmente connotate come comiche. Inoltre, se il pubblico non aveva alcun dubbio in merito al fatto che Belle fosse perlopiù dalla parte del giusto e che costituisse la parte forte della coppia dal punto di vista intellettivo e morale, Rapunzel viene invece ridicolizzata dal film stesso e dal pubblico che ne ride. La relazione fra i due presenta dinamiche che fanno parte della realtà quotidiana di molte ragazze, e che qui vanno in scena in un film che la Disney ha in larga parte pubblicizzato e indirizzato ad un pubblico maschile, che si ritrova a parteggiare per Rider. Il film fa il doppio gioco, caratterizzando l'iniziale spacconeria di Flynn come un atteggiamento "figo", ma evidenziando e premiando la capacità di Rapunzel di reagire, dimostrando che lui sbagliava a sottovalutarla.
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«When will my life begin?». ☀️ Nel 2010 esce

«When will my life begin?». ☀️
Nel 2010 esce "Rapunzel", la storia di una ragazza rimasta chiusa in una torre fino ai suoi 18 anni. Diciotto come gli anni che erano passati dall'uscita di "Aladdin", l'ultima fiaba animata tradizionale prodotta dalla Disney. Dopo tutto questo tempo, una nuova principessa vede finalmente la luce. Una principessa di un tempo e di un regno "molto, molto lontano", in contrasto con la specifica realtà storica e geografica in cui era immersa la precedente Tiana, ma comunque una principessa del proprio tempo, i primi anni Dieci. Qui la principessa nella sua forma più classica, con lunghi capelli biondi, balcone e torre, esce alla scoperta del mondo, incontrando la contemporaneità. Sotto la corazza di un umorismo post-"Shrek", anche la magia della fiaba Disney trova il modo di uscire allo scoperto, dando inizio a una nuova era.
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Dopo l'analisi su Biancaneve, Cenerentola e Aurora

Dopo l'analisi su Biancaneve, Cenerentola e Aurora, uscita due anni fa, e quella su Ariel, Belle e Jasmine, uscita l’anno scorso (link di entrambe nelle storie), debutta oggi la rubrica "Principesse del nostro tempo: 2009-2016" che vi terrà compagnia ogni settimana fino al 6 gennaio, offrendovi uno sguardo sul contesto storico-sociale che ha dato vita ai Classici Disney delle principesse dell'era Revival. 👑✨
Partiamo ovviamente da Tiana, e quindi dal 2009.
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«Ci serve una principessa, chi c'è là?». 👸🏼
“La principessa e il ranocchio" ci presenta Charlotte, l'amica di Tiana, come una piena rappresentazione dello stereotipo della principessa, vista come una ragazzina bionda, iper-femminile e viziata che pensa solo a sposare un principe. In questa storia non solo non riuscirà a sposarlo, ma non riuscirà neanche a diventare una vera principessa, dovendosi accontentare del titolo di Principessa del Martedì Grasso, a cui ironicamente dovrà rinunciare a mezzanotte, proprio come Cenerentola deve rinunciare ad abito e carrozza. E di nuovo "Cenerentola" torna alla mente nella contrapposizione fra lei e la protagonista, con il film che premia la fatica di Tiana a discapito del privilegio di Charlotte. E così la stessa Charlotte si traveste da principessa con capelli raccolti e un abito pomposo e rosa (il trionfo della stereotipo), forse ripescato da alcuni bozzetti scartati dal Classico Disney del 1950, e balla col principe Naveen colpita dai riflettori in inquadrature che ricordano il film in questione, mentre Tiana sceglie di indossare un abito da dama rinascimentale (un simbolo della sua concretezza, più vicina alla realtà storica che all'incanto della fiaba), ma poi si sporca e l’amica le presta un abito nei toni dell'azzurro e dell'argento, proprio come quello di Cenerentola al Ballo (e nel franchise). Tiana impara a credere nella Stella dei desideri, a cui affianca il proprio duro lavoro, e quindi viene premiata, mentre Charlotte ci crede con superficialità, come se la stella potesse darle qualunque cosa senza doversi impegnare in prima persona, e quindi viene ingannata dal suo stesso desiderio, per poi avere una dimostrazione, sul finale, di cosa (e chi) è davvero una principessa Disney.
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Nel dicembre 2009 esce al cinema "La principessa e

Nel dicembre 2009 esce al cinema "La principessa e il ranocchio". Fra le immagini più note del film ce n'è una della protagonista sul balcone, con un abito azzurro, a rappresentare l'epitome della principessa Disney. Eppure, in quella scena Tiana è solo "travestita" da principessa – indossa un vestito preso in prestito dall'amica Charlotte durante una festa in costume. Allo stesso modo, anche il film di cui fa parte è solo "travestito" da Classico del Rinascimento Disney (1989-1999), ma la sua è un'anima in parte rétro, come quella dei Classici dell'Alto e Basso Medioevo (1961-1973; 1977-1988), e in parte spiccatamente contemporanea, riprendendo la tensione fra realtà e immaginario già presente in "Come d'incanto" (2007). È curioso che, nell'intento di lanciare una nuova era di fiabe di successo, la Disney sia ripartita più o meno consapevolmente proprio dalla sua età più buia, appena prima del Rinascimento, con gli animali parlanti in una palude dichiaratamente ispirata a quella di "Bianca e Bernie" (1977). Forse è stato necessario, propedeutico e quasi catartico calarsi nuovamente in quell'abisso per poi ritrovare la luce (di una stella, o di una lucciola). D'altro canto, la speranza è la stessa virtù che ha fatto il successo di Biancaneve e Cenerentola, e che torna utile ora che la Disney ha bisogno che il pubblico, scettico come Tiana, ricominci a credere alle fiabe animate, decretandone il successo. La Disney persevera nel crederci e vuole che il pubblico faccia lo stesso. E allora bisogna iniettare un po' del pragmatismo di questa nuova principessa in quella vecchia formula per far sì che continui a funzionare, dimostrando che i sogni diventano realtà. È la realtà travestita da fiaba o è la fiaba che si traveste da realtà? Oppure è un Classico degli anni '70 travestito da commedia con gli animali in CG degli anni '00?
In ogni caso, il successo sarà modesto, condannando il 2d all'oblio: non sarà Tiana la principessa che salverà la Disney, né quella che salverà l'animazione tradizionale. Ma forse chissà, a farlo sarà un'altra principessa che nel 2023 tornerà a credere in una stella, in un mondo ibrido fra CG e 2d... 🌟
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La scena di "Come d'incanto" in cui Giselle si arr

La scena di "Come d'incanto" in cui Giselle si arrabbia per la prima volta nella sua vita è significativa perché mette in luce un passaggio importante, nella rappresentazione delle principesse Disney. A Biancaneve e Cenerentola era concessa la possibilità di mostrare il proprio disappunto, ma solo in modo bonario, materno e pacato, spesso nei confronti di animali o altri personaggi comici, o parlando fra sé e sé. Sarà solo con i film d'animazione del #RinascimentoDisney (1989-1999) che la rabbia entra di diritto fra il range di emozioni con cui alle principesse Disney è permesso esprimersi, e non solo nei confronti dei cattivi. Tutto inizia dalla ribellione di Ariel ne #LaSirenetta, fortemente connotata dal fatto che si tratti della prima, vera principessa-teenager. L'ibridità dell'adolescenza le concede maggiori libertà, in linea con la caratterizzazione di ragazzine di #ClassiciDisney precedenti come Alice, Wendy e Ailin, a cui è permesso infervorarsi in numerose occasioni.
Dopo Ariel c'è Belle de #LaBellaELaBestia, una figura più adulta la cui rabbia si ricollega soprattutto al rapporto con la Bestia, e quindi a dinamiche di genere in cui la parte femminile "addomestica" quella maschile con diplomazia, ma anche alzando la voce se necessario.
E infine Jasmine di #Aladdin, principessa la cui rabbia è direttamente ricollegabile alla figura della femminista che rifiuta l'atteggiamento docile che le viene imposto in virtù del suo genere. Le femministe vengono accusate di parlare troppo, di urlare troppo, di arrabbiarsi troppo: poco importa se lo fanno per i loro diritti – come Jasmine, che esige il controllo sulla sua vita e sul suo corpo, rifiutandosi di essere sottovalutata, presa in giro e trattata come un "trofeo da vincere".

Arrabbiandosi, le #principesseDisney abbracciano il sentimento che ha animato il movimento femminista fin dai suoi esordi e così facendo compiono il primo passo del viaggio che le porterà a prendere il controllo del proprio destino, rivoluzionando il mondo attorno a loro.

🌸 Link in bio per leggere la mia analisi su Ariel, Belle e Jasmine
🌸 Link nelle storie per leggere la mia analisi su #ComedIncanto

Mantenendo un sapiente equilibrio fra parodia e om

Mantenendo un sapiente equilibrio fra parodia e omaggio, "Come d'incanto" ha riabilitato e riaffermato la figura della principessa Disney in un mondo post-"Shrek", riallacciandosi alle precedenti fiabe Touchstone in live-action ("Splash", "Pretty Woman") e facendo strada alle successive fiabe animate ("La Principessa e il Ranocchio", "Rapunzel", "Frozen").
Per leggere la mia analisi, clicca sul link in bio! ✨ #comedincanto

Oggi si celebrano i 25 anni dall'uscita italiana d

Oggi si celebrano i 25 anni dall'uscita italiana del Classico Disney #Hercules (1997)!
È l'occasione giusta per cominciare a parlare di #Megara, un personaggio complesso e affascinante che tornerà fra queste pagine nel 2023, ma che nel contesto delle analisi di dicembre costituisce l'ideale punto di raccordo fra il Rinascimento Disney e ciò che è venuto dopo. Armata di sarcasmo, Megara restituisce un vivido ritratto del disincanto delle donne americane di fine millennio, quello stesso spirito che sarà incarnato, nelle sue diverse sfumature, dalle quattro protagoniste di #SexAndTheCity, storica serie tv che debutterà proprio l'anno successivo. Come Carrie, Miranda, Samantha e Charlotte, Megara è una donna – la prima, in un Classico Disney! – che ha avuto relazioni e delusioni d'amore in passato. Come loro, Megara sembra avere un'età avanzata rispetto alle tipiche eroine romantiche, e questo si riflette anche nel rapporto con Hercules ("Smamma, ragazzino!"). Meg ci viene di fatto presentata come una donna sessualmente matura, con molta più esperienza di Herc sotto diversi aspetti, tanto che inizialmente si pone in una posizione dominante rispetto a lui. È anche la prima eroina Disney a mostrare pubblicamente di provare un'attrazione fisica per un uomo, esplicitandola attraverso varie battute fulminanti ("Ma quel megafusto lì è vero?"; "E ti hanno dato anche un nome, insieme a tutti quei pettorali?"). Per la prima volta, l'espressione del desiderio sessuale femminile trova spazio in un Classico Disney, con affondi degni di Samantha. Poi, come in "Sex And The City", ci viene mostrato come sarcasmo e disillusione celino il profondo desiderio di credere ancora nell'amore. Un amore come quello delle fiabe – più forte di ogni cosa, e per cui valga la pena sacrificare tutto. Il fatto che le Spice Girls siano state prese in considerazione per interpretare le Muse in "Ti vada o no" regala un'ulteriore nota anni '90 al tutto. La girl band inglese ha raggiunto il picco del successo proprio fra il 1996 e il 1997, con canzoni i cui testi suonavano spesso come confidenze fra amiche, occasioni per parlare (anche) di uomini – in positivo o in negativo, come in "Sex And The City".

Fin dalla sua prima scena, "Shrek" si rivela in tu

Simbolicamente, l'attacco alle Torri Gemelle dell'

Simbolicamente, l'attacco alle Torri Gemelle dell'11 settembre 2001 ha rappresentato il momento in cui gli Stati Uniti hanno perso la propria innocenza, smettendo di credersi invincibili e inattaccabili. Da quel momento, niente sarebbe stato più come prima.
In quello stesso anno, nell'ambito dell'intrattenimento, anche la Disney comincia a veder vacillare le proprie certezze dopo un decennio di assoluto predominio sul fronte del cinema d'animazione occidentale, da "La Sirenetta" (1989) a "Tarzan" (1999). Il pubblico sembra aver perso l'innocenza e l'incanto del decennio precedente per abbracciare la malizia e il disincanto che quell'anno verranno perfettamente incarnati da "Shrek" (2001). Dall'altro lato della barricata c'è però il successo dei film fiabeschi di Barbie che, a partire da "Barbie e lo schiaccianoci" (2001), riescono ad intercettare quel culto delle principesse che in un mondo post-Shrek sembra paradossalmente più forte che mai, anche se relegato al pubblico femminile e al comparto direct-to-video. Dopo la caduta delle Torri Gemelle, "#Shrek" e "#Barbie" costituiscono i due nuovi pilastri in CGI su cui il cinema d'animazione (anche Disney) si ricostruirà da quel momento in poi, reinventando il genere della fiaba animata per riflettere da un lato il bisogno di rassicurazione e dall'altro la disillusione post-9/11.
Sempre nel #2001, la Disney propone una nuova principessa all'interno di un'opera (#Atlantis) che si distacca nettamente dalla tradizione del musical fiabesco per abbracciare il genere action/sci-fi e un tono più dark, disincantato e maturo, ma il successo non sarà dietro l'angolo...
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Nel 1997, di fronte a una Disney desiderosa di avv

Nel 1997, di fronte a una Disney desiderosa di avventurarsi alla scoperta di nuovi lidi, con storie che si allontanavano dalla fiaba per abbracciare ora la storia ("Pocahontas", 1995), ora la letteratura ("Il Gobbo di Notre-Dame", 1996), ora la mitologia ("Hercules", 1997), Don Bluth dimostrò che il pubblico voleva ancora sognare con una giovane orfana che scopre di essere una principessa. A un primo sguardo, Anastasia può sembrare l'imitazione di una #principessaDisney, così come il suo film può sembrare l'imitazione di un Classico del #RinascimentoDisney, ma la vera, regale natura di entrambi si svela presto agli occhi degli spettatori e, quando arriva la scena in cui la nonna la incorona, lo stigma del 'clone Disney' si è già dissolto e Anya, da 'stracciona' di Don Bluth, si rivela per ciò che era fin dal principio, ossia una principessa degna dei più grandi #ClassiciDisney. Ironico, se pensiamo che il film si basa proprio sul percorso di una ragazza che deve dimostrare di essere una principessa, o meglio una granduchessa, la 'vera' Anastasia.

In un momento in cui la Disney, pur portando in sala grandi capolavori, aveva temporaneamente accantonato le principesse, Anastasia arriva a reclamare il proprio posto, collocandosi inconsapevolmente come ultima discendente di una tradizione fiabesca che di lì a poco sarebbe stata completamente spazzata via. "Anastasia" ci ha regalato un ultimo sogno in 2d prima che una mannaia di cinismo in CGI si abbattesse sul cinema d'animazione occidentale. "Quello che era sempre stato, adesso era scomparso per sempre". O meglio, era cambiato per sempre. Ma questa è un'altra storia, che racconteremo a tempo debito.
Oggi celebriamo #Anastasia in occasione dei 25 anni dall'uscita del suo film nei cinema statunitensi. Lo facciamo poco prima che venga dicembre, e si apra una nuova era di analisi sulle principesse Disney. #QuandoVieneDicembre

Clicca sul link in bio per leggere la versione estesa del post, che include qualche considerazione in più sulla carriera di #DonBluth, sulle particolarità e sulle innovazioni portate da “Anastasia", sull'acquisizione del film da parte della Disney e molto altro. 👑 #princicembre

il 14 novembre 1997, esattamente 25 anni fa, si te

il 14 novembre 1997, esattamente 25 anni fa, si teneva a New York City la prima di #Anastasia di #DonBluth. La seconda delle #PrincipesseNonDisney che animerà il nostro novembre non poteva che essere lei. In questo primo post, ricollochiamo il film nel contesto del suo anno d'uscita, mettendo brevemente in luce le possibili intersezioni con le commedie romantiche di Meg Ryan e il Girl Power anni '90.
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Macabra, glaciale e imperturbabile. Quando si parl

Macabra, glaciale e imperturbabile.
Quando si parla di #MercoledìAddams la prima immagine che affiora alla mente dei millennial è l'interpretazione che ne ha dato Christina Ricci nei film del 1991 e del 1993, in cui viene ritratta come una preadolescente cinica, caustica e anticonformista. Il personaggio diventa così un'icona per tutti quei teenager che si sentono diversi e fuori posto nella società. Nel 1991, quando esce il primo dei due film citati, nasce il cantautore Alabaster (@iamalabaster), che oggi pubblica un singolo ispirato proprio a Mercoledì. "Quando avevo la sua età ho cominciato a vestirmi di nero, per me era un po' come uno scudo. Non riuscivo a integrarmi con i miei compagni di classe e i professori spostavano la colpa su di me, dicendo che ero io a isolarmi". Accostarsi a Mercoledì vuol dire appropriarsi ironicamente dei panni di una ragazzina che sceglie davvero di isolarsi dagli altri, ma significa anche affermare la propria diversità, indossarla sul volto come se fosse un fondotinta (pallido come la morte), o un'espressione che agli altri appare indecifrabile. "Mercoledì dà risposte secche e macabre con un'espressione perennemente seria, imperscrutabile. Nessuno capisce fino a che punto stia scherzando". Questa caratteristica è citata ironicamente nel brano ("resting bitch face"), ma il cantante l'associa ad un male più profondo, che lo tocca nel personale: "Mi fa pensare alla depressione, in cui un'apparente imperturbabilità nasconde un forte disagio". È questo il fil rouge - o fil noir, suggerisce ironicamente Alabaster - del suo nuovo progetto musicale: dopo aver omaggiato Sailor Saturn (link in bio), torna ad associare figure femminili al proprio vissuto, prima con "Anna Karenina", uscita ad agosto, e adesso con "Mercoledì", cogliendo l'occasione per parlare con tono ironico, ma anche profondamente serio, di malattia mentale. Il brano è dark-pop, con sonorità ispirate al revival anni '80 e "parla di cose pesanti con un beat energico". Il testo è un flusso di coscienza ricco di citazioni - Sailor Moon, la Regina di Biancaneve, Donatella Rettore. (Continua nel primo commento).

Si avvicina dicembre, il mese del nostro appuntame

Si avvicina dicembre, il mese del nostro appuntamento annuale con le #PrincipesseDisney. L'anno scorso ci siamo lasciati con "Principesse del loro tempo: 1989-1999" (link in bio), ma prima di dare inizio a una nuova era vogliamo fare un passo indietro, prendendo in considerazione coloro che sono rimaste nell'ombra della precedente, ossia le principesse non-Disney degli anni '90, che ci accompagneranno lungo tutto il mese di novembre.
Partiamo dal 1994...

L'incredibile successo del #RinascimentoDisney ha fatto gola a molti studi concorrenti, ansiosi di adottare la stessa formula nella speranza di ottenere gli stessi riscontri. Questo era prevedibile, ma ciò che forse molti non sanno è che i principali "cloni" prodotti nel corso degli anni '90 sono nati dalla mente di chi alla Disney ci aveva lavorato, salvo poi andarsene di sua spontanea volontà o venire accompagnato alla porta. La seconda opzione appare più probabile, per il caso di cui parliamo oggi, ossia "#LIncantesimoDelLago" diretto da Richard Rich.
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Scopri curiosità e approfondimenti su Odette nelle Storie in evidenza!

Grazie a @nick_wilde7 per il consulto in merito alle somiglianze fra i film citati e per l'assistenza nella ricerca delle immagini.

#GiorgiaMeloni è la prima Presidente del Consigli

#GiorgiaMeloni è la prima Presidente del Consiglio in Italia: ad oscurare il valore di quest'avvenimento storico c'è il fatto che la sua vittoria non possa essere vista come la vittoria di tutte le donne, né tantomeno del femminismo. Insistendo per essere chiamata "Il Presidente", la Meloni associa il proprio potere alla mascolinità e al contempo agisce per confinare le altre donne all'interno di binari più tradizionali, mettendo (letteralmente) la famiglia e la natalità prima delle pari opportunità. Sotto questo aspetto ricorda #MargaretThatcher, ma anche la preside (o "il preside"?) di "#Matilda", ossia #AgathaTrinciabue, che – a differenza della Meloni – sembra possedere una più genuina predisposizione verso tratti considerati ‘maschili’ anche al di fuori della sua carica (non c’è niente di intrinsecamente negativo in questo), ma che sbaglia nel momento in cui discrimina le altre donne, in particolare quelle che incarnano tratti convenzionalmente femminili. Queste tre figure, con le dovute differenze, svelano la natura oscura di un potere femminile, ma non femminista.
Per fortuna, il finale del film "#Matilda6Mitica" (1996) offre la soluzione...
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Poi, se vuoi approfondire, clicca sul link in bio

«Da qualche parte, dentro ognuno di noi, c'è il

«Da qualche parte, dentro ognuno di noi, c'è il potere di cambiare il mondo».

Questa citazione di #RoaldDahl, riportata in una delle locandine del film "#Matilda" (1996), trasposizione dell'omonimo romanzo del 1988, ci riporta alla mente un'altra frase, della nota femminista Gloria Steinem: «Il femminismo inizia come qualcosa di molto semplice, come l'istinto di una bambina che dice 'non è giusto' e 'non sei il mio capo' e finisce come una visione del mondo che mette in discussione l'intera gerarchia».

Come nei più celebri romanzi di Dahl, Matilda rappresenta il trionfo dei bambini sulle ingiustizie dei grandi, ma in questa storia c'è anche una sfumatura di genere: ad avere il potere di cambiare il mondo è infatti una bambina.

Ve ne parlo oggi in occasione della Giornata Mondiale delle Bambine e delle Ragazze. Link in Bio! 🎀📚✨

#giornatamondialedellebambine #giornatamondialedellebambineedelleragazze

Nella seconda metà degli anni ’60, il look, il

Nella seconda metà degli anni ’60, il look, il corpo e lo sguardo di #Twiggy raccontano una nuova storia, quella delle teenager moderne. Libere di giocare con il look, distinguendosi dalle proprie madri anche nel corpo, fino a rivendicare il controllo dello sguardo. Il peculiare aspetto di Twiggy l’ha liberata dall’essere una preda sessuale: contrapponendosi all’ideale estetico dominante, la modella ha plasmato un nuovo modo di valutare la bellezza, incentrato su come la ragazza vede sé stessa più che su come il suo aspetto viene giudicato dalla società.

Così, la popolarità di Twiggy ha cambiato per sempre il rapporto tra alta moda e bellezza femminile. Al centro del fenomeno non c’è l’avvenenza della modella, ma la rappresentazione di un modo di essere che diventa il vessillo di una femminilità in continuo movimento. Per la prima volta, la moda ha parlato alle ragazze e delle ragazze, permettendo a queste di esprimersi a loro volta.

Twiggy ha cambiato il modo in cui pensiamo alle modelle, spingendo l’alta moda ad innamorarsi di una teenager della classe operaia che ha avuto la faccia tosta di mostrarsi esattamente per com’era: allampanata, scomposta, buffa, ribelle. Quasi un’aliena.
Ci sarà sempre posto per modelle dall’aspetto elegante e sofisticato, ma Twiggy ha introdotto un’alternativa in cui tante ragazze potevano rivedersi, dimostrando che la moda non è solo apparenza, ma è raccontare qualcosa; non è solo essere guardate, ma guardare il mondo attorno a sé, cominciando a farne parte.

Leggi l'analisi completa di conclusione e nuove integrazioni sul mio sito, link in bio! 🌸

25 anni fa usciva l'album "Butterfly" di #MariahCa

25 anni fa usciva l'album "Butterfly" di #MariahCarey, un vero e proprio inno di liberazione. Fino a quel momento, infatti, la carriera e la vita privata della cantante erano soggette al controllo di Tony Mottola, CEO della Sony Music che la portò al successo diventando poi suo marito. Sul fronte discografico, Mottola le imponeva di mantenere un'immagine da ragazza (bianca) della porta accanto, optando per una musica altrettanto 'safe'. Sul fronte relazionale, la gelosia dell'uomo raggiunse l'ossessione. All'interno della villa di Mottola a NY, Mariah si sentiva come una prigioniera: era sorvegliata 24 ore su 24 dalle guardie assunte dal marito e doveva chiedere il permesso ogni volta che voleva uscire. Mariah ha avuto il coraggio di allontanarsi da quella situazione, chiedendo il divorzio e riacquistando gradualmente il controllo della sua vita e della sua carriera, per poi spiccare il volo con #Butterfly (1997). Emblematico il video del primo singolo, #Honey, che inscena una parodia della situazione di cui era stata vittima. Il video inizia infatti con Mariah nel ruolo di un'agente segreta (M.) ammanettata ad una sedia all'interno della villa di un boss italo-americano che somiglia molto a Mottola. M. riesce a liberarsi, sfuggendo al controllo delle guardie, e si tuffa dall'ultimo piano della villa direttamente nella piscina, per poi spogliarsi in acqua e riemergere in bikini, citando l'iconica scena che introduceva la prima Bond Girl (Honey Ryder) in "Dr No" (1962), e fuggire a bordo di una moto d'acqua, raggiungendo un nuovo amore in un'isola deserta. La metamorfosi di Mariah si riflette in un'immagine più sensuale e disinvolta, oltre che nell'adozione di influenze hip hop (già presenti nell'album precedente), un genere che prima le era precluso in quanto considerato (da Mottola) troppo audace e "black". La separazione dal marito-discografico le ha permesso di riabbracciare le sue radici di donna biracial, sia musicalmente che a livello di immagine. La metafora della farfalla torna nella title track, con un testo incentrato sulla consapevolezza che, se ami davvero qualcuno/a, devi lasciarlo libero/a: «Ho imparato che la bellezza deve fiorire nella luce». 🦋

Arena di Verona, 11 settembre 1982.
Loredana Bertè partecipa alla serata finale del Festivalbar in abito da sposa. Inizia a cantare con un atteggiamento posato e dignitoso, vagamente malinconico. L'unica nota rock è la sua voce graffiante. Poi pian piano sbatte a terra lo strascico, getta via il bouquet, si disfa del velo, corre per il palco in modo scomposto e provocatorio, alzandosi la gonna. Forse per muoversi in libertà, forse per mostrare cosa c'è sotto, forse semplicemente per urlare, non solo con la voce, "Non sono una signora!", sfidando la concezione di come una donna perbene debba comportarsi, specie se indossa un abito da sposa. Per l'audacia dei movimenti e la risolutezza delle espressioni, sembra quasi che stia manifestando, come fosse in testa a un corteo femminista. L'abito da sposa è un simbolo di purezza, di "come vanno fatte le cose", un traguardo a cui le donne perbene dovrebbero aspirare, e di cui dovrebbero conservare il ricordo per tutta la vita. Loredana lo indossa per dissacrarlo, opponendosi a un'immagine idealizzata e imposta. Il suo atteggiamento è un dito medio all'Italia moralista, bigotta, provinciale. Con la sua marcia, Loredana si dichiara contro. Contro una vita già scritta in partenza; contro il matrimonio come traguardo obbligato; contro una quotidianità borghese senza gusto e libertà. Loredana se ne frega di cosa la società vuole che lei faccia, di come vuole che appaia e si comporti. La sua è una dichiarazione d'intenti, una canzone-manifesto che da quel momento l'accompagnerà per tutto il resto della sua carriera. Forse sarà d’ispirazione perfino per Madonna, che il 14 settembre di due anni più tardi indosserà un abito da sposa riprendendo un simile gioco di contrasti fra il titolo della canzone (#LikeAVirgin), l'abito e le movenze sensuali, fra sacro e profano. Santa e peccatrice. Una dicotomia già presente sulla copertina di "Traslocando", sempre del 1982, con una Loredana vestita da suora e truccata da prostituta. Ancora prima c’era stata Raffaella Carrà, suora con giarrettiera in "Ma che sera" (1978) e sulla cover del saggio da me scritto con Caterina Rita (link in bio).

Fra il 1984 e il 1989, la Walt Disney ha prodotto

Fra il 1984 e il 1989, la Walt Disney ha prodotto ben due film sulle #sirene. 🧜🏻‍♀️
Viste le numerose somiglianze fra "Splash" e "La Sirenetta", possiamo chiederci in che relazione sia il primo con il secondo. Di sicuro gli ha fatto da apripista. Forse è stato un modo per testare le acque o forse il suo successo è nato da un'inaspettata combinazione di elementi che si è rivelata vincente. Dopotutto anche il lieto fine non era stato preventivato dagli ideatori: come dichiarato dal regista Ron Howard, sono state le loro mogli e fidanzate a pretendere che i due innamorati stessero insieme, in un modo o nell'altro. Fatto sta che possiamo attribuire a "Splash" il merito di aver riportato la fiaba romantica in casa Disney, ispirando un grande ritorno del genere anche fra i Classici animati. E infatti, archiviato "Taron e la pentola magica" (1985), comincia una lenta salita: "Basil l'investigatopo" (1986), "Oliver & Company" (1988)... e poi arriva un'altra fiaba, con un'altra sirena. Con "La Sirenetta" inizia il Rinascimento Disney e forse il merito è anche di "Splash". 💦
Scorri le immagini per scoprire le somiglianze fra i due film ➡️
Clicca sul link in bio per saperne di più sulla figura della #sirena negli anni '80 ⬆️

Per la consulenza in merito alle somiglianze fra #Splash e #LaSirenetta, si ringraziano @angeloserfilippi (che ha fornito anche gli screencaps) e @vittoriopiorosario, con cui ho visionato #splashunasirenaamanhattan. 🐚

La #sirena è da sempre un potente simbolo di tran

La #sirena è da sempre un potente simbolo di transizione, di passaggio da uno stato all'altro, ma in partenza rappresenta una condizione a metà del guado, non appartenendo pienamente a nessuna delle due identità attraverso cui si muove. Né donna, né pesce. 🧜🏻‍♀️
Negli anni '80, la Walt Disney produce ben due film con protagoniste sirene: "#Splash" (1984) e "#LaSirenetta" (1989). In entrambe le storie, la figura della sirena può essere letta come metafora queer o emblema dell'adolescenza femminile, ma il decennio in questione ci invita ad una terza riflessione. Nell'era dell'edonismo, gli americani diventano più ricchi e conservatori. In risposta all'entrata in massa delle donne sul mercato del lavoro, si genera una tensione opposta, che le spinge nuovamente verso ruoli tradizionali. Cresce la preoccupazione nel riuscire a conciliare lavoro e famiglia, sorge l'esigenza di 'avere tutto'. La figura della sirena, in virtù della sua natura ibrida, incarna perfettamente questa fusione fra tradizione e progresso.
Una terza sirena anni '80, quella dell'aneddoto di Robert Fulghum (1986), si ritrova al centro del discorso di Barbara Bush alle laureande del Wellesley College nel 1990. La presenza della First Lady era stata fortemente criticata da un nutrito gruppo di studentesse, che sostenevano che una personalità nota soprattutto come moglie e madre non avesse nulla a che fare con il futuro professionale a cui il college le aveva preparate. La maggior parte di loro avrebbe voluto Alice Walker al suo posto, ma quest'ultima aveva dato forfait, e Barbara Bush era stata chiamata in quanto seconda opzione più votata. Secondo la psicologa Phyllis Chesler, il fatto che le due oratrici più richieste fossero così diverse fra loro dimostra come ci fosse "una guerra che infuria nei cuori e nelle menti delle donne. Il fatto che così tante studentesse abbiano votato a favore della signora Bush suggerisce che molte donne vogliano ancora vivere nel castello [...] e credere nel Principe Azzurro". Lo testimonia il successo di principesse e fiabe moderne, in animazione o in live action, a cui Madison e Ariel hanno fatto da apripista.
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«Ebbene, dove si mettono le #sirene? Tutte le “

«Ebbene, dove si mettono le #sirene? Tutte le “sirene" - tutte quelle persone che sono diverse, che non si adattano alla norma e che non accettano le etichette e le caselle disponibili? Rispondi a questa domanda e puoi costruire una scuola, una nazione, o un mondo su di essa».

L'aneddoto del pastore unitariano ed ex educatore #RobertFulghum, inserito nel best-seller "All I Really Need to Know I Learned in Kindergarten" ("Tutto quello che mi serve sapere l'ho imparato all'asilo", 1986), ha un potenziale davvero sovversivo, forse ancor più di quanto l'autore potesse immaginare. Si parla di un gioco fra bambini, che devono spartirsi i ruoli fra Nani, Maghi e Giganti, posizionandosi in punti diversi del campo. All'improvviso compare una bambina che chiede: "E le sirene dove si mettono? Io sono una #sirena!".
Nella sua candida assertività possiamo individuare una metafora più 'grande' della bimba stessa: questa semplice domanda mette in luce la necessità di costruire strade alternative e nuovi ruoli, spazi e opportunità per bambine, ragazze e donne in un mondo declinato al maschile. E se il maschile rappresenta la norma, la sirena può diventare un simbolo non solo del femminile, ma di qualunque modo di essere differisca o si opponga allo standard prestabilito. Attraverso gli occhi di una bambina, possiamo immaginare una società in cui ci sia posto per tuttə. 🧜🏻‍♀️

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In "Pronto... Raffaella?", #RaffaellaCarrà appare

In "Pronto... Raffaella?", #RaffaellaCarrà appare molto distante da quella rivoluzionaria che, ombelico all'aria, sfidava la morale cattolica incarnando lo spirito del '68.
Qui è un’anchorwoman quarantenne di successo, che gestisce la casa e gli ospiti con un’eleganza tutta sua, buona per tutti i giorni.
Raffaella è diventata una casalinga? Neanche per idea: è la casalinga che diventerà come lei.
Questa dinamica padrona di casa, felice e libera, senza marito, né figli, rimodella la fisionomia del quotidiano: invece di lavorare in ufficio, lo fa in casa; invece di essere convocata dal capo, convoca lei i ministri e li fa accomodare in salotto. Sembra dichiarare, a chi è inchiodata ai fornelli, che l'evento non è fuori, è dentro!
Trasporta in un luogo, prima desolato, l’elettricità febbrile della donna moderna. L’intensificazione della vita nervosa delle metropoli fa irruzione nelle solitarie mura domestiche, confinando nel dimenticatoio il parlottìo mattutino della vecchia radiofonia, insieme all’odore di varechina e al dibattito di voci lontane, indecifrabili, paternaliste. Le donne ne rimarranno scosse e catturate. Quella è la casa che vogliono, la vita che vogliono, la donna che vogliono essere. Lei, nella sua semplicità, insegna alla provincia profonda, rifluita o abbrutita nel recinto domestico, lo stile della modernità.
Raffaella libera la casalinga dalle catene perchè ne rilegge la sagoma: questa non si percepirà più come prigioniera in un carcere che i familiari, uscendo, si chiudono alle spalle. Ora dallo schermo irrompono i colori, le musiche, le risate e i giochi. Invece di ‘una stanza tutta per sè’, le casalinghe italiane si ritrovano tutta per sé l’intera casa. E, forse, la loro stessa vita. Raffaella insegnerà loro a giocarci dentro.

Estratto da Caterina Rita, Leone Locatelli, "Raffaella Carrà. Liberazione Sessuale e Beatificazione Popolare", Delos Digital, 2022.

🌸 Scopri di più sul nuovo saggio della mia collana per @delos.digital: link in bio!
🌸 Sintonizzati su @raistoria (canale 54 del digitale terrestre, 23 di Tivùsat, 805 di Sky o in diretta su RaiPlay) per vedere la prima puntata di #ProntoRaffaella, stasera alle 19.35.

Dallo scintillante varietà serale alla vivace rou

Dallo scintillante varietà serale alla vivace routine del mezzogiorno, dagli anni della rivoluzione sessuale a quelli del Riflusso, Raffaella è stata donna, moglie, amica e amante del pubblico, ma anche capitana d'industria, neo-Madonna catodica, icona gay: la più amata dagli italiani.

È appena uscito il mio nuovo saggio con Caterina Rita, storica collaboratrice di #RaffaellaCarrà, programmista regista per la Rai e oggi studiosa del fenomeno-Carrà.
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La modernità di Audrey Hepburn in 5 punti ✂️

La modernità di Audrey Hepburn in 5 punti ✂️

In "Vacanze romane" (1953), la scena del taglio dei capelli è fondamentale: la principessa Anna si lascia alla spalle l'ideale femminile imposto dal protocollo reale per tuffarsi nella modernità dei giovani degli anni '50, ansiosi di abbracciare la propria individualità in contrasto con la generazione dei propri genitori. Si può leggere come una metafora dell'ascesa della sua interprete, #AudreyHepburn, che debutta nel mondo del cinema proprio con questo film, sconvolgendo l'ideale di bellezza della Hollywood dell’epoca con il suo viso irregolare, il suo corpo gracile e slanciato, il suo fascino androgino e fanciullesco, e la sua eleganza semplice e minimal che "democratizza" l'alta moda alternando capi di haute couture ad altri più casual-chic, come pantaloni a pinocchietto e scarpe basse, che privilegiano la praticità promuovendo una maggiore libertà di movimento per le giovani donne. Il suo aspetto infantile e innocente aderisce all'ideale della 'gamine' (associabile alla vivacità di un monello di strada), permettendole di divergere dalla femminilità tradizionale risultando meno intimidatoria rispetto ad attrici più aggressivamente androgine, come Katherine Hepburn o Marlene Dietrich.
Nonostante oggi venga dipinta come un'icona di bellezza ed eleganza quasi irraggiungibile, all'epoca Audrey Hepburn costituiva un modello più accessibile e più vicino alla realtà delle ragazzine e delle donne comuni rispetto a buona parte delle 'dive' precedenti e contemporanee. Secondo i canoni del tempo, Audrey non era considerata sensuale né oggettivamente attraente e per questo motivo, come scrive Rachel Moseley (2000), la sua immagine sembra essere costruita per un pubblico (e uno sguardo) femminile più che maschile. Scorri le immagini per saperne di più 👉🏻

«Hai un naso molto da ebrea, che sta diventando m

«Hai un naso molto da ebrea, che sta diventando molto di moda».
Lo dice un'agente cinematografica ad Alana Kane in #LicoricePizza (2021), ambientato nel 1973.

Abbiamo già visto come i tratti fisionomici stereotipicamente ricondotti agli ebrei siano stati oggetto di caricature che sfociavano nell'antisemitismo (vedi la Strega de 'Il mago di Oz': link in bio). Adesso vogliamo parlare di come la concezione della bellezza ebraica nel cinema sia cambiata, a cavallo fra gli anni '60 e '70, grazie all'enorme successo di #BarbraStreisand.
Come Fanny Brice, da lei interpretata in 'Funny Girl' (1968), Barbra era un pesce fuor d'acqua nel mondo dell'intrattenimento: per usare le parole del suo personaggio, era come "un bagel [specialità culinaria ebraica, ndr] in un piatto pieno di anelli di cipolla". All'epoca, l'aspetto dell'attrice era considerato "provocatoriamente etnico”, come scrive Camille Paglia, e decisamente anticonvenzionale nel contesto hollywoodiano. Come Fanny, determinata a far sì che il pubblico ridesse 'con lei' e non 'di lei', Barbra abbracciava la propria diversità con orgoglio, consapevolezza e ironia. A partire dal tanto chiacchierato naso, che si è sempre rifiutata di modificare chirurgicamente, Barbra non ha mai represso la sua identità jewish.
Sul grande schermo, la sua alterità si rifletteva anche nell'atteggiamento: le ragazze che interpretava erano esuberanti, schiette, impertinenti. Letty Cottin Pogrebin scrive che queste caratteristiche erano associabili a uno stereotipo etnico (Jewish Big Mouth), ma venivano connotate positivamente in linea con la controcultura e il femminismo degli anni '60 e '70, in un contesto che incoraggiava le donne a essere sicure di sé, a esprimersi senza peli sulla lingua. Come Alana (che ribadice più volte di essere ebrea), Barbra affermava il proprio modo di essere senza chiedere scusa a nessuno: sfidando ogni convenzione estetica e di genere, l'attrice è diventata un'icona non solo per la comunità ebraica, ma per chiunque si senta diversə. Quando le hanno chiesto come mai fosse così amata dagli uomini gay, lei ha risposto: «Perché ero diversa... e ce l'ho fatta comunque». - 𝑇𝑜 𝑏𝑒 𝑐𝑜𝑛𝑡𝑖𝑛𝑢𝑒𝑑

Zᴇɪᴛɢᴇɪsᴛ ɪɴ ᴘʟᴀsᴛɪᴄᴀ In

Zᴇɪᴛɢᴇɪsᴛ ɪɴ ᴘʟᴀsᴛɪᴄᴀ

Incarnando lo spirito dei tempi da oltre 60 anni, Barbie è diventata il vessillo di una condizione femminile in continuo movimento. Partiamo per un viaggio nel tempo attraverso i 20 modelli più significativi della bambola, prodotti fra il 1959 e il 2000, per poi fare qualche considerazione sugli ultimi 20 anni di Barbie (2001-2021). Link in bio!

#barbie #bambola #anni50 #anni60 #anni70 #anni80 #anni90 #anni00 #anni10 #culturapop #femminismo #femminismi

«Benvenuti nell’era dell’anti-innocenza! Nes

«Benvenuti nell’era dell’anti-innocenza!
Nessuno fa colazione da Tiffany e nessuno ha storie da ricordare».

Con questa battuta di Carrie Bradshaw iniziava "Sex And The City" (1998-2004), la serie televisiva che ha ridefinito l’immagine della donna poco più che trentenne, single e sessualmente libera, nella New York a cavallo fra vecchio e nuovo millennio.
Oltre 30 anni prima, nella stessa città, un’altra donna single e sessualmente libera, interpretata da un’attrice poco più che trentenne, aveva incantato il mondo intero: parliamo di Holly Golightly in "Colazione da Tiffany" (1961).

Nonostante "Sex And The City" voglia porsi, fin dal primo istante, in contrapposizione con "Colazione da Tiffany", i punti di contatto sono diversi.
Entrambe le opere si configurano come fiabe moderne in cui aspettative progressiste vengono apparentemente “tradite” da un finale romantico: partendo da questa correlazione, mi è venuto spontaneo definire quella di Holly come una fiaba post-femminista, anche se di fatto il film precede i movimenti degli anni '70 a cui il post-femminismo si contrappone. Ed è da qui che si è sviluppata l’intera l’analisi, che calerà “Colazione da Tiffany” non solo nel contesto post-femminista, ma anche in quello della Prima e della Seconda Ondata, senza dimenticare il periodo in cui il film è uscito.
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In che modo la figura della Malvagia Strega dell'O

In che modo la figura della Malvagia Strega dell'Ovest de "Il mago di Oz" (1939) può essere interpretata come uno stereotipo antisemita e antifemminista, ricollegandosi sia alle rappresentazioni negative degli ebrei, sia a quelle delle suffragette?
E in che modo il musical "Wicked" si è riappropriato di quest'immagine per riconnotarla in positivo? Scoprilo nel mio nuovo articolo: link in bio e nelle storie!

Le connotazioni negative legate al colore rosa son

Le connotazioni negative legate al colore rosa sono ancora oggi molto forti. Sicuramente avrete sentito del rifiuto delle Forze dell'Ordine di indossare una mascherina di questo colore, considerato frivolo e appariscente. Ebbene, questo discorso non può prescindere dal fatto che per decenni il rosa è stato associato alla femminilità e a tutte le connotazioni negative ad essa associate. In uno degli articoli del mio sito ho ripercorso la storia di questa correlazione (che non ha radici millenarie, tutt'altro!), evidenziando la necessità di riappropriarsi di questo colore per riabilitare la femminilità egemonica (e stabilire una volta per tutte che i colori non hanno genere). Link in bio! 🌸

Il Rinascimento Disney sancisce il passaggio dalla

Il Rinascimento Disney sancisce il passaggio dalla I Wish Song alla I Want Song: queste principesse non hanno più solo desideri, ma volontà. Hanno il coraggio di dire "voglio qualcosa in più". Queste principesse rivendicano il diritto di provare curiosità, di partire all'avventura, di arrabbiarsi, di disubbidire e anche di sbagliare.
Seguendo la propria strada, le principesse del Rinascimento riescono a cambiare il mondo attorno a loro, abbattendo barriere di natura razzista, specista, classista, sessista.
Leggi l'analisi completa: link in bio!

𝕾𝖆𝖈𝖗𝖔 ✙ 𝕻𝖗𝖔𝖋𝖆𝖓𝖔 (1)

L'archetipo della Fata Madrina - e dunque il personaggio della Fata Turchina di Pinocchio - si ricollega perfettamente ad altre due figure la cui maternità costituisce oggetto di venerazione: da un lato abbiamo la Vergine Maria della religione cattolica, dall'altro la Dea Madre dei culti naturali. La prima è madre di una divinità, la seconda è una divinità in quanto madre dell'umanità. Il potere della creazione le accomuna alla Fata Azzurra del Classico Disney, che concede a Pinocchio il dono della vita ("the gift of life is thine", "la vita io t'ho donato") e lo conduce verso la salvezza.
Curiosamente, l'azzurro delle vesti di Maria è lo stesso colore che caratterizza non solo l'abbigliamento della Fata Azzurra, ma anche quello della Fata Smemorina di "Cenerentola", di Serenella de "La bella addormentata" e perfino di Elsa alla fine del primo "Frozen". In effetti, si può dire che l'azzurro sia, in generale, il colore della magia positiva nei Classici Disney (vedi anche Mago Merlino e il Genio di Aladdin).
E se, con un po' di fantasia, possiamo associare la veste della Fata Azzurra di Pinocchio a quella delle apparizioni di Maria a Lourdes, non possiamo negare l'ispirazione alla vestaglia di Jean Harlow in "Proprietà riservata", che le dona un'aura eterea e sensuale in pieno stile Art Nouveau. Ed ecco che, in questo triplice parallelismo, troviamo ancora una volta il sacro e il profano.
A chiudere il cerchio c'è la corona di fiori che appare sul capo della Fata Turchina nella prima edizione illustrata del romanzo e in alcune delle sue trasposizioni filmiche, che rimanda direttamente alle Dee dei culti naturali.
Leggi l'analisi sulla Fata Turchina, a cura di Angelo Serfilippi: link in bio!

Nomen omen. Il nome di Mirabel di "Encanto" non de

Nomen omen.
Il nome di Mirabel di "Encanto" non deriva solo dal verbo spagnolo "mirar" ("guardare"), che fa riferimento al fatto che lei riesca a 'vedere' le cose in modo diverso rispetto al resto della sua famiglia, ma anche dall'aggettivo latino "mirabilis", che svela l'incredibile commistione fra ordinarietà e straordinarietà che caratterizza il personaggio.
Leggi l'analisi: link in bio!

#maribelmadrigal #encantodisney

La fine di tutto è l'inizio di tutto. 🦋 Nel se

La fine di tutto è l'inizio di tutto. 🦋
Nel secondo saggio della mia collana per Delos Digital, io e Angelo Serfilippi abbiamo analizzato le figure magiche femminili nell'animazione Disney, da Persefone del corto "La dea della primavera" (1934) ad Elsa di "Frozen II" (2019). Alla fine del saggio è presente un "glossario" di tutte le Dee, le fate e le streghe dei Classici Disney, a dimostrare come l'inizio e la fine siano indissolubilmente legate da un filo rosso che attraversa 80 anni d'animazione e di storia americana.
Scopri di più: link in bio!

Ricollochiamo le principesse del Rinascimento Disn

Ricollochiamo le principesse del Rinascimento Disney negli anni d’uscita dei rispettivi film, con riferimenti alla società e alla moda del loro tempo. 👑✨
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1985: 𝑖𝑙 𝑐𝑢𝑟𝑖𝑜𝑠𝑜 𝑐𝑎𝑠𝑜 𝑑𝑖 𝐸𝑖𝑙𝑜𝑛𝑤𝑦

Il nostro viaggio attraverso i trent'anni che separano "La bella addormentata" da "La Sirenetta" è quasi terminato, ma non possiamo dimenticarci che, a pochi anni dal debutto di Ariel, è nata un'altra principessa, figlia di un Classico minore. Parliamo di Einlowy (Ailin) di "Taron e la pentola magica" (1985), il lungometraggio animato che ha accompagnato l'ora più buia della Disney. Un film "maledetto", un colossale flop di pubblico e critica che la major ha tentato a lungo di lasciarsi alle spalle.

Non sorprende, quindi, il fatto che il personaggio in questione non faccia parte del franchise delle Principesse Disney. A parte l'insuccesso commerciale, c'è un elemento fondamentale che separa Eilonwy dalle principesse presenti e passate: il fatto che abbia 12 anni e che la sua età risulti determinante per la sua caratterizzazione. Infatti, sebbene Biancaneve abbia ufficiosamente solo un anno in più (anche se nel film non viene mai menzionata la sua età), quest'ultima viene caratterizzata a tutti gli effetti come una piccola donna. E se Aurora ci aveva presentato per la prima volta la figura della teenager, il personaggio di Eilonwy si pone di fatto come una pre-adolescente.
In virtù della sua età, la caratterizzazione di Eilonwy l'allontana dalle altre figure femminili dei Classici pre-rinascimentali degli anni '80, ossia l'anziana vedova di "Red e Toby" (1981) e le piccole Olivia di "Basil l'investigatopo" (1986) e Jenny di "Oliver & Company" (1988), ricollegandola a una delle sue precorritrici, la Wendy di "Peter Pan" (1953). Consideriamo che, come scrive Amy Davis, alle bambine dei Classici Disney usciti fino a quel punto era concessa molta più libertà di parola e d'azione rispetto alle teenager e alle adulte, in particolar modo alle principesse. (Leggi la continuazione nei primi 3 commenti!).
#principessedisney #taronelapentolamagica

𝑃𝑟𝑖𝑛𝑐𝑖𝑝𝑒𝑠𝑠𝑒 𝑑𝑒𝑙 𝑙𝑜𝑟𝑜 𝑡𝑒𝑚𝑝𝑜: gli anni '70 (parte 3 di 3)

1977: esce "Le avventure di Bianca e Bernie".
Attraverso la co-protagonista del film, la Disney introduce la figura della "donna in carriera", indipendente e sicura di sé, ma la rappresenta nelle sembianze della topolina antropomorfa Bianca: il modello femminile in questione viene quindi “ridimensionato” dalle fattezze non propriamente umane del personaggio. Insomma, qui abbiamo valori progressisti che vengono smussati dalla forma animale tanto quanto, nel 1973, valori più conservatori erano stati incarnati dalle sembianze volpine della Lady Marian di "Robin Hood".

Ai fini della nostra analisi, appare emblematico il contrasto fra Bianca e la sua controparte maschile (Bernie): l’insicurezza, la goffaggine e la pavidità di quest’ultimo sono ancora più evidenti in confronto alla disinvoltura, all'intraprendenza e allo spirito avventuroso della prima, molto più "sveglia" del collega, e sempre all'altezza della situazione. Possiamo notare come una dinamica simile si ripresenti anche nella coppia formata dai due cattivi, Madame Medusa e il suo sottoposto (Snoops): anche qui, l'intraprendenza della donna si scontra con l'inettitudine dell'uomo, ma naturalmente non si tratta, in questo caso, di una relazione "sana".

Rispetto ai tempi di "Bewitched" (1964-1972), rappresentare una coppia in cui la parte femminile risultava essere più "capace" di quella maschile cominciava ad apparire non più come un atto sovversivo, ma come la naturale conseguenza di un decennio in cui il movimento femminista aveva raggiunto una notevole rilevanza socio-politica negli Stati Uniti. Anche il capo della Società Internazionale di Salvataggio per cui Bianca lavora riconosce che "non è più come ai vecchi tempi, in cui il mondo era degli uomini", aggiungendo che "c'è una prima volta per tutto", ma non risulta propenso ad accettare che la topolina vada in missione da sola. Così, la invita a trovarsi un compagno di viaggio (maschio, ovviamente) e lei disattende nuovamente ai suoi preconcetti (in fatto di classe sociale, questa volta) scegliendo Bernie, usciere e addetto alle pulizie. (continua nei commenti 1 e 2)

𝑃𝑟𝑖𝑛𝑐𝑖𝑝𝑒𝑠𝑠𝑒 𝑑𝑒𝑙 𝑙𝑜𝑟𝑜 𝑡𝑒𝑚𝑝𝑜: gli anni '70 (parte 2 di 3)

1973: esce “Robin Hood”.
La figura su cui vogliamo concentrarci è Lady Cocca, dama di compagnia di Lady Marian. In lei ritroviamo caratteri fortemente legati all’accudimento e quindi tratti stereotipici femminili (il lavoro a maglia, il fatto di intenerirsi di fronte ai bambini, il suo spirito romantico), che vengono coniugati ad altri maschili. Quando scoppia il marasma al torneo indetto dal principe Giovanni, Cocca invita Marian a farsi da parte (“Scappa, fanciullina! Questo non è posto per una signora!”), mentre lei si tuffa nella mischia, in una delle scene più divertenti dell’animazione disneyana, che culmina con un’azione degna di una fuoriclasse del football, sport che negli USA è considerato essere tempio della più spiccata virilità. Cocca è esuberante, turbolenta, sfacciata e senza peli sulla lingua: non si fa problemi a prendere in giro il principe Giovanni e a rispondere a tono a lui e ai suoi scagnozzi. Cocca è scatenata, sempre attiva e in movimento; sempre pronta a scherzare, giocare con i più piccoli (interpretando un ruolo maschile, quello del principe Giovanni), ballare, fare sport (la vediamo giocare a badmington con Lady Marian, sebbene si tratti di un'attività sportiva considerata "femminile") e addirittura partecipare a una rissa. Si tratta di un personaggio decisamente fuori dagli schemi, che potremmo associare ad una nota politica e femminista dell'epoca, Bella Abzug, donna robusta, tosta, materna e simpatica soprannominata "Battling Bella", "Madre Coraggio" o "Uragano Bella".

(Continua nel primo commento)

𝑃𝑟𝑖𝑛𝑐𝑖𝑝𝑒𝑠𝑠𝑒 𝑑𝑒𝑙 𝑙𝑜𝑟𝑜 𝑡𝑒𝑚𝑝𝑜: gli anni '70 (parte 1 di 3)

1970: esce “Gli Aristogatti”.
La padrona dei gatti che danno il titolo al Classico è Madame Adelaide, un’anziana e ricchissima cantante d’opera ormai in pensione. Si tratta di un personaggio più rivoluzionario di quanto siamo abituati a pensare: fino a quel momento, le uniche donne che vivevano senza un uomo affianco, nei Classici Disney, erano le fate e le streghe, che potevano più facilmente incarnare uno stile di vita considerato deviante, o più in generale le "cattive", come Crudelia Demon. Madame Adelaide è una donna completamente indipendente a livello economico: siamo portati a pensare che la sua agiatezza derivi esclusivamente dai suoi guadagni, considerato che non viene mai nominato un marito da cui avrebbe potuto ereditare casa e soldi. Oltre a questo, Madame Adelaide ci tiene al proprio aspetto: la vediamo specchiarsi e “farsi bella” prima della visita del suo avvocato Georges. In precedenza, un simile comportamento sarebbe stato associabile a “cattive” come la Regina di Biancaneve, simbolo di una vanità che le connotava in negativo, in contrasto con l’animo puro della principessa, inconsapevole della propria bellezza naturale, che non necessita di trucco e parrucco. Alla luce di questo, l’aspetto di Adelaide sembra porsi come una via di mezzo fra il design della principessa allora più recente (Aurora) e quello della “cattiva” più terrena (la matrigna di Cenerentola).
Inoltre, Madame Adelaide accoglie con civetteria le lusinghe di Georges e si lascia andare ad un vivace tango: parlare di flirt sarebbe esagerato (“siamo due vecchi sciocchi sentimentali”), ma il suo giocoso temperamento e la menzione a notti di ballo e fiumi di champagne ci lasciano immaginare i trascorsi di una donna che in passato ha avuto un’intensa vita sociale e, possibilmente, diverse esperienze sentimentali (e/o di natura sessuale) con uomini, senza mai sentirsi obbligata a sposarsi. (continua nel primo commento)

Negli anni ’70, come scrive Amy Davis, l’emanc

Negli anni ’70, come scrive Amy Davis, l’emancipazione femminile non si riflette particolarmente nel cinema hollywoodiano.
Anche la cinematografia disneyana ne fa i conti in modo indiretto, con tre personaggi che incarnano valori progressisti e conservatori allo stesso tempo. La natura potenzialmente sovversiva di queste figure viene mitigata da tratti stereotipicamente femminili, dalla loro funzione comica o dal loro aspetto animale, come vedremo nei prossimi tre post, arricchiti dalle note di David Roberts, professore di History Of Modern Fashion presso il Marist College di Poughkeepsie, New York, e già consulente per "Principesse del loro tempo: 1937-1959".

𝑅𝑖𝑠𝑣𝑒𝑔𝑙𝑖𝑎𝑛𝑑𝑜 𝑙𝑎 𝐵𝑒𝑙𝑙𝑎 𝐴𝑑𝑑𝑜𝑟𝑚𝑒𝑛𝑡𝑎𝑡𝑎 (parte 3)

Facendo un passo indietro, notiamo come "La Carica dei 101" (1961) presenti una contrapposizione fra Anita e Crudelia De Mon che rimanda alla classica dicotomia fra la giovane e candida principessa e la solitaria, vanitosa ed emancipata "cattiva", inaugurata dal contrasto fra Biancaneve e la Regina Cattiva. Tuttavia, qui abbiamo da un lato una donna adulta e sposata, una persona come tante che non ottiene alcun titolo nobiliare (vive in una "piccola, orribile casa" che ai suoi occhi costituisce, come afferma beffarda Crudelia, "un castello incantato") e non è neanche il personaggio principale, e dall'altro un'antagonista che non è letteralmente una strega o una matrigna (anche se ne conserva i tratti fondamentali), e che non si scaglia direttamente contro l'eroina, ma contro i suoi cani, veri protagonisti della vicenda. Abbiamo poi "La spada nella roccia" (1963), che debutta nell'anno in cui Betty Friedan pubblica il suo "La mistica della femminilità", dando via alla Seconda Ondata: qui abbiamo Maga Magò, un'antagonista magica che risulta meno demonizzata rispetto alle precedenti (Regina Cattiva, Malefica). Da un lato si può dire che il suo potere venga sminuito dal fatto di essere "ridotta" a personaggio comico, dall'altro la sua caratterizzazione potrebbe farsi testimone di una visione meno ostracizzante della "strega" (vista come metafora della femminista), anche se Magò viene comunque sconfitta (ma non uccisa) da Merlino.
Nel 1967, alle porte della rivoluzione sessuale, esce "Il libro della giungla" che non include nessun personaggio femminile nel cast principale (la piccola Shanti non conterebbe comunque, ai fini della nostra analisi) e, quando arriviamo a "Gli Aristogatti", siamo già nel 1970. La prossima settimana ripartiremo proprio da qui, per scoprire sotto quali vesti la Disney ha incarnato i nuovi valori degli anni '70 attraverso tre personaggi femminili peculiari, conservando i vecchi per una principessa-volpe.

𝑅𝑖𝑠𝑣𝑒𝑔𝑙𝑖𝑎𝑛𝑑𝑜 𝑙𝑎 𝐵𝑒𝑙𝑙𝑎 𝐴𝑑𝑑𝑜𝑟𝑚𝑒𝑛𝑡𝑎𝑡𝑎 (parte 2)

Gli anni '60 e '70 sono stati campo di numerosi mutamenti sociali, fra cui il sorgere della Seconda Ondata Femminista, che ha scombussolato i ruoli di genere, accompagnando le donne verso un'indipendenza emotiva ed economica.
Alla luce di questo, risulta indicativo il fatto che la Disney non abbia introdotto nessuna nuova principessa negli anni '60 e '70. Da parte degli studios c'era sicuramente la volontà di allontanarsi dall'ambito fiabesco. A fronte dei risultati insoddisfacenti de "La bella addormentata" e dall'incoraggiante exploit de "La carica dei 101", la Disney comincia a puntare su storie più leggere e quotidiane (e su produzioni meno costose), spesso con protagonisti animali. Notiamo come, in questi due decenni, la company abbia evitato di presentare personaggi femminili umani che potessero anche solo vagamente aderire all'archetipo della principessa. Nei Classici prodotti dall'inizio della Seconda Ondata (1963) alla fine degli anni '70 non viene rappresentata nessuna giovane donna (principessa e non), neanche quando il focus è su personaggi umani e l'ambientazione lo permetterebbe, come ne "La spada nella roccia". Insomma, i film d'animazione della Disney di quel periodo escludono dalla propria narrazione le ragazze "in età da marito", forse pensando che i vecchi modelli femminili sarebbero risultati obsoleti e quelli nuovi ancora troppo dirompenti per un prodotto disneyano.

𝑅𝑖𝑠𝑣𝑒𝑔𝑙𝑖𝑎𝑛𝑑𝑜 𝑙𝑎 𝐵𝑒𝑙𝑙𝑎 𝐴𝑑𝑑𝑜𝑟𝑚𝑒𝑛𝑡𝑎𝑡𝑎 (parte 1)

Nel dicembre dell'anno scorso ho pubblicato un'analisi che ricollocava le prime tre principesse Disney nell'anno d'uscita dei loro rispettivi film, con riferimenti al contesto sociale e alla moda del loro tempo (link in bio).
Alla fine di questo mese pubblicherò la seconda parte dell'analisi, prendendo in considerazione il Rinascimento Disney (1989-1999), epoca che risveglia un archetipo (e uno studio d'animazione) che dormiva da decenni, ma prima voglio raccontarvi, con una serie di post, cos'è successo fra Aurora e Ariel. Nei trent'anni che separano "La bella addormentata" da "La Sirenetta", l'animazione Disney stava andando incontro al suo tramonto, mentre la società occidentale scorgeva una nuova aurora che avrebbe permesso alla casalinga dei sobborghi di uscire dal buio della propria condizione domestica per molto più di una notte al Ballo. La Bella Addormentata cascava in un sonno profondo proprio quando la donna americana apriva finalmente i suoi occhi.

Una, nessuna e centomila. Una e trina. Angelo Serf

Una, nessuna e centomila. Una e trina.
Angelo Serfilippi analizza la figura della Fata Turchina di Pinocchio in tutte le sue sfumature. Un viaggio fra letteratura e cinema, fiaba e storia, sacro e profano. Link in bio!

𝕾𝖆𝖈𝖗𝖔 ✙ 𝕻𝖗𝖔𝖋𝖆𝖓𝖔

In occasione della Festa dell'Immacolata, voglio introdurre una tematica che caratterizzerà diversi dei miei post, articoli e saggi in questi mesi. Cosa è sacro e cosa è profano? Dove finisce l'uno e dove inizia l'altro? In quale modo questi due concetti si contrappongono e in quale modo si incontrano, nella rappresentazione femminile?
Ne discuteremo insieme.

Come ogni anno, voglio dedicare il periodo delle F

Come ogni anno, voglio dedicare il periodo delle Feste ai personaggi Disney.
A fine mese arriverà uno degli articoli più attesi, ma oggi ricorre il 120° compleanno di Walt Disney, quindi perché non festeggiare facendo un ripassino di tutto ciò che ho pubblicato finora a tema Disney? 🌟
Articoli, analisi, un'intervista e un saggio: trovate tutto nel link in bio!

In che modo la caratterizzazione della protagonist

In che modo la caratterizzazione della protagonista di "Encanto", si pone in relazione con le sue sorelle (e con le precedenti eroine Disney)?
Mirabel rappresenta il "giusto mezzo", un'aurea mediocritas fra ordinarietà e straordinarietà. Ecco le mie riflessioni: link in bio!

#disney #disneyita #encanto #mirabel #mirabelencanto #encantomirabel #principessedisney #principessadisney #isabela #luisa #eroinadisney #disneyheroine #disneyitalia #classicidisney #classicodisney #aureamediocritas #mediocrità

Il recente moto di nostalgia per gli anni 2000 ci

Il recente moto di nostalgia per gli anni 2000 ci obbliga a fare i conti con il sessismo che ha pervaso la cultura pop di quel decennio, mietendo vittime fra giovani donne come Paris Hilton e Britney Spears.
Ne parliamo prendendo in analisi il film "Una donna promettente" (2020), link in bio! 🌸

#parishilton #britneyspears #promisingyoungwoman #unadonnapromettente #anni2000 #2000s #anni00 #y2k #mcbling #2007 #britney #freebritney

Oggi compie trent'anni la storia di una giovane do

Oggi compie trent'anni la storia di una giovane donna che si ritrova in un'ambiente a lei ostile, ma che alla fine riesce a cavarsela con determinazione e un pizzico di diplomazia. Vi ricorda qualcuno?
Sì, è la storia di Belle de "La Bella e la Bestia", ma è anche la storia della sua creatrice, Linda Woolverton.
Una storia che ho deciso di raccontarvi in collaborazione con Carmen Crisafulli (Koogai.) 🥀
Link in bio!

Da oltre 50 anni, la bambola più venduta in Giapp

Da oltre 50 anni, la bambola più venduta in Giappone è Licca-chan, mentre Barbie, la più famosa fashion doll al mondo, non ha mai davvero sfondato nel Paese del Sol Levante.
In cosa queste due bambole sono diverse e perché Licca è riuscita dove Barbie ha fallito?
Ne parlo nel mio ultimo articolo, che ha visto il prezioso contributo di Aurora Canepari, direttrice del Museo d'Arte Orientale Chiossone di Genova, e della professoressa e ricercatrice Anna Specchio.
Link in bio!

Per la copertina e le immagini interne del secondo

Per la copertina e le immagini interne del secondo saggio della mia collana mi sono affidato a Massimiliano Modica (@massy_coleman_talbot), autore di "Princesses In Art", serie di illustrazioni che reimmaginano le principesse Disney all'interno di quadri famosi (ne avete viste alcune anche sulla mia pagina).
Da qui è venuta l'idea di proporre qualcosa di simile, ma con le Dee, le fate e le streghe disneyane. Io, Massimiliano e il co-autore del saggio, Angelo Serfilippi, ci siamo consultati e abbiamo individuato due opere da citare: "La Primavera" di Sandro Botticelli per le Dee e "Three Witches" di Henry Fuseli per fate e streghe, in riferimento al celebre trio del Macbeth di Shakespeare. Fate e streghe risultano quindi ispirate alla stessa opera, già oggetto di numerose rivisitazioni, a indicare come non si tratti di figure che si pongano sempre dalla parte del bene (le prime) o del male (le seconde), tanto che Malefica è una fata, ma si trova insieme alla Regina Cattiva. Buone e cattive puntano ironicamente il dito le une contro le altre, in un rimando alle diverse direzioni in cui le streghe di Macbeth si sono rivolte nelle varie reinterpretazioni dell'opera.
Il saggio include queste tre illustrazioni in due versioni: a colori (ad acquerello) e in bianco e nero (a penna): in quest'ultimo caso c'è un chiaro rimando, per fate e streghe, alla litografia di Macbeth.
Fondamentale, sia per le Dee che per le fate e le streghe, è la ricorrenza del numero tre.
Per sapere perché, dovrete leggere il saggio. 🌸 Link in bio!

È appena uscito il secondo ebook della mia collan

È appena uscito il secondo ebook della mia collana, scritto insieme a Angelo Serfilippi e pubblicato da Delos Digital!
Il saggio offre un'analisi delle diverse connotazioni che il potere femminile ha assunto nei secoli: Venerazione con le Dee pre-cristiane, Persecuzione con le streghe, Riabilitazione con le fate e infine Liberazione. A fare da cornice all'analisi ci sono le Dee, le streghe e le fate disneyane, fra cui spicca la figura di Elsa di Frozen, personaggio che incarna tutti e tre i ruoli (e non solo). Per saperne di più, clicca sul link in bio!

Il 5 novembre 2001 esce il terzo album di Britney

Il 5 novembre 2001 esce il terzo album di Britney Spears.
La cantante non è più una ragazza, ma non è ancora una donna: "Britney" riflette questo periodo transitorio, in cui la popstar vuole affermare la propria identità e prendere il controllo della sua vita. Questo ci ha fatto pensare al genere del romanzo di formazione, a cui abbiamo ricollegato i testi e i video dei brani più significativi dell'album. Link in bio!

Trovate un mio saggio breve sull'ultimo numero di

Trovate un mio saggio breve sull'ultimo numero di Manga Academica, rivista di studi sul fumetto e sull'animazione giapponese. ✨
Dopo essere stato presentato in anteprima a Lucca Comics 2021, il volume è da oggi acquistabile su Amazon e su tutte le principali piattaforme.
Per saperne di più, clicca sul link in bio!

Nel prossimo saggio della mia collana, in uscita a

Nel prossimo saggio della mia collana, in uscita a novembre, io e Angelo Serfilippi vi parleremo di potere femminile attraverso dee, fate e streghe dei Classici Disney.
C'è tuttavia un tassello fondamentale nella rappresentazione della magia femminile disneyana che non deriva da un lungometraggio d'animazione della major, ma da un fumetto 100% italiano (anzi, genovese) che ha debuttato nell’aprile di 20 anni fa con una storia intitolata proprio "Halloween".

Parliamo ovviamente di Will, Irma, Taranee, Cornelia e Hay Lin, le protagoniste di W.I.T.C.H.
L'ispirazione dietro a questo progetto non è solo la popolarità dei gruppi di ragazze-guerriere in stile Sailor Moon, ma anche un concetto di magia che si distacca nettamente dallo stereotipo della strega di Biancaneve per abbracciare un potere femminile più antico, profondo e ancestrale.

L'introduzione al primo numero della rivista risulta programmatica, in questo senso:

"W.i.t.c.h. è una sigla. Ma se togli i puntini ottieni una parola inglese che significa strega. Strega, in origine, era colei che conosceva la natura e i segreti per rispettarla e dominarla. Aveva un sentire unico e speciale. Perciò era magica".

Ci si riferisce dunque alla magia di quelle donne che solo in seguito avrebbero acquisito la nomea di streghe, ma che in origine rispondevano al ruolo di sacerdotesse e guaritrici, portatrici di sapienza e di spiritualità, in stretto contatto con la natura come le guardiane di Kandrakar, che infatti si legano ai quattro elementi e allo spirito che li unisce, come nella più comune interpretazione pagana del simbolo del pentacolo. E infatti l'ispirazione è stata la religione wicca e l'estetica New Age, che stavano spopolando fra la fine degli anni '90 e l'inizio dei '00.

Qualche mese fa ho avuto l'onore di parlare direttamente con i co-creatori del fumetto, @alessandro_barbucci e @barbara_canepa, che mi hanno raccontato la genesi del progetto che ha dato vita a un nuovo tipo di strega disneyana, anticipando la sede americana di oltre un decennio. Link in bio!

In collaborazione con Alessio D'Avino, scrittore e

In collaborazione con Alessio D'Avino, scrittore ed esperto di Scarlet Witch, voglio condurvi in un viaggio alla scoperta dell'archetipo della strega e della sua evoluzione, dai miti classici alla cultura pop, partendo proprio da WandaVision. Link in bio! @audenfire @togetherweread29

Esiste una lunga storia di associazioni fra stregh

Esiste una lunga storia di associazioni fra streghe e femministe nei prodotti mediali: uno dei casi più recenti è la serie "American Horror Story: Coven", che cela diversi riferimenti alla storia del femminismo.
Ne ho scritto sul mio sito, clicca sul link in bio per leggere l'articolo ✨

Dee, Fate, Streghe. Il potere femminile dai culti

Dee, Fate, Streghe. Il potere femminile dai culti naturali a Walt Disney.
🦋 Presto in tutti gli store digitali 🦋
@angeloserfilippi @delos.digital

Quando Giulia Abbate (@giulia.editor), press manag

Quando Giulia Abbate (@giulia.editor), press manager di Delos Digital, mi ha invitato a curare una collana di saggi legati al mio sito, non ho avuto dubbi su quale fosse il personaggio più adatto a lanciare il progetto.
Samantha, la protagonista di Bewitched, è una strega, figura che ci riporta al femminismo di Seconda Ondata e al suo classico slogan, quel “Tremate, tremate…” che ha caratterizzato le manifestazioni degli anni ‘70, qualche anno dopo la fine della sit-com.
Eppure non è questo il motivo che mi ha spinto a sceglierla, o meglio non è solo questo. A rendere interessante il personaggio concorrono una serie di fattori, primo fra tutti il periodo storico in cui è stato concepito. Bewitched non accompagna il movimento femminista, ma lo precede, vedendo la luce in un contesto sociale in cui il potere femminile da una parte risulta ancora inespresso – come il “problema” messo in luce da Betty Friedan – dall’altra è in procinto di manifestarsi, di esplodere nella Seconda Ondata. Il potere di Samantha rappresenta, dunque, tutto il potenziale di questa collana di saggi, nonché la sua natura stessa: heroica.it, come Bewitched, porta in scena limiti e potenzialità della condizione femminile attraverso un involucro “pop”, leggero.
Come Samantha, che rivoluziona l’archetipo della strega, rendendo familiare e rassicurante il concetto di potere femminile, anche heroica.it veicola messaggi sovversivi fra un arricciamento del naso e l’altro: entrambe sono femministe sotto copertura.

🌸 Scopri di più sul saggio: clicca sul link in bio!
🌸 Assisti alla mia conferenza OGGI alle 17 al Salone del Libro (Sala del Fumetto, PAD 1 - Area @mufant).

La mia analisi su Rose di "Titanic" (1997) non si

La mia analisi su Rose di "Titanic" (1997) non si è concentrata solo sui tratti che la accomunano alle Principesse Disney, ma anche su come la sua storia si inserisca perfettamente nello schema classico del Viaggio dell'Eroe, che caratterizza tutte le principali narrazioni di ogni tempo.
Si parla di "viaggio" perché, nella loro definizione più classica, eroine ed eroi intraprendono un percorso assimilabile ad un viaggio, reale o metaforico, che porta a un cambiamento profondo nel personaggio. Se pensiamo al fatto che Rose compia un viaggio letterale a bordo del #Titanic, mettere a paragone l'immagine della sua partenza con quella del suo arrivo risulta decisamente efficace ai fini del discorso.

La liberazione di Rose appare evidente anche dagli outfit che indossa nel corso del film: essi riflettono la sua condizione, risultando rigidi e pomposi all'inizio, morbidi e leggeri verso la fine. Stesso discorso per i capelli: la vediamo per la prima volta con i capelli perfettamente raccolti, li scioglie per sfogarsi nel momento del tentato suicidio, poi tornano raccolti quando la madre la spinge a lasciare Jack e, quando posa per il ritratto di quest'ultimo, vengono nuovamente sciolti.

Ogni fase del suo percorso si ricollega direttamente a ciascuna delle 12 tappe del Viaggio dell'Eroe, tracciate da Christopher Vogler sulla base degli studi di Campbell.
Scopri di più leggendo il mio articolo, link in bio!

Nelle mie storie potete vedere foto e video dalla

Nelle mie storie potete vedere foto e video dalla mostra "Disney. L'arte di raccontare storie" e scoprire qual è il titolo del prossimo saggio della mia collana per Delos Digital. 🍂🦋

Lunedì 18 ottobre sarò al @salonelibro per prese

Lunedì 18 ottobre sarò al @salonelibro per presentare il primo saggio della mia collana, pubblicato da Delos Digital. ✨
L’incontro è al Padiglione 1, Sala del Fumetto, dalle 17:00 alle 18:00, all’interno di una rassegna di eventi curati dal @mufant!

𝐈𝐥 𝐫𝐢𝐬𝐜𝐚𝐭𝐭𝐨 𝐝𝐢

𝐈𝐥 𝐫𝐢𝐬𝐜𝐚𝐭𝐭𝐨 𝐝𝐢 𝐁𝐫𝐢𝐭𝐧𝐞𝐲
I commenti delle persone che ritengono che la storia di #Cenerentola non sia attuale mi straniscono, a dir poco.
Lasciate da parte il Ballo, i topini, la Fata Madrina, la scarpetta di cristallo e il principe: il significato profondo di questa fiaba, come di tutte le fiabe, è semplice e universale. Parla di una ragazza che si trova in una brutta situazione da cui non sembra esserci via d’uscita, ma parla anche di come questa ragazza riesca a cogliere l’occasione giusta per liberarsi da questa condizione, facendo leva sui propri alleati, ma soprattutto sulla propria forza interiore. Una forza che non la spinge ad una ribellione violenta, perché sa che ad avere il coltello dalla parte del manico è il suo oppressore: questo non la rende una vittima da incolpare perché “non reagisce”, ma una persona che riesce a non farsi sopraffare dagli abusi subiti, sperando di ottenere giustizia.
È a questa storia che ho pensato nell’assistere agli esiti del caso giudiziario di Britney Spears, prigioniera di una conservatorship amministrata dal padre - una figura famigliare ancor più della Matrigna di Cenerentola - che controllava la sua vita e le sue finanze, obbligandola a lavorare contro la sua volontà solo per potersi arricchire sulle sue spalle.

🌸 Continua nel primo commento 🌸

Siamo presenti con uno stand al Loving The Alien F

Siamo presenti con uno stand al Loving The Alien Fest!
Con le nuove illustrazioni di @massy_coleman_talbot e @yasimuf in anteprima e il nuovo saggio annunciato al panel delle 12:30✨

La teca è pronta! ✨
Vi aspettiamo domani per l’inaugurazione della mostra Women Of Wonder e, alle 12:30, la nostra conferenza “Vite da Strega” al Loving The Alien Fest di Torino!

Io e @audenfire partecipiamo alla mostra "Women Of

Io e @audenfire partecipiamo alla mostra "Women Of Wonder. Donne Superpotenti" con una teca dedicata a Scarlet Witch!
Ne parleremo nel nostro panel, sabato 18 alle 12:30, e in un articolo che uscirà presto ✨

@mufant @togetherweread29 #wandavision #wandamaximoff #scarletwitch #supereroina #strega #supereroine #streghe #strega #mufant #vitadastrega

Dee, fate, streghe, supereroine e supercasalinghe.

Dee, fate, streghe, supereroine e supercasalinghe.
Un viaggio attraverso le diverse forme che la magia femminile assume nella cultura pop.
Questo è il tema del panel che terremo sabato prossimo al Loving The Alien Fest di Torino!
In questo post vi presento le persone che saranno con me, svelando qualcosa in più sui progetti che annuncerò in anteprima ✨➡️
@mufant @giulia.editor @angeloserfilippi @audenfire @togetherweread29

Il 18 settembre, in contemporanea al Loving The Al

Il 18 settembre, in contemporanea al Loving The Alien Fest, inaugura la mostra "Women Of Wonder. Donne Superpotenti" al @mufant!
L'esposizione è dedicata alle supereroine, con un'ampia sezione incentrata su Wonder Woman (a cura della collezionista Stefanie Gröner) e vari panel a tema, fra cui segnalo un intervento di @le_sex_en_rose sulla correlazione fra bondage e femminismo che avrà luogo alle 14:45, appena un'ora dopo la fine della nostra conferenza, sullo stesso palco (Spazio 2).

Per parlarvi dell'evento, non ho potuto fare a meno di ripescare una foto di Geri Halliwell travestita da Wonder Woman nel film delle Spice Girls... non riesco a pensare a niente che incarni meglio lo spirito di heroica. 🌸
P.S. All'interno della mostra ci sarà anche una teca curata da me con @audenfire, ma non voglio svelarvi ancora nulla. ✨

Oggi heroica compie 2 anni! 🌸 Ancora una volta,

Oggi heroica compie 2 anni! 🌸
Ancora una volta, voglio festeggiare con le illustrazioni di @yasimuf, che ci accompagnano di anno in anno: dal post inaugurale della pagina Facebook (2019) alla locandina della mostra di Sailor Moon (2020), fino alla copertina del primo saggio della mia collana per Delos Digital (2021).
Stay tuned, perché presto uscirà una seconda illustrazione a tema... ✨

Kill Bill parla di maternità. Più precisamente,

Kill Bill parla di maternità.
Più precisamente, di come la maternità possa influenzare la vita di una donna in una società che ragiona per compartimenti stagni, secondo cui una madre non può essere una donna in carriera, tantomeno una killer che uccide per denaro.
In che modo Beatrix, la protagonista della duologia di Quentin Tarantino, riuscirà a conciliare queste diverse parti di sé? Ne parlo nel mio ultimo articolo, link in bio!

L'analisi costituisce una piccola appendice al mio saggio "Vita da Strega. Da Bewitched alle maghette giapponesi" (Delos Digital, 2021), disponibile su tutti gli store digitali!

#killbill #beatrixkiddo #quentintarantino #maternità #femminismo #femminismi #culturapop #femminista #femministe #killbillvol1 #killbillvol2 #madre #madri #mamma #mammaefiglia

All'inizio degli anni '80, "L'ultimo unicorno" rif

All'inizio degli anni '80, "L'ultimo unicorno" riflette la difficoltà di conciliare aspetti dell'identità femminile che per lungo tempo erano stati considerati incompatibili, come voler essere una donna in carriera e, al contempo, una moglie e una madre.
Il film promuove l'importanza di preservare la propria individualità sopra ad ogni cosa (e strizza l'occhio alla comunità LGBT+), ma il finale conserva un gusto agrodolce: davvero le donne non possono "avere tutto"?

L'analisi, che potete leggere sul mio sito, costituisce una piccola appendice al mio saggio "Vita da Strega. Da Bewitched alle maghette giapponesi", disponibile su tutti gli store digitali! ✨

È appena uscito il primo ebook della mia collana,

È appena uscito il primo ebook della mia collana, pubblicato da Delos Digital!
Per acquistarlo, clicca sul link in bio! 🌸

Il saggio analizza l’impatto della sit-com Vita da Strega (Bewitched) nell’immaginario collettivo. Si parte dal contesto storico in cui è nata e si passa dalle sue antenate alle sue contemporanee (Mary Poppins), fino ad arrivare alle sue eredi americane e giapponesi (Sally la maga, Lamù, Oh Mia Dea!), tracciando la genealogia di una serie che ha rivoluzionato l’immagine della strega nella cultura pop.

Ci siamo quasi! Domani esce il primo ebook della c

Ci siamo quasi!
Domani esce il primo ebook della collana da me curata per Delos Digital. 🌸
@delos.digital @giulia.editor #marypoppins

Oggi celebriamo Misako Kurata, madre di Sana del m

Oggi celebriamo Misako Kurata, madre di Sana del manga e anime "Kodomo No Omocha" ("Rossana").

Misako è una donna che ha vissuto sulla propria pelle le pressioni della società riguardo al diventare madre, con pesanti complessi di inferiorità nel momento in cui capisce di non poter avere figli. Misako giunge quindi ad una conclusione drastica: se non può essere una donna ordinaria agli occhi della società, non le resta che diventare una donna straordinaria.
E così si lascia andare, uscendo dagli schemi con una nuova capigliatura e un nuovo atteggiamento nei confronti della vita: abbracciando la propria "stranezza", Misako trova la serenità e, soprattutto, il lato più autentico di sé.
È solo in questo momento che la vita le presenta l'opportunità di diventare madre: Misako scorge una bambina abbandonata su una panchina e capisce che quella è la "sua" Sana.
La crescerà da sola, divorziando dal marito, e sarà per lei una madre "straordinaria".

A discapito dell'aura di follia che la circonda, Misako è una donna profondamente saggia e razionale, ma anche criptica e apparentemente scostante nei confronti della figlia, alla quale riserva ben poche manifestazioni d'affetto. In realtà, tiene a Sana più che a chiunque altro, anche se il suo comportamento può farla apparire, agli occhi degli altri, come una madre degenere: con la figlia rompe ogni tabù - come quando parla apertamente di precauzioni sessuali - e non si fa mai problemi a sbatterle in faccia la realtà. D'altronde, le ha rivelato in tenera età di non essere la sua vera madre.

Il rigore con cui Misako cresce Sana è lo stesso che impone a sé stessa nel crescerla, in apparente contrasto con il folle contorno di copricapi ed ammennicoli di cui ama circondarsi, che anzi tornano spesso utili a scopo educativo (come quando colpisce la figlia con un martello di gomma per farla ragionare). E così, Misako sa bene che la cosa giusta è che Sana possa incontrare la sua madre biologica, scegliendo autonomamente con chi stare, anche se questo potrebbe significare perderla per sempre.
Quando arriverà il momento di prendere una decisione, Sana non avrà dubbi su chi sia la sua "vera" madre.

La Primavera delle Streghe entra nel vivo con un a

La Primavera delle Streghe entra nel vivo con un annuncio speciale: a partire da fine maggio sarò il curatore di un collana di saggi sui personaggi femminili nella cultura pop per l'editore Delos Digital, che pubblicherà 8 contributi scritti da me e da altre/i. ✨

Grazie a @giulia.editor per avermi invitato a ricoprire questo ruolo!
Ci sarà spazio per i grandi classici di heroica, ma anche per tante, tantissime novità.
Continuate a seguirmi per saperne di più...

#streghe #culturapop #saggi #saggio #trematetremate #trematetrematelestreghesontornate @delos.digital #delosdigital #vitadastrega #bewitched @studio83_serviziletterari

Il 3 aprile di 20 anni fa usciva il rivoluzionario

Il 3 aprile di 20 anni fa usciva il rivoluzionario fumetto W.I.T.C.H., ideato da Elisabetta Gnone con @alessandro_barbucci e @barbara_canepa, che ho avuto il piacere e l'onore di intervistare per voi!
Link in bio 🌸

"Siamo donne, oltre le gambe c'è di più". Trent'

"Siamo donne, oltre le gambe c'è di più".
Trent'anni fa, Jo Squillo e Sabrina Salerno cantavano sul palco di Sanremo, anticipando la Terza Ondata Femminista.

Siamo nel 1991: i moti della Seconda Ondata, quella degli anni '60 e '70, sono andati scontrandosi con il conservatorismo degli anni '80. Le donne sono entrate in massa nel mondo del lavoro, ma i ruoli di genere rimangono rigidamente divisi: "C'è chi insegue la carriera, poi a casa è cameriera", canta Sabrina.
Oltreoceano ci sono le riot grrrl con il loro Girl Power, nato proprio nello stesso anno, che si materializza in seguito - nella sua accezione più pop - con le Spice Girls: "Il Girl Power è come il femminismo, ma non devi per forza bruciare il tuo reggiseno".

Ecco, quindi, che il duo Squillo-Salerno anticipa clamorosamente uno dei punti più caldi del Femminismo di Terza Ondata: puoi essere femminista anche indossando reggiseni imbottiti, tacchi alti e gonne cortissime. Come Sabrina, puoi urlare "oltre le gambe c'è di più" mentre ti levi la giacca mostrando cosce e seno, e devi comunque essere rispettata.
Era una provocazione, un gioco di contraddizioni apparenti che aderiva perfettamente al clima sociale che avrebbe dato vita alla nuova era del femminismo occidentale.

***

Jo e Sabrina non furono prese sul serio: le due artiste, considerate niente più che delle ragazzine scalmanate, furono relegate in fondo alla scaletta del Festival di quell'anno, costrette ad esibirsi a notte fonda (registrando comunque ascolti stellari), e oggi non godono certo di una considerazione maggiore.
Al Festival di quest'anno, per il trentennale di "Siamo donne", abbiamo assistito a un tristissimo siparietto con Amadeus e Fiorello armati di parrucche, mentre Jo e Sabrina sono state lasciate (ingiustamente) a casa.
Per fortuna, a chiamarle ci ha pensato @netflixit, che ha pubblicato un video promozionale che alterna spezzoni da un nuovo videoclip di "Siamo donne", girato da Jo e Sabrina, a scene dalla serie Sky Rojo. 🌸

@jo_squillo @sabrinasalernofficial #siamodonne #josquillo #sabrinasalerno #netflixitalia #skyrojonetflix #sanremo #sanremo1991 #sanremo91

𝐋𝐚 𝐏𝐫𝐢𝐦𝐚𝐯𝐞𝐫𝐚 𝐝

𝐋𝐚 𝐏𝐫𝐢𝐦𝐚𝐯𝐞𝐫𝐚 𝐝𝐞𝐥𝐥𝐞 𝐒𝐭𝐫𝐞𝐠𝐡𝐞 sta arrivando...
Ad aprile e a maggio su heroica.it.

𝐋𝐚 𝐏𝐫𝐢𝐦𝐚𝐯𝐞𝐫𝐚 𝐝

𝐋𝐚 𝐏𝐫𝐢𝐦𝐚𝐯𝐞𝐫𝐚 𝐝𝐞𝐥𝐥𝐞 𝐒𝐭𝐫𝐞𝐠𝐡𝐞 sta arrivando...
Ad aprile e a maggio su heroica.it.

Stasera su Canale 5 c'è "Titanic" (1997), da poco

Stasera su Canale 5 c'è "Titanic" (1997), da poco sbarcato su Disney+: quale occasione migliore per spiegarvi perché Rose è... una principessa Disney? 👸🏼
Illustrazione di @ubodan. 🚢
Link in bio!

#titanic #canale5 #titaniccanale5 #staseraintv #rosetitanic #rosedawson #rosedewittbukater #principessadisney #principessedisney #disney #disneyplusstar #disneyplusitalia #mediaset @disneyplusit @mediasetplay

Ieri sera, al Festival di Sanremo, Achille Lauro h

Ieri sera, al Festival di Sanremo, Achille Lauro ha indossato una parrucca con una treccia rossa.
Il riferimento è chiaro: parliamo di quella che viene considerata la più grande cantante della musica italiana, Mina.

Nel 1978, Mina sparisce dalle scene: da allora, comunica solo attraverso le copertine dei suoi dischi, su cui la sua immagine compare ogni volta rielaborata, decomposta, dissacrata. Ha cominciato nel 1979 con l'album "Attila", sulla cui copertina appare come un manichino privo di identità, come a voler sfigurare l'immagine che il pubblico aveva di lei, come a dire "da oggi in poi decido io".

Nei decenni successivi, Mina giocherà con la sua immagine spezzando ogni limite, compresi quelli che tradizionalmente definiscono e contrappongono i generi sessuali. La cantante apparirà prima con una barba leonardesca sulla copertina di "Salomè" (1981), poi il suo volto comparirà sul corpo di un uomo palestrato in "Rane supreme" (1987), forse una critica all'ideale iper-machista degli anni '80, decennio in cui si è diffuso il culto della palestra e del corpo scolpito. In questa copertina, come in molte altre, appare la treccia che Achille Lauro ha riproposto ieri sera sul palco dell'Ariston, accompagnata da un trucco che ricorda la Mina degli anni '70.
Se si considera il percorso artistico di Lauro a favore della fluidità sessuale, nonché la sua battaglia contro la mascolinità tossica, la citazione a Mina appare decisamente centrata.

@mina_mazzini_official @minamazzinifanclub @achilleidol @sanremorai #mina #minamazzini #sanremo #festivaldisanremo #festivalsanremo #festivalsanremo2021 #sanremo2021

"Lizzie McGuire" ha debuttato su Disney Channel es

"Lizzie McGuire" ha debuttato su Disney Channel esattamente 20 anni fa, il 12 gennaio 2001, nel pieno della Terza Ondata Femminista.

Uno dei temi principali della Third Wave è la valorizzazione di quelle apparenti "contraddizioni" che in realtà sono semplicemente sfaccettature del carattere, delle passioni e delle attitudini di ogni ragazza e di ogni donna.
Come Lizzie, puoi essere attenta alla moda e andare dietro al belloccio di turno, ma essere comunque intelligente, talentuosa, determinata: una cosa non esclude l'altra, al di là di ogni stereotipo.

E così, proprio nel 2001, Nike lancia una campagna che gioca sull'apparente dissonanza fra le attitudini e i comportamenti stereotipicamente considerati femminili e quelli stereotipicamente considerati maschili, con claim come "Mi metto lo smalto alle unghie. Gioco a football", mentre Reebok presenta una campagna in cui Venus Williams appare con un abito rosa da principessa e le scarpe da ginnastica, a dimostrare che una donna può essere entrambe le cose.

Non è un caso, quindi, che anche "Lizzie McGuire" tratti questo tema nell'episodio 2x32: protagonista della scena in questione è la coach Kelly, la professoressa di Educazione Fisica di Lizzie. L'insegnante è una donna forte e robusta, che a un primo sguardo può incarnare tratti stereotipicamente legati alla mascolinità, ma che non si lascia definire da quello che la società associa al suo aspetto.

"Per alcuni, essere forti è una cosa da maschi, ma è solo perché hanno poco cervello. Solo perché ti piace giocare a football, non significa che tu non possa fare cose più femminili. Io sollevo i pesi, ma mi piace anche ballare lo swing con il signor Lang. E mi cucio gli abiti da sola, dato che non ne trovo adatti alle mie braccia".
"Questo è figo, allora lei fa entrambe le cose?", chiede Lizzie.
"Sì, e puoi farlo anche tu, McGuire".

"Non accetterò di essere giudicata da te o dalla

"Non accetterò di essere giudicata da te o dalla società. Indosserò qualunque cosa io voglia e succhierò chiunque io voglia, fino a che sarò in grado di respirare e di inginocchiarmi".

Questa citazione di Samantha Jones dall'episodio 5x04 di "Sex And The City" (1998-2004) sembra distante anni luce dalle frasi motivazionali che siamo abituati a leggere, ma è esattamente una di quelle. La sua è una dichiarazione di libertà, un invito a non giudicare gli altri per come scelgono di vivere la loro vita. Quando, nell'episodio 3x10, Carrie chiede a Samantha "Non vuoi giudicarmi neanche un po'?", quest'ultima risponde "Non è nel mio stile". Qualche stagione più tardi, sarà la stessa Carrie a giudicarla, dando vita alla citazione motivazionale di oggi, in quello che sembra essere un triste rimando alla situazione vissuta dalle due attrici sul set.

E quindi arriviamo ai giorni nostri, all'annuncio del revival di "Sex And The City", che non vedrà la partecipazione di Kim Catrall nel ruolo di Samantha.
L'idea di un revival può essere gradevole nell'ottica di poter vedere a che punto della loro vita si trovano le amiche che abbiamo tanto amato, ma perde di senso nel momento in cui realizziamo che, ovunque si trovino, sarebbero tutte e quattro insieme, anche a distanza.

È davvero concepibile un "Sex And The City" in tre?
Carrie, Samantha, Miranda, Charlotte: ognuna di loro è fondamentale, in quanto rappresenta un diverso punto di vista sul sesso, sull'amore e sulla vita. In mancanza di una di loro, questo nuovo capitolo non può certo chiamarsi "Sex And The City", da qui il ragionevole cambio di titolo in "And Just Like That...".

Per il resto non vogliamo dare giudizi affrettati, ma quel che è certo è che Samantha ci mancherà. Tanto.

In "Principesse del loro tempo: 1937-1959" faccio

In "Principesse del loro tempo: 1937-1959" faccio anche riferimento all'hairstyle, citando alcune celebrità dell'epoca. ✨
Biancaneve riprende la capigliatura da "star" come Vivien Leigh e Claudette Colbert, mentre Cenerentola si ispira a Rita Hayworth e Judy Garland e Aurora pesca da Brigitte Bardot e Jeanne Crain.
Leggi l'articolo completo con tutti i possibili riferimenti (e nuove foto per Aurora), link in bio! 🌸

Negli anni '80, le donne cominciano a farsi strada

Negli anni '80, le donne cominciano a farsi strada ai piani alti delle più grandi aziende americane indossando completi rosa per rivendicare la loro femminilità in un ambiente fino a quel momento dominato dagli uomini.

Mattel recepisce il messaggio e, nel 1985, lancia sul mercato la Day-to-Night Barbie, una donna in carriera che veste in “total pink”. 💅🏻

Vestirsi di rosa diventa un gesto rivoluzionario quando a farlo sono donne che affermano la loro femminilità rifiutando la concezione patriarcale del termine.
Ne parlo in "Legally Blonde, la rivincita del rosa", link in bio! 💄
#legallyblonde #larivincitadellebionde #rosa #thinkpink #totalpink #ellewoods

Quest'anno, su heroica.it, si incontreranno Sacro

Quest'anno, su heroica.it, si incontreranno Sacro e Profano.
Continuate a seguirmi! 🌸 @cicciolina_official

Ogni principessa Disney è strettamente legata all

Ogni principessa Disney è strettamente legata all'epoca in cui è uscito il proprio film: se Biancaneve persevera come le donne della Grande Depressione, Cenerentola si tuffa nel sogno americano del Dopoguerra e Aurora scopre di far parte di un nuovo segmento demografico, quello dei teenager del Boom Economico.
Nella mia nuova analisi, ricolloco le tre principesse classiche rispettivamente nel 1937, 1950 e 1959, con riferimenti al contesto storico, alla moda e alla società del loro tempo.
Leggi tutto su heroica.it, link in bio! 👑✨

In queste festività, @rai1official non trasmetter

In queste festività, @rai1official non trasmetterà nessun Classico Disney: dopo aver annunciato quattro titoli (fra cui "Biancaneve" e "Cenerentola"), già pochi rispetto agli standard abituali, ha fatto retromarcia, sostituendoli in parte con i loro remake in live action.

heroica, al contrario, ci tiene alla tradizione che lega l'animazione Disney al Natale, e non ha alcuna intenzione di cambiare il proprio palinsesto: a dicembre vi aspetta un articolo sulle tre principesse classiche, le stesse che Rai1 aveva trasmesso in prima serata il 25-26-27 dicembre di due anni fa, con ottimi indici d'ascolto. Link in bio per l’articolo completo 👑

Ieri abbiamo festeggiato i 70 anni dall'arrivo di

Ieri abbiamo festeggiato i 70 anni dall'arrivo di "Cenerentola" in Italia!
Oggi vi riporto una citazione direttamente da Walt Disney, che può mettere a tacere chiunque accusi Cenerentola di essere "passiva".

Sappiamo che l'intento di Cenerentola, in realtà, non era quello di trovare un principe, ma le parole di Walt evidenziano la sua intraprendenza, che le ha permesso di prendere in mano la sua vita anche solo per una notte, andando incontro al suo destino.
Inoltre, il fatto di recarsi al ballo di nascosto dalla Matrigna e di farlo da sola, senza nessun accompagnatore, è un gesto ribelle, coraggioso e rivoluzionario per una ragazza del 1950.
Basti pensare che per molti, ancora oggi, è un tabù il fatto che le donne escano di casa da sole in situazioni come quella di Cenerentola, che esce di sera tardi per recarsi a una festa.

Di questo, e di tanto altro, ne parlo ne "Il riscatto di Cenerentola", la mia analisi su heroica.it: link in bio! 🌸

Oggi sono esattamente 30 anni dall'uscita del clas

Oggi sono esattamente 30 anni dall'uscita del classico Disney "La Sirenetta" in Italia: per festeggiare, voglio condividere con voi una riflessione.

C'è un aspetto fondamentale che non viene mai preso in considerazione da chi accusa Ariel di "rinunciare alla sua voce per un uomo", ma neanche da chi la difende citando il suo interesse pregresso per il regno degli umani e la sua età.

Questo aspetto ingiustamente sottovalutato è il fatto che la rinuncia di Ariel non venga mai connotata positivamente.
Così come le parole di Ursula, secondo cui gli uomini si innamorano di "colei che sa tacer", si rivelano fallaci: senza la propria voce, Ariel non riesce a conquistare Eric.
Il principe, infatti, non è rimasto colpito dal suo aspetto fisico (che è riuscito a scorgere solo di sfuggita), ma dalla sua voce, che fin dall'inizio del film ci viene presentata come la sua dote più grande, che diventa una metafora della sua individualità.
Senza voce, Ariel è dolce e carina, ma è una delle tante; con la sua voce, Ariel è "the one".
Non a caso, il momento in cui la protagonista ritrova la sua voce coincide con il climax del film: è qui che Eric si rende conto che Ariel è la ragazza di cui si è innamorato, anche se - come dice Ursula - "ormai è troppo tardi".

La storia, in barba a chi sostiene il contrario, dimostra come annullare sé stessi per amore sia sbagliato e controproducente: certo, Ariel cambia il suo corpo per vivere con Eric - che pur scopre e accetta le sue origini - ma quello è solo il suo aspetto estetico, mentre la voce della protagonista incarna la sua interiorità più profonda, la sua essenza. È di questa che Eric è innamorato.

In un mondo in cui, come sostiene Ursula, le donne vengono valutate solo in base al proprio aspetto esteriore, "La Sirenetta" punta l'attenzione sull'importanza di quella "voce" femminile che la società tende a reprimere, quell'individualità che le donne sono spinte a mettere da parte per trovare un uomo e che, invece, è proprio ciò che le rende speciali, anche agli occhi di quest'ultimo.

Quindi questa è la storia di una ragazza che rinuncia alla sua "voce" per amore, ma che può raggiungere il suo lieto fine solo dopo averla ritrovata.

Ripercorriamo la complessa storia del colore rosa,

Ripercorriamo la complessa storia del colore rosa, discutiamo delle sue connotazioni di genere e distruggiamo gli stereotipi legati all’iperfemminilità attraverso l’analisi de “La rivincita delle bionde” (2001). 💅🏻 🎀
Il mio nuovo articolo vi aspetta su heroica.it, link in bio 🌸 #legallyblonde #larivincitadelrosa

Con il suo ombelico, Raffaella Carrà lancia una p

Con il suo ombelico, Raffaella Carrà lancia una piccola rivoluzione sulla televisione italiana.
Oggi sono passati esattamente cinquant'anni da quel giorno, era il 10 ottobre 1970.
Leggi tutta la storia su heroica.it, link in bio! #LiberazioneSessualePop

Nata dalle strisce di Quino fra gli anni '60 e '70

Nata dalle strisce di Quino fra gli anni '60 e '70, Mafalda si fa portavoce delle contestazioni sociali della sua epoca, ma la sua rivoluzione più grande è quella di essere una bambina.

In contrasto con l'educazione tradizionalmente riservata alle bambine, che le vorrebbe mansuete e remissive, Mafalda non ha paura di dire la sua, di fare polemica, di alzare la voce.
E lo fa parlando di politica e di attualità, argomenti che per lungo tempo sono stati interdetti alle donne, figuriamoci a bambine e ragazze.
Eppure nel suo mondo, che è anche il nostro, Mafalda è l'unica a sapere di cosa sta parlando, a mostrare un po' di buon senso, a dire le cose come stanno. Lo fa con sarcasmo, acume e brutale onestà, facendo vergognare gli adulti.

L'apparente contrasto fra l'aspetto di Mafalda e quello che dice lancia un chiaro messaggio: mai sottovalutare le bambine.

In celebrazione del personaggio, che ha compiuto 56 anni due giorni fa, e del suo autore, che ci ha lasciato ieri, vi invito a leggere (o a rileggere) questo capolavoro del fumetto. 💭

Nel settembre di quasi 25 anni fa andavo in prima

Nel settembre di quasi 25 anni fa andavo in prima elementare con questo astuccio e, per quanto lo amassi profondamente, un po' mi vergognavo perché mi era stato insegnato che il rosa era un colore "da femmine".

Il mio prossimo articolo "La rivincita del rosa" è un manifesto di tutto ciò che questo colore ha significato e significa nella società, e di quanto sia importante riappropriarsene per dargli la connotazione che più preferiamo, o semplicemente per amarlo senza vergogna.

L'astuccio lo trovate alla mostra di cui sono co-curatore al @mufant, che ha inaugurato ieri!

Grazie a @paoladelriocollezioni che l'ha prestato al Museo (il mio purtroppo, non lo trovo più).
Visitate il suo canale YouTube: paoladcollezioni!

"A Wong Foo, grazie di tutto! Julie Newmar" compie

"A Wong Foo, grazie di tutto! Julie Newmar" compie 25 anni!
In questa scena, le tre protagoniste omaggiano Flora, Fauna e Serenella: su un balcone, vestite di rosa, verde e azzurro, osservano a distanza i risultati della loro "missione", volta ad aiutare il prossimo.
Vi consiglio di vedere il film (davvero magico!) e magari rileggere il mio articolo sulle tre Fate, link in bio!

Cos'è heroica e perché si chiama così? Leggi il

Cos'è heroica e perché si chiama così?
Leggi il Manifesto su heroica.it, link in bio!

Ecco l'immagine promozionale della mostra dedicata

Ecco l'immagine promozionale della mostra dedicata a #sailormoon a cui sto lavorando in collaborazione con il museo @mufant di Torino e con @nino_giordano 🌙
L'illustrazione è di @yasimuf.

Simonetta Vespucci, nobildonna genovese ritratta d

Simonetta Vespucci, nobildonna genovese ritratta da Sandro Botticelli in numerose opere, fra cui la celeberrima "Nascita di Venere" (1483-85), era stata definita "La Sans Par", ovvero "La senza pari".
Ironicamente, l'arte di Botticelli renderà la sua immagine talmente iconica che, nei secoli successivi, non potrà esimersi dall'essere esposta a infiniti paragoni con nuovi modelli femminili di bellezza.

A noi piacciono i paragoni, soprattutto quelli arditi, che uniscono fra loro mondi lontani mescolando "sacro" e "profano", alto e basso, arte e pop.
Niente è davvero "intoccabile", ma ammettiamolo: esistono personaggi più direttamente paragonabili alla "Venere" di Botticelli rispetto a Chiara Ferragni.

Il paragone più azzeccato è probabilmente quello con Marilyn Monroe, messo in luce dalle opere dell'artista piemontese Omar Ronda.

Simonetta era considerata la donna più bella di Firenze, e quindi del Rinascimento italiano, allo stesso modo in cui Marilyn era considerata l'icona suprema della bellezza e della sensualità hollywoodiana nel XX secolo.
Entrambe erano amate dagli uomini più potenti della loro epoca: i fratelli De Medici per la prima, i Kennedy per la seconda. Entrambe moriranno prematuramente, ma la loro immagine rimarrà scolpita per sempre nell'immaginario collettivo e nell'arte, quella rinascimentale e quella "pop", grazie a Sandro Botticelli e a Andy Warhol.

Anticonformista, folle, coraggiosa e terribilmente

Anticonformista, folle, coraggiosa e terribilmente umana.
Sana è una ragazzina che parla a voce alta e non le manda a dire, neanche agli adulti.
Con la sua energia, irruenza, determinazione e positività, è stata un modello per le bambine e i bambini che, esattamente 20 anni fa, hanno cominciato a seguire le sue disavventure su Italia 1.

Raffaella Carrà, nei panni di una Britney Spears

Raffaella Carrà, nei panni di una Britney Spears ante-litteram, porta la rivoluzione sessuale dei movimenti del '68 nella televisione italiana.
Ecco la sua Liberazione Sessuale Pop in cinque punti. 🌸 ➡️
Leggi l'analisi completa su heroica.it, link in bio!

Celebriamo l'anniversario di due addii molto "pop"

Celebriamo l'anniversario di due addii molto "pop" che - coincidenza! - ricorrono a distanza di un giorno l'uno dall'altro.
Ieri erano 36 anni dall'addio di Creamy de "L'incantevole Creamy", oggi sono 25 anni dall'addio di Ambra Angiolini a "Non è la Rai".

Le due "teen idol" si esibiscono per l'ultima volta, in lacrime, nei loro cavalli di battaglia ("Dimmi che mi ami teneramente" e "T'Appartengo"), facendo piangere frotte di fan rispettivamente nel 1984 e nel 1995.

Da dove nasce l'estetica dei manga per ragazze, da

Da dove nasce l'estetica dei manga per ragazze, dagli occhi grandi e luminosi agli sfondi floreali? Ne parlo su heroica.it, link nelle storie 🌸

O la si ama o la si odia: a lei in ogni caso non i

O la si ama o la si odia: a lei in ogni caso non importa, continuerà a fare quello che vuole, qualunque cosa pur di raggiungere il suo obiettivo.
Egocentrica, avida e manipolatrice, Scarlett O'Hara di "Via col Vento" spezza tutte le regole, anche quelle che definiscono un'eroina. Ne parlo su heroica.it, link in bio 👉 @heroica.it

Per la Festa della Mamma, vi consiglio "Brisby e i

Per la Festa della Mamma, vi consiglio "Brisby e il segreto di NIMH" (1982) di Don Bluth, la storia di una madre coraggiosa che si avventura in un mondo più "grande" di lei per salvare i suoi figli e la sua casa. Uno dei rarissimi casi in cui, ad essere protagonista di un film d'animazione, è una figura femminile matura, una madre e una vedova.
Mrs. Brisby è decisamente eroica.

#brisbyeilsegretodinimh #thesecretofnimh #mrsbrisby #festadellamamma #festadellamamma2020 #animazioneamericana #donbluth #eroinafemminile #femminismo #maternità

Perché abbiamo scelto una foto di Mina nel ruolo

Perché abbiamo scelto una foto di Mina nel ruolo della magica Aichesiade in “Per amore… Per magia” (1967)?
Perché nel prossimo articolo parleremo di donne con poteri magici e Mina ricalca queste figure nel suo continuo sfuggire alla norma, a partire dalla statura fisica e dai tratti fisionomici, che la rendono una presenza atipica nella televisione degli anni ’60. Contravverrà alla norma quando, nel 1963, rimarrà incinta di un uomo senza essere sposata, e sarà ripudiata e bandita dalla Rai come la più temibile delle streghe.
Negli anni ’70 canterà il desiderio sessuale femminile con “L’importante è finire” e “Ancora ancora ancora”, rischiando di finire al rogo.

E poi sparirà, magicamente.
Da allora riappare con regolarità in forme diverse, sfidando più che mai ogni tipo di norma con le copertine dei suoi dischi e con la sua stessa assenza-presenza. Come ogni strega, non si muove mai dal suo covo. Osserva tutto, anche se noi non possiamo vederla.
In testa però abbiamo ancora la voce ammaliante, lo sguardo incantatore e la frenetica gestualità che preludevano al più terribile dei sortilegi.
E infatti, a 62 anni dal suo debutto e a 42 dal suo ritiro, siamo ancora vittime del suo incantesimo.

Tanti auguri, Mina.

@mina_mazzini_official therealbenedettamazzini @mauro.balletti #mina #minamazzini #minamazziniofficial #minamazzinidaily #minamazzinifans #minamazzini🔝 #augurimina #buoncompletannomina #mina80anni #compleannodimina @mina_mazzini_unofficial @minamazzinifanpage @minamazziniqueen @minamazzini @mina_mazzini_daily @mina_mazzini_collection @team_mina_mazzini_ #tigredicremona #minamazziniqueen #minamazzinicollection @mzzinia @minamazzini66 @minamazzini @minamazzinifan @minannamazzinifanpage @theminamazzini

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